El proceso creativo

Para muchos artistas el resultado final de su obra no tiene mayor importancia. Lo que realemnte cobra valor es el proceso creativo.

Como mejores ejemplos tenemos a Jackson Pollock o Yves Klein.

La técnica del primero es quizás más conocida. Pollock se emborrachaba y drogaba, cogia sus tubos de pintura y los esparcía por un gran lienzo que previamente había tumbado en el suelo. Luego iba el turno de los grandes botes agujereados que sujetaba en sus manos y con los qeu bailaba en el máximo apogeo de su estado de embriaguez y drogadicción. por último tomaba sus pinceles manchados con gran cantidad de pintura y los sacudía sobre el lienzo. Para terminar levantaba el lienzo y dejaba que la pintura escurriese libremente. Es el sumum de la expresión de un artista, del reflejo de lo que siente, a la hora de pintar. Quería que su obra impactase. Era algo nunca antes hecho. Como ya hemos hablado en otras entradas del blog, su obra impactó, y tanto impactó que no paró de reproducirse, acudían en colas a exposiciones para verlas, se escribían artículos y artículos en revistas,... hasta que al final dejó de impactar. La gente se acostumbra a lo que ve, y la intención de su obra se onvertió en su máximo enemigo. Pollock terminó suicidándose ante tal catástrofe a su parecer.

Yves Klein era algo más espectacular, de hecho, eso es lo que hacía, ESPECTÁCULO. Klein es sobretoo famoso por su "azul klein". Ese azul eléctrico y llamativo tan peculiar. Bien, pues su proceso creativo consistía en vestirse totalmente de este color, llevar uno o varios múscios también totalmente vestidos de azul y que tocaran en la sala de un museo, o de su estudio donde había un lienzo en la pared. Mientras cantidad de espectadores presenciaban la escena, tomaba a mujeres desnuda y las pintaba POR COMPLETO de su "azul Klein". Ellas danzaban con la música y en un punto del baile se enfrentaban al lienzo en blanco, dejando la marca de sus cuerpos, de la música, del ritmo y del ambiente, plasmado en la tela.

Esto lleva, como la mayor parte del arte del momento, a la constante duda de los espectadores de una obra. ¿Es arte? ¿Se merecen ese reconocimiento? En el caso de Pollock ¿Puede considerarse un genio original o un drogadicto? De esto ya hablamos una vez, pero ¿Y Klein? ¿Es él el artista o lo son estas chicas danzarinas? ¿O quizás lo sean los músicos? ¿Nos toman el pelo?

¿Qué estilo es?

Muchas veces visitamos ciudades, museos, incluso simplemente paseos por la calle de nuestra casa y alguien nos pregunta... ¿Eso de qué estilo es?

Una aclaración básica es que aunque podamos clasificar algo de "barroco" o "románico" hay muchas veces, de hecho, la mayoría, que las obras no tienen un estilo tan concreto. Existen muchas cosas que lo impiden. Hay obras claves en cuanto a estilos, de las que podemos decir "es una obra totalmente gótica, con todas su características propias", pero la mayoría de ellas son transiciones de un estilo a otro, o influenciado por el anterior o tomando ideas del que viene, o como muchas veces pasa, el tiempo ha hecho que en restauraciones o "arreglos" tengan aportaciones de otros estilos. O casos como el de la catedral de Cádiz por ejemplo, iniciada en barroco y por el tiempo que llevó su construcción y su historia tan particular, terminada en el neoclasicismo. Podemos "clasificar" las obras, pero muchas veces, esto, puede llevarnos a errores. Aunque, sí, comprendo, que de alguna forma tendremos que hacerlo.

Cada obra lleva una historia detrás. Por desgracia no podemos conocerlas y saberlas de memoria todas. EStudiamos las más importantes, aprendemos y se nos queda en la memoria las más interesantes, pero... no siempre es así. Esta historia es la que nos dice qué es esa obra. Aunque rápidamente podamos definir a que época pertenece cada una según su estética tenemos que dejar claro que para determinar profundamente una obra hay mucho estudio por detrás.

Aún así, cuando alguien me pregunte "¿a qué estilo pertenece esa obra?" seguiré respondiendo según mis conocimientos en pocos segundos o espero que como mucho minutos y prometo no soltar este sermón al primero que se me ponga delante.

Artistas de Hoy

No todo van ser artistas recnocidos desde hace años y años. Hoy día también hay muy buenos artistsa. Unos más conocidos, otros menos y otros que serán reconocidos con el paso del tiempo. Todos aquellos que hoy día son famosos tuvieron sus comienzos.

Es el caso de Manuel Babiano, el autor del cuadro que encabeza el blog, que hoy cuelga en mi pared como ya expliqué en una de las primeras entradas. Otras de mis adquisiciones de su obra fueron unas zapatillas pintadas con diferentes motivos artísticos, ya sean inspiradas en Keith Haring y Miró (con las que me hice) o Klimt, Linchenstein, Kandinsky... una maravilla!:P

Aquí dejo unas cuantas fotos de muestra y adelanto que de vez en cuando le dedicaré un post a las cosas que vaya haciendo. ¡Merece la pena!

¡Ah! y aprovecho una vez más para insistirle en que cree un blog, una web o algo donde poder ponerse en contacto con él!!

¡Un besito Manu! y un besito a los demás.

Julian Opie

Julian Opie. Artista británico nacido en la década de los 50. Lo descubrí justo ayer y me encantó. Es muy del estilo del pop art que tanto me gusta.

Este pintor, escultor, diseñador y muchos "-or" más, es de los más cotizados en la Inglaterra del momento. Comenzó su salto a la fama allá por la década de los tan amados 80 cuando compartió exposición con artistas tan renombrados como Keith Haring, con quien ademñas guarda bastante similitud en sus obras. Obras de colores planos, sencillas, esquemáticas, con un fuerte contorno negro que las resalta.

Sencillamente , me encanta. Quien quiera, puede regalarme uno!

"El capote" con Noemí Villamuza

En breve me leeré el libro (que además debe leerse en una horita como mucho) pero he de decir que por echarle un ojo a las ilustraciones de Noemí Villamuza en la nueva edición de "El capote" de Nikolái Gógol por Nórdica Libros merece la pena tener esta obra.

Nórdica libros dedica gran parte de sus publicaciones a libros ilustrados con un gusto exquisito. Eligen grandes obras de la literatura universal y las hacen "aún más atractivas e imperecederas". Realmente merecen la pena.

Otro libro editado por Nórdica e ilustrado por Noemí Villamuza es "El festín de Babette" de Isak Dinesen

Camille Claudel, el arte y el amor

Camille Claudel. Para mi una de las grandes artistas de la historia, por sus esculturas y por su turbulenta vida.

Ha estado siempre a la sombra de Rodin su maestro y amante, pero para mi gusto (y sin quitarle el gran mérito de Rodin) me gusta ella muchísimo más. Es un arte dulce y a la vez con un toque amargo, muy unido a lo que iba sintiendo y sufriendo.

Desde muy joven fue alumna de August Rodin en su taller, y a partir de ahí también mantuvieron una relación sentimental. Aunque él estaba casado con Rouse Beuret nunca hizo ningun amago de dejarla y mantenía a Camille no sólo a la sombra sino además trantándola no con demasiado cariño.

Finalmente entra en la vida de la escultora Claude Debussy, quien también estaba casado y sin intención de dejar a su mujer.

Su arte seguía a la sombra de grandes artistas, pues para colmo, era una MUJER.

Tras fracasos y fracasos sentimentales empezó a sufrir crisis nerviosas, su familia le daba de lado y la tomaba por loca pues además no aceptaban del todo su tipo de vida de artista. Sólo su padre le apoyaba, pero al morir éste fue interna en un manicomio donde pasó sus últimos 30 años de vida...

Soy incapaz de seleccionar un o dos fotos únicamente de sus obras. Me encantan todas. Para demostrar la influencia de sus experiencias en su obra podemos ver como en una de ellas, "La Edad madura" (L'age mur) se representa suplicándole de rodillas a Rodin, mientras su esposa se lo lleva rápida y triunfante. También ella lo explica como una representación de las edades del amor. Su hermano el poeta Paul Claudel habal de ella en esta obra diciendo "Mi hermana Camille, Implorante, humillada a rodillas, esta soberbia, esta orgullosa, y saben lo que se desprende de ella, en este mismo momento, delante de su mirada, es su alma".

Pude descubrirla a a fondo en una exposición hace un año en la fundación Mapfre, y es que os recomiendo que no os perdáis ninguna de las organizadas por ellos, porque por lo general son todas espectaculares.

La ¿Sagrada? Familia

Desde que Gaudí murió en 1926 a causa de un accidente en el que un tranvía se lo llevó por delante, las obras de la Sagrada Familia han estado siempre en el punto de mira.

Gaudí nunca hacía dibujos y proyectos, pues decía que todo estaba en su cabeza. Si alguna vez los realizaba terminaba cambiándolos a los pocos días o no hacía lo que había reflezado. Era un continuo cambio y evolución. Los pocos dibujos que quedaron por ahí tras su muerte (aunque si hubiera seguido con vida, seguramente habrían sido variados)fueron destruídos en gran medida en la Guerra Civil. Aún así las obras han seguido y seguirán.

Los arquitectos a quienes se les han encargado la continuación no se ven con la capacidad de igualar al maestro por lo que, con muy buen criterio en mi opinión, deciden continuar la obra sin desentonar pero en un estilo totalmente diferente, debido a la historia de la obra, y no intentar mimetizar lo que otro autor habría hecho.

Sin embargo la polémica siempre ha estado ahí. Para algunos lo que se está haciendo está bien, para otros, debería quedarse tal y como Gaudí la dejó, pues es el verdadero artífice. Más polémica surgió aún cuando empezaron a llevarse a cabo las obras del AVE, que para algunos ponían en peligro la estabilidad del edificio. Incluso hicieron un montaje por el cual hacían creer por un momento que realemnte La Sagrada Familia se derrumbaba.



Desde hace un año y medio aproximadamente hay un nueva problemática. Entre discusión y discusión se percataron de que el templo expiatorio carece de permiso de obra. Hablan de la indiscutible excepcionalidad de la obra y que va por otras vías, pero a pesar de ello, no tiene el permiso necesario. Yo me he enterado de la noticia hace poco y me ha llamado muchísimo la atención. Aún así creo que se trata de un tema burocrático sin importancia. ¿Van a echar abajo el edificio?. Por suerte o por desgracia hay chanchullos para miles de temas, un papel no creo que deba dar tanto problema. Pero todo esto salió a la luz porque pretenden hacer una gran plaza estrellada para que se pueda contemplar mejor el templo, pero para ello es necesario tirar dos manzanas y desalojar a 150 familias. Soy amante de los monumentos y obras de arte, pero nunca de darles más importancia que a las personas.

Paisajes desolados y CON VIDA

Hace ya tiempo, concretamente creo que sobre el pasado mes de septiembre, que J.M. Ballester expuso estas obras en una galería de Madrid. No tuve la oportunidad de verlas en persona, pero desde que creé el blog estaba acordándome de ellas para dedicarle un post, pero no encontraba imágenes. Por fin las localicé.

Me parece fascinante mirar estos cuadros. Aunque no haya nadie en ellos hace que tengan aún más vida. En los lienzos originales te acostumbras a ver a esos personajes ahí colocados. Ya no lo tomas como algo que está ocurriendo, sino realmente como una pintura que te han puesto delante. Pero este autor, al quitarlos de ahí, transmite, o al menos a mí, la verdadera sensación de vida. La sensación de que ese espacio EXISTE, unos personajes han estados en ellos, ha ocurrido el hecho que se representa en el lienzo original y tras él cada uno se ha marchado a seguir con sus labores. María a criar a Jesús, el arcángel se fue a anunciar otros mensajes de Dios, los pecadores del Jardín de las Delicias siguieron con sus actos impuros o quizás fueron quemados definitivamente en el infierno. Ninguno de nosotros estamos sentados teniendo una conversación de por vida. Venimos, la tenemos y nos vamos. La sala donde ha tenido lugar sigue ahí pero nosotros ya no estamos.

Paradójicamente, al quitar la vida de esos cuadros, ha creado un gran vida en ellos.

Mención especial merece la gran calidad en la reprodución de los escenarios.

ME ENCANTA.

Arte español, fuera de España

He de confesar que, aunque soy de arte contemporáneo, salvo excepciones, soy poco de contemporáneo español. Seguramente se debe a que en España en el arte, como en otros muchos temas, casi siempre hemos ido retrasados.

Cuando los demás países estabas avanzado en las vanguardias, en España aún seguíamos con el costumbrismo. Pero es cierto que teníamos (y tenemos) buenos artistas que daban 20 vueltas a franceses, alemanes o cualquiera que se pusiera por delante. Pero como siempre nos sucede también, no sabíamos valorarlos y para poder triunfar tuvieron que viajar a otros países donde su arte fuera reconocido tal y como se merecía. Y no estamos hablando de ningún cualquiera. Son artista como Picasso, Miró, Pablo Gargallo o Julio González.

Luego sí que los valorábamos, cuando los demás nos decían lo buenos que eran.

He empezado este artículo con la idea de hablar sobre un cuadro de Anglada Camarasa, un retrato de Sonia de Kalmery, trantándolo como una excepción que me gusta del arte español que se quedó aquí. Es el cuadro que he puesto más arriba. Me encanta el contraste de los colores, la sencillez, lo misterioso, la sensualidad... Es un cuadro... DIFERENTE.

Sin embargo al empezar a escribir me he acoradado de todos estos autores y me he dado cuenta de lo que me gustan todos ellos. Así que, pronto, tendréis post dedicados a alguno.

Chorradas varias...

Haciendo referencia a mi antiguo post "Aire..." he encontrado una página bastante chorra... si es que lo que no haya en internet...

http://www.gustavoguimaraes.com.br/arquivo/images/papelbolha.swf

Será por hacer el tonto!!