En breve me leeré el libro (que además debe leerse en una horita como mucho) pero he de decir que por echarle un ojo a las ilustraciones de Noemí Villamuza en la nueva edición de "El capote" de Nikolái Gógol por Nórdica Libros merece la pena tener esta obra.
Nórdica libros dedica gran parte de sus publicaciones a libros ilustrados con un gusto exquisito. Eligen grandes obras de la literatura universal y las hacen "aún más atractivas e imperecederas". Realmente merecen la pena.
Otro libro editado por Nórdica e ilustrado por Noemí Villamuza es "El festín de Babette" de Isak Dinesen
Camille Claudel. Para mi una de las grandes artistas de la historia, por sus esculturas y por su turbulenta vida.
Ha estado siempre a la sombra de Rodin su maestro y amante, pero para mi gusto (y sin quitarle el gran mérito de Rodin) me gusta ella muchísimo más. Es un arte dulce y a la vez con un toque amargo, muy unido a lo que iba sintiendo y sufriendo.
Desde muy joven fue alumna de August Rodin en su taller, y a partir de ahí también mantuvieron una relación sentimental. Aunque él estaba casado con Rouse Beuret nunca hizo ningun amago de dejarla y mantenía a Camille no sólo a la sombra sino además trantándola no con demasiado cariño.
Finalmente entra en la vida de la escultora Claude Debussy, quien también estaba casado y sin intención de dejar a su mujer.
Su arte seguía a la sombra de grandes artistas, pues para colmo, era una MUJER.
Tras fracasos y fracasos sentimentales empezó a sufrir crisis nerviosas, su familia le daba de lado y la tomaba por loca pues además no aceptaban del todo su tipo de vida de artista. Sólo su padre le apoyaba, pero al morir éste fue interna en un manicomio donde pasó sus últimos 30 años de vida...
Soy incapaz de seleccionar un o dos fotos únicamente de sus obras. Me encantan todas. Para demostrar la influencia de sus experiencias en su obra podemos ver como en una de ellas, "La Edad madura" (L'age mur) se representa suplicándole de rodillas a Rodin, mientras su esposa se lo lleva rápida y triunfante. También ella lo explica como una representación de las edades del amor. Su hermano el poeta Paul Claudel habal de ella en esta obra diciendo "Mi hermana Camille, Implorante, humillada a rodillas, esta soberbia, esta orgullosa, y saben lo que se desprende de ella, en este mismo momento, delante de su mirada, es su alma".
Pude descubrirla a a fondo en una exposición hace un año en la fundación Mapfre, y es que os recomiendo que no os perdáis ninguna de las organizadas por ellos, porque por lo general son todas espectaculares.
Desde que Gaudí murió en 1926 a causa de un accidente en el que un tranvía se lo llevó por delante, las obras de la Sagrada Familia han estado siempre en el punto de mira.
Gaudí nunca hacía dibujos y proyectos, pues decía que todo estaba en su cabeza. Si alguna vez los realizaba terminaba cambiándolos a los pocos días o no hacía lo que había reflezado. Era un continuo cambio y evolución. Los pocos dibujos que quedaron por ahí tras su muerte (aunque si hubiera seguido con vida, seguramente habrían sido variados)fueron destruídos en gran medida en la Guerra Civil. Aún así las obras han seguido y seguirán.
Los arquitectos a quienes se les han encargado la continuación no se ven con la capacidad de igualar al maestro por lo que, con muy buen criterio en mi opinión, deciden continuar la obra sin desentonar pero en un estilo totalmente diferente, debido a la historia de la obra, y no intentar mimetizar lo que otro autor habría hecho.
Sin embargo la polémica siempre ha estado ahí. Para algunos lo que se está haciendo está bien, para otros, debería quedarse tal y como Gaudí la dejó, pues es el verdadero artífice. Más polémica surgió aún cuando empezaron a llevarse a cabo las obras del AVE, que para algunos ponían en peligro la estabilidad del edificio. Incluso hicieron un montaje por el cual hacían creer por un momento que realemnte La Sagrada Familia se derrumbaba.
Desde hace un año y medio aproximadamente hay un nueva problemática. Entre discusión y discusión se percataron de que el templo expiatorio carece de permiso de obra. Hablan de la indiscutible excepcionalidad de la obra y que va por otras vías, pero a pesar de ello, no tiene el permiso necesario. Yo me he enterado de la noticia hace poco y me ha llamado muchísimo la atención. Aún así creo que se trata de un tema burocrático sin importancia. ¿Van a echar abajo el edificio?. Por suerte o por desgracia hay chanchullos para miles de temas, un papel no creo que deba dar tanto problema. Pero todo esto salió a la luz porque pretenden hacer una gran plaza estrellada para que se pueda contemplar mejor el templo, pero para ello es necesario tirar dos manzanas y desalojar a 150 familias. Soy amante de los monumentos y obras de arte, pero nunca de darles más importancia que a las personas.
Hace ya tiempo, concretamente creo que sobre el pasado mes de septiembre, que J.M. Ballester expuso estas obras en una galería de Madrid. No tuve la oportunidad de verlas en persona, pero desde que creé el blog estaba acordándome de ellas para dedicarle un post, pero no encontraba imágenes. Por fin las localicé.
Me parece fascinante mirar estos cuadros. Aunque no haya nadie en ellos hace que tengan aún más vida. En los lienzos originales te acostumbras a ver a esos personajes ahí colocados. Ya no lo tomas como algo que está ocurriendo, sino realmente como una pintura que te han puesto delante. Pero este autor, al quitarlos de ahí, transmite, o al menos a mí, la verdadera sensación de vida. La sensación de que ese espacio EXISTE, unos personajes han estados en ellos, ha ocurrido el hecho que se representa en el lienzo original y tras él cada uno se ha marchado a seguir con sus labores. María a criar a Jesús, el arcángel se fue a anunciar otros mensajes de Dios, los pecadores del Jardín de las Delicias siguieron con sus actos impuros o quizás fueron quemados definitivamente en el infierno. Ninguno de nosotros estamos sentados teniendo una conversación de por vida. Venimos, la tenemos y nos vamos. La sala donde ha tenido lugar sigue ahí pero nosotros ya no estamos.
Paradójicamente, al quitar la vida de esos cuadros, ha creado un gran vida en ellos.
Mención especial merece la gran calidad en la reprodución de los escenarios.
He de confesar que, aunque soy de arte contemporáneo, salvo excepciones, soy poco de contemporáneo español. Seguramente se debe a que en España en el arte, como en otros muchos temas, casi siempre hemos ido retrasados.
Cuando los demás países estabas avanzado en las vanguardias, en España aún seguíamos con el costumbrismo. Pero es cierto que teníamos (y tenemos) buenos artistas que daban 20 vueltas a franceses, alemanes o cualquiera que se pusiera por delante. Pero como siempre nos sucede también, no sabíamos valorarlos y para poder triunfar tuvieron que viajar a otros países donde su arte fuera reconocido tal y como se merecía. Y no estamos hablando de ningún cualquiera. Son artista como Picasso, Miró, Pablo Gargallo o Julio González.
Luego sí que los valorábamos, cuando los demás nos decían lo buenos que eran.
He empezado este artículo con la idea de hablar sobre un cuadro de Anglada Camarasa, un retrato de Sonia de Kalmery, trantándolo como una excepción que me gusta del arte español que se quedó aquí. Es el cuadro que he puesto más arriba. Me encanta el contraste de los colores, la sencillez, lo misterioso, la sensualidad... Es un cuadro... DIFERENTE.
Sin embargo al empezar a escribir me he acoradado de todos estos autores y me he dado cuenta de lo que me gustan todos ellos. Así que, pronto, tendréis post dedicados a alguno.
No tengo mucho que decir, tan sólo mirad las imágenees y opinad si hay influencia o no... Desde Goya en el XVIII con su "Disparate ridículo" hasta las fotografías de Charles C. Ebbets a principios del XX.
A pesar de estudiar historia del arte, y concretamente en este momento una asignatura dedicada exclusivamente a Goya, no puedo considerarme con capacidad para destruir posturas de profesionales que dedican sus horas de trabajo al pintor. Sin embargo, ahora que ya es "Oficial" (por parte del Museo del Prado...) que "El Coloso" no pertenece a Goya, sigo sin estar del todo convencida.
Quizás sólo me aferro a la idea tradicional, a lo que me estudié desde hace algunos años y me niego a cambiar. Relamente no me importa que sea de Goya o no, particularme es una pintura que me encanta. Quizás no tenga una perfección anatómica, o no represente a la multitud con todos sus pequeños detalles, pero realemnte es eso lo que me gusta, que sin detalles, solo con pocas pinceladas sueltas, sea capaz de trasmitir el horror de esta alegoría de la guerra.
Precisamente uno de los motivos que lleva a pensar que se deba a la mano de algun discípulo y no al propio Goya, es el hecho de la poca precisión en las figuras que corren. Seguramente llevarán razón, pero no creo que sea una razón de peso. Los artistas evolucionan, prueban técnicas nuevas. Los pintores abstractos comenzaron siendo figurativos, y los cubistas comenzaron con un estilo realista. Además de que la biografía de Goya no nos muestra una vida tranquila y sin sobresaltos. Una repentina sordera, un ferviente odio a la humanidad, una invasión francesa con su consiguiente guerra... todo afecta en la pintura de un artista. Aún así, cierto es que tienen más razones para pensar uqe no pertenezca al autor. Las rectificaciones, la preparación del lienzo. Pero realmente, si fuera de cualquier otro autor, habría que reconocérselo y darle su valor, pero la mayoría de las obras de Rubens están realizadas a manos de sus alumnos, y en realidad de niguno en concreto. Uno se dedica a las manos, otro a los rostros, otro a las ropas,... y al final, las reconocemos como obras de Rubens. Si Goya fue quien enseñó a este autor a realizar la obra, quien le dijo como hacerla, y como crear la composición, le enseñó lo que sabía, en cierto modo es una obra de Goya, aunque manufacturado por otra persona. Realmente muchos artistas importantes han sido discípulos de otros, y si el alumno logra destacar por sí mismo, se le da valor como artista y se le conoce. Este discípulo de Goya, sea Asensio Juliá o no, para MI gusto supo superar la técnica de Goya al darle ese toque "impresionista" que años después será considerado un nuevo y moderno estilo pictórico.
Se que yo misma me contradigo sobre si valorar al propio autor de la obra, o realmente quitarle su mñerito y dárselos a quién fue su maestro. Yo misma no me decido. Simplemente creo que siendo una obra de un nombre conocido como puede ser "Goya", de un nombre menos conocido como puede ser "Asensio Juliá" y de otro que incluso aún desconocemos, es una obra que siempre causó impacto en quién la vió, y que para mi fue junto con "El perro" de mis obras preferidas "de Goya". Y realmente, eso, es lo que debemos valorar. No era una obra maestra por ser de Goya, y ahora una bazofia por ser de otra persona, ¿Qué se valora, el renombre, o la obra de arte?
Ayer descubrí a un nuevo artista. Esta vez, y saliéndome de lo habitual, se trata de un músico. Para algunos será considerado artista, para otros un revolucionario, y para otros sencillamente, un sinverguenza.
Se trata de John Cage. Un músico nacido a principios de siglo. Aunque más tardíamente, se encuentra muy ligado con el dadaísmo, una corriente que defendía el No-arte. Para que os hagáis una idea, "La fuente" o la "Gioconda con bigote" de Duchamp (de quién se considera gran seguidor), o la plancha de Man Ray. Pues es eso, pero pasado a la música. Él mismo dice "Quiero hacer algo que no se haya hecho hasta ahora"
Las obras de Cage, que gustándote o no, lo que está claro es que no te dejan indiferente. ¿Sería eso lo que pretendía?. A mí, personalmente, hay tres que me han impactado, y por suerte tenemos vídeos que nos lo enseñen (es otra parte buena del arte contemporáneo y las tecnologías).
La primera obra es una partitura en blanco. Sí, en blanco. ¿Qué escuchamos entonces? El ambiente. Es una sinfonía cambiante, o como él la llamaba, "música no-intencional". La primera vez uqe fue interpretada fue a manos del pianista David Tudor. ¿Pianista? ¿para qué? ¡Están en blanco! pues bien, exactamente eso. Dividida en tres movimientos, el pianista se sienta frente al piano, abre y cierra la tapa y no toca absolutamente nada. La música es creada por los propios espectadores, que se levantan, bostezan, se quejan, comentan, critican,... al menos, nos hemos convertido en protagonistas.
La segunda obra, o más bien, método para crear una obra, es lo que él nombra "el piano preparado". Se basa en colocar entre las cuerdas del piano gomas, madera, tuercas, tornillos y espiches (o "tacos" como le llaman fuera de Cádiz, hace poco tiempo que me enteré).
Y el tercer gran grupo de obras es la que crea con los objetos de nuestro alrededor. En el vídeo que podéis ver más abajo, el artista ha sido invitado a un programa de televisión para mostrar al público su creación. Los espectadores se ríen, y yo me pregunto... ¿verá el su música como objeto de mofa? Porque él mismo comenta que no ve la diferencia entre su propio pasado o el pasado de los músicos de Country. El caso es que aunque esto, cuando los veáis penséis "este hombre nos está tomando el pelo", ha sido la influencia directa de muchos otros artistas o grupos de artistas que hoy llenan teatro, como por ejemplo "Mayumaná" o la base para muchos anuncios de televisión. (En el siguiente vídeo, si os aburre la presentación en el programa, podéis avanzar directamente hasta el minuto 5:40).
Antes de nada, perdón por el tiempo sin actualizaciones, pero si las Navidades son traicioneras, los exámenes lo son aún más.
El arte ha sido utilizado durante la mayor parte de su historia como un elemento de propaganda política. Desde Roma con esculturas ecuestres o el ejemplo de "Augusto arengando a la tropa", pasando por retratos de reyes absolutitas durante siglos y terminando hoy en día.
En el siglo XIX se da en Europa el fenómeno de los historicismos, donde cada país crea obras copiando estilos artísticos de aquellos años de esplendor de su historia. Era también una forma de propaganda. Cuando Napoleón quería ser un emperador como si se tratase de época romana, se impulsó el neoclasicismo. Se trata de una sencilla manera de trasladarnos estéticamente a la parte de la historia en la que queremos encontrarnos, y a pesar de ser tan sencillo, es bastante útil. ¿Qué hacemos cuando queremos emular en un teatro o en una fiesta que nos encontramos en una época diferente a la nuestra? Simplemente manejar la estética.
Pues bien, Estados Unidos es un país con una trayectoria histórica bastante corta en ese sentido, pero al fin y al cabo se sigue recurriendo a las mismas técnicas. La nueva elección para la presidencia del país ha dado la vuelta a la historia. La elección de un presidente negro (algo, por desgracia, impensable hasta hace bien poco) y el esperado fin del mandato de Bush da esperanzas a muchos habitantes del país y también del mundo. Por eso volvemos a la propaganda política mediante historicismos. El pop art es un estilo nacido en los EEUU, el primero o uno de los primeros estilos propiamente suyo, junto con el nacimiento del graffitti de la mano de Keith Haring. Artistas pop como Warhol, Linchenstein, Hamilton o Wesselmann daban en la década de los 50 y 60 un giro en el arte de ese momento, haciendo críticas sobre el consumismo de la sociedad. Hoy día es el movimiento característico de los EEUU y teniendo en cuenta que los años de mayor esplendor pop se sitúan en la época en la que gobernaba John F. Kennedy era el estilo perfecto para crear su propio historicismo.
En muchos carteles realizados para este tipo de propaganda política aparece Obama aompañado de la palabra "Hope" (esperanza) y ojalá sea así. Pero, también como a lo largo de la historia artítica y política del mundo en que vivimos, los mismo medios pueden ser usados para la crítica. Vemos como ejemplo el caso del dadísmo berlinés en el que autores como Haussman o Heartfield usaban el collage como fortísima crítica al nazismo. Y aquí no iba a ser menos. Al igual que encontramos "hope" o "dream" (sueño), vemos también "dope" (Drogas) o "snob". Gracias a Dios una buena propaganada y una crítica que pueden convivir con todo tipo de libertad y sin censuras.
Para ver más imágenes pueden visitar también: http://www.adn.es/cultura/20090109/PGL-0020-barack-obama-poster-icono-pop/.html
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