viernes, 29 de octubre de 2010

Construyendo Museos, "MUSAC"









Inaugurado en 2005 por los arquitectos Emilio Tuñón y Luis Mansilla (ganadores del premio de Arquitectura Española en 2003 por el Auditorio de la Ciudad de León) el MUSAC - Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León - ha conseguido meterse en uno de los grandes museos españoles por su colección, sus exposiciones y su arquitectura. El edificio ganó en 2007 el premio Mies van der rohe de Arquitectura Contemporánea de la Unión Europea, además formó parte de la exposición New Architecture in Spain que el MoMA organizó en el pasado año 2006 y representó a España en la Bienal de Arquitectura de Venecia de 2004.

Su fachada exterior cubierta por grandes vidrios de colores mantiene en relación la arquitectura clásica de la Catedral de León con la contemporaneidad del Museo poniendo en comunión el arte y la arquitectura, la ciudad y la cultura. Su forma cóncava crea un espacio ideal para la actividades y exposiciones que se organizan con asiduidad en la plaza que precede a los paneles de vivos colores.

Construido en hormigón blanco el edificio de una sola planta se organiza en numerosas salas autónomas y a su vez encadenadas que permiten una buena organización de exposiciones de diferentes tipos. Son repeticiones sitemáticas en las que es común encontrarnos con patios y luminarios que dotan al edificio de una luz especial. La expresividad del museo pasa de las obras a los muros y viceversa.

En su interior podemos encontrar obras de nuestro tiempo, un museo "creado para el siglo XXI", entre ellas se encuentran las de artistas como Gregory Crewdson, Daniel Canogar, Miki Leal, o Yinka Shonibare.

Si quieres darte un paseo y ver una nueva concepción de museo y ciudad podrás encontrar las exposiciones Modelos para armar, CGEM: Apuntes sobre la emancipación, Pulgar y Pasaje Múltiple

Información útil:

Avenida de los Reyes Leoneses, 24
24008 León

De martes a viernes: Mañanas: de 10:00 a 15:00 hs.
Tardes: de 17:00 a 20:00 hs.

Sábados y domingos: Mañanas: de 11:00 a 15:00 hs.
Tardes: de 17:00 a 21:00 hs.

Lunes: cerrado.

Entrada gratuita

Página Web

jueves, 28 de octubre de 2010

Capricho artístico "White Center", Mark Rothko


Título: White center (yellow pink and lavender on rose) / Centro Blanco (Amarillo, Rosa y Lavanda sobre Rosa)
Autor: Mark Rothko
Fecha: 1950
Medidas: 214.5 x 174 cm
Técnica: Óleo sobre lienzo
Propietario: Colección Privada


La obra de este mes fue la gran estrella de la subasta de Sotheby's en Nueva York en 2007. Fue vendida por 72,84 millones de dólares, alcanzando en su momento el récord como la pintura más cara jamás vendida en subasta y la más cara del artista. Anteriormente había pertenecido a la colección del banquero millonario David Rockefeller desde 1960. Fue adquirida mediante puja telefónica por un comprador anónimo.

Rockefeller había comprado esta obra por 8500 dólares en la galería que pertenecía a la sobrina de uno de los tres fundadores del MoMA, Elizabeth Bliss Parkinson, y estaba colgada en su oficina del Rockefeller Center de Manhattan.

La casa de subastas había estimado la obra en 40 millones de dólares. Ni ellos mismos sospechaban lo que finalmente ocurrió.

¿Qué hace que esta pintura alcance tales cifras?

Rothko (1903-1970) es considerado uno de los grandes artistas del expresionismo abstracto. Cuando pensamos en este movimiento, nos viene a la mente en la mayoría de las ocasiones obras de Pollock, De Kooning, obras expresionistas que nos llenan de violentan manchas de pinturas y pinceladas gestuales. Sin emabrgo, el expresionismo de Rothko no quería transmitir ese sentimiento, sino justo el contrario. Quería profetizar en un mundo pagano, adentrarse en el alma, en lo espiritual. Sus obras, como en este caso son de unos formatos inmensos con la intención de hacerle la tarea más fácil al espectador. Un lienzo de tales dimensiones nos permite bañarnos en él, meternos dentro. Algo parecido a lo que intentó hacer Monet con sus paneles de nenúfares en la sala de L'Orangerie es lo que Rothko intenta en su capilla.

Gracias a una técnica de superposición de veladuras consigue crear una sensación de manchas que flotan sobre un fondo de color sin huellas de pinceladas ni marcas de autor.

lunes, 25 de octubre de 2010

¿Quién es... YINKA SHONIBARE?








Yinka Shonibare es un artista londinense de origen Nigeriano. En 1965, con 3 años su familia se trasladó a su país de donde Yinka regresó para realizar sus estudios artísticos.

Esta mezcla de culturas es la base de su producción artística. Pone en el punto de mira las relaciones políticas, coloniales, culturales entre los dos mundos, el europeo y el africano. Es fácil encontrar reinterpretaciones de grandes artistas como Goya y Fragonard, y lo cierto es que suele inspirarse en ese mundo del neoclasicismo, rococó y romanticismo. Esa época de las colonias, de la Revolución francesa, a la que hace un guiño representando a mucho de sus personajes sin cabeza en honor de la guillotina.

Caballeros y damas ataviados con la moda de la época son vistos desde otro punto de vista. Sus diseños pertenecen a la estética del imperio francés, sin embargo las telas, colores y estampados miran al sur, al país de sus orígenes, a Nigeria. Colores llamativos, alegres recuerdan a la vestimenta de esas mujeres africanas cargadas con sus hijos a la espalda que caminan hasta llegar al río donde lavar o recoger agua. De estra manera hace una crítica a la sociedad a sus relaciones.

Shonibare dio el gran salto al mundo del arte gracias a la exposición Sensation que el gran galerista Saatchi organizó en Londres en 1997, desde entonces fue incluído como sus compañeros en el grupo de "Young British Artists". En 2004 fue nominado al premio Turner, en 2005 fue nombrado Miembro de la Orden del imperio británico, MBE y en 2007 Doctor honorario en la Huron University College, Londres Ontario.

Muchos de los grandes museos cuentan con obras del autor en sus colecciones permanentes, entre ellos podemos destacar el MoMA de Nueva York, la Tate de Londres, el Art Institute de Chicago, la National Gallery de Canadá, La National Gallery de Edimburgo, La Gall. Nazionale d'Arte Moderno de Roma, ...

De joven se le diagnosticó una mielitis transversa que según dijeron desembocaría en una parálisis total, pero hoy día podemos alegrarnos de que la única secuela real que le dejó la enfermedad fue una leve inclinación de cabeza que le permite seguir creando arte en todo su esplendor.

jueves, 14 de octubre de 2010

¿Por qué no entendemos el arte conceptual?






Dejando a un lado nuestros gustos personales y opiniones diversas sobreloo que hoy es considerado como arte contemporáneo, ¿qué es lo que nos extraña de él?.

El punto altamente discutible de arte contemporáneo reside concretamente en el arte conceptual. No se discute si es arte o no un bonito cuadro figurativo con técnica "clásica". Se discute si es arte unn tiburón en formol, cautro líneas de colores de una obra abstracta, neumáticos dispersados por las salas de un museo, en definitiva, lo que podríamos considerar un arte conceptual. un arte en el que las formas y la estética no importan tanto como el mensaje que se pretende transmitir con ellas.

¿Pero no era eso lo que sucedía en la Antigüedad? ¿Por qué no se discute de la capacidad artítica de los maestros del gótico, de los creadores de kuroi? No tenían la ténica barroca, ni la renacentista, no se interesaban por marcar las personalidades, la verosimilitud, el realismo. Importaba el mensaje. Daba igual pintar un elefante aunque nunca se hubiera visto, aunque no pareciera un elefante, lo que improtaba es qué se quería decir con ese elefante. Podríamos también criticar la diferencia de proporciones. Ellos sabían perfectamente que un Rey, por el hecho de ser Rey, no medía 3 veces más que un aldeano, sin embargo así los representaban, porque el concepto de Rey era mucho mayor que el de aldeano.

Antes el mundo estaba regido por la religión y la jerarquía social y es lo que representaban en sus obras conceptuales. Hoy, estos artistas prefieren plasmar sentimientos, sensaciones, mucho más acordes, si lo pensamos bien, con un arte conceptual. ¿cómo representar la alegría - no un momento alegre- de una forma no conceptual?

Concepto.

miércoles, 6 de octubre de 2010

Ya hay ganador en el homenaje a Banksy!




A dos días del estreno de la película documental Exit Through the Gift Shop sobre la vida de Baksy, el concurso "Street yourself" ha dado su veredicto. Mientras subía la noticia anterior al blog, en el de Exit Through the Gift Shop estaban actualizando para comentar el ganador y sus finalistas. Finalmente el premio, unas converse grafiteadas por Freeuno y B-ita, ha ido directo a Dani Melo por su "Midas Project" que figuraba entre los favoritos.

A los 10 finalistas se les hará entrega del libro "Historia de Arte urbano no oficial". Ellos son
Rosa M. Arizmendi Orta,
Ricardo Diaz
Catherine del Castillo
Daniel García
Manuel Barcina
Blanca Miguel

María Barrachina

Juan Montero

Joni

Julio Urbina


Street Art. Homenaje a Banksy


Juan Montero

Ricardo Díaz

Emilio Fernández Rodríguez


Dani Melo

Daniel García

Con motivo del estreno del documental de la vida de Banksy, EL País propuso un concurso de Street Art. Ahora, finalizado el periodo de presentación de obras pueden verse en el blog que han creado para ello. Entre mis preferidos, Dani Melo de Barcelona con "Midas Proyect" y el de Juan Montero de Cáceres que me he permitido lalmar "El ojo que todo lo ve". Destacan también Emilio Fernández Rodríguez de Madrid, Daniel García de Barcelona o Ricardo Díaz de Toledo.

Todo da vueltas alrededor de una película. Se ha montado también un exposición online titulada "50 días para unn homenaje al Street Art", charlas, encuentros y actividades diversas.

lunes, 4 de octubre de 2010

5 citas con el Arte Contemporáneo en España (Octubre 2010)


Exposición: Pasión por Renoir. La colección del Sterling and Francine Clark Art Institute
Lugar: Museo del Prado ( Paseo del Prado s/n , Madrid). Acceso Puerta de los Jerónimos.
Fecha: Del 19 de Octubre al 6 de Febrero
Horario: Martes-Domingo de 9 a 20 h. (último acceso a las 19h.)
Precio: General 10 €, Reducida 5 €. Venta anticipada en el teléfono 902 10 70 77 o en la web, General 9 €, Reducida 4,5 €
Página web



Exposición: Latifa Echakhch.
Lugar: MACBA
Fecha: Del 6 de Julio al 6 de Febrero
Horario: De lunes a viernes, de 11 a 19.30 h., Sábados, de 10 a 20 h., Domingos y festivos, de 10 a 15 h., Martes no festivos, cerrado.
Precio: 6 €, reducida 4,50 €
Página web


Exposición: La Edad de Oro de la pintura holandesa y flamenca del Städel Museum
Lugar: Guggenheim de Bilbao
Fecha: Del 7 de Octubre al 23 de Enero
Horario: Martes-Domingo de 10 a 20 h.
Precio: Entre 7,5 y 13 € dependiendo de días y modalidades (menores de 12 años y amigos del museo, gratis) La página web cuenta con una aplicación para calcular cual es el precio de tu entrada.
Página web



Exposición: Made in USA
Lugar: Fundación Mapfre (Paseo de Recoletos 23, Madrid)
Fecha: Del 6 de Octubre al 16 de Enero
Horario: Lunes de 14 a 20 h., Martes-Sábado de 10 a 20h., Domingos y Festivos de 11 a 19h.
Precio: Gratuita
Página web



Evento: Estampa 2010
Lugar: Feria de Madrid. Parque Ferial de Juan Carlos I, Pabellón 9.
Fecha: Del20 al 24 de Octubre
Horario: De 11 a 21 h.
Página web

viernes, 1 de octubre de 2010

El artista del Mes: PACO BROCA
































Paco Broca es un artista Sevillano con obra repartida por todo el panorama nacional e incluso internacional en países como Holanda, Croacia (Museo de Arte moderno de Riejka) Francia o Gran Bretaña. Ha participado en La Bienal de Arte Andaluz, la Bienal de Marsella, recibió el 2º premio nacional de San Fernando o la Mención de Honor del primio Focus entre otros. Tras numerosas exposiciones individuales desde 1988 este mes se abre en la capital andaluza una exposición dividida en dos sedes bajo el título elpaisaje.com. La primera en la Sala de Santa Inés (C/ Doña María Coronel, 5), una de las principales salas sevillanas, se inaugura esta misma tarde 1 de Octubre hasta el 29 del mismo mes. La segunda sede, La Sala del Apeadero de Los Reales Alcázares, abrirá la exposición, solapándose con la primera durante dos días, el 27 de Octubre y hasta que acabe el mes de noviembre. Elpaisaje.com mostrará obras de paisaje, bien los que rodean su día a día o los que recorre por ciudades como Sicilia o Marruecos; volcánicos o urbanos acompañados por una video-proyección.

Dejemos que el artista nos cuente como es su vida artística:


¿Cuál ha sido su último trabajo?


Es una serie de volcanes, llevo un par de años trabajando en torno a eso pero sin abandonar el paisaje, así que tiene cierta relación con lo que he estado haciendo y con la serie del vidrio y el misterio de la Trinidad, el elemento simbólico del fuego... la transofrmación llevada a la naturaleza. Tomé apuntes del natural cerca de Etna, me documento gráficamente,.. no es algo mimético. Me documento con libros, internet, documentales, y lo que he visto y lo reinterpreto, deja de ser el Etna en sí y se convierte en la iconografía del volcán y lo que puede significar para cada uno.



Un artista al que admire

Ha habido muchos en cada momento. Pintores desde Rembrant, Velánquez, Goya, Veermer... y otros que actualmente también me parecen interesante dentro de cada campo. Barceló también me gusta aunque haya tenido mucha crítica guardamos cierta relación.


Su obra perferida (suya y de otros autores)

Esto es como los hijos, ¿a cuál quieres más?. Hay temáticas que de alguna manera me han llevado a tratar al pintura de otro forma. Hay alguna concreta del taller que no me he desprendido de ella que es el origen de todo el desarrollo .. es una imagen del taller y abajo tiene un collage que es la paleta donde he mezclado los colores y forma parte de la obra. Tiene mucha referencia a lo que yo después he hecho. Los colegas cuando ven la parte de abajo me dicen que es donde tengo que derivar, a la parte más abstracto de la obra. Yo les respondo que no es lo más abstracto, sino lo más real. Yo no he pintado la paleta, la he tomado de la realidad, es un elemento real, sin embargo la obra, es una ilusión. Creo que es más real la paleta y la obra es lo más artificial, lo más abstracto.

De otros autores, hay un cuadro de Rembrant que no es muy conocido que se llama "La Familia", que es así un poco misteriosa, la entonación.. Por supuesto Las Meninas de Velázquez,.. son ciertas obras un poco referenciales, El Inocencio X de Velázquez,..



Una persona importante para usted en cuanto a su vida artística

Mi mujer que también es pintora, colegas,... pero he sido bastante independiente. Quizás Jorge Camacho, un colega, pintor cubano del ámbito surrealista discípulo de Breton.

¿Cómo le gustaría que se viera su obra?

Tal como es, que cada uno la reinterprete, la valore. Los parámetros que yo doy para ver la pintura es una obra a simple vista inacabada, la materia es protagonista, así de alguna manera dejo libertad de interpretación.

¿Cuándo dijiste "mamá quiero ser artista"?

Me decían que tenía que ser ingeniero igual que mi padre, pero la suerte que he tenido es que desde pequeño siempre supe lo que me gustaba, aunque me tiraba más que la pintura, la escultura. Yo vivía en Sevilla al lado de una fábrica y con los residuos de la fábrica de abono hacía esculturas efímeras, desde muy pequeño, la plastilina, los elementos manuales me gustaban. Después ya en el instituto, el BUP, solo hacía dibujar, era mal estudiante pero dibujaba mucho. Cuando hacía rabona me llevaba mi libretita al parque para dibujar. A la vez que BUP estaba estudiando Artes Aplicadas, entonces a mis padres no les cogió por sorpresa. Es un oficio que no es arquitecto o abogado pero...

¿Qué cree que es lo que más llama la atención de su obra?

Quizás el sentido de la luz, la atmósfera, la materia, como esa mancha se tranforma en algo de ilusión.

Cuente una anécdota relacionada con su vida artística.

A mi me gusta pintar al natural, y un día pintando en la Casa de la Moneda de Sevilla, estaba pintando y pasó un ciego con otro señor, se pararon y el ciego me preguntó si podía ver el cuadro. Me quedé un poco extrañado y le dije que por supuesto. Se acercó al lienzo, de 100 x 81 cm, como a 3 cemtímetros, le dio un recorrido por toda la superficie como si fuera un escáner se separó y me dijo que le gustaba mucho. Cuando se iba, le pedí que me dijera qué había visto para decir que le gustaba. Me dijo que vió color y movimiento. Veía un poquito y valoró justo lo que yo quería transmitir con la obra: COLOR Y MOVIMIENTO.

Proyectos de futuro

Este mes tengo dos exposiciones consecutivas en Sevilla, que relamente es la misma, coinciden dos días en el tiempo. Una en la Sala Santa Inés y otra en los Reales Alcázares. El título es elpaisaje.com, el mismo catálogo para las dos, un vídeo que se proyecta en las dos salas, y obras de la misma temática. Cuando acaben quiero mover la obra más por el extranjero, hay ya algunas cosas en el aire.


Sala Santa Inés:
C/ Santa María Coronel, 5. Sevilla.
Martes-Sábado: 10,30h-14,00 h y de 17,30-21,00h, Domingos y festivos 10,30-14,00 h.
Lunes cerrado.

Sala del Apeadero de los Reales Alcázares:
Martes-Sábado: 10,30h.-17,00 h, Domingos y festivos 10,00-13,00 h.
Lunes cerrado.
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