El arte hay que aprenderlo

No recuero si en alguna entrada anterior dije esta misma frase pero creo recordar que fue algún profesor quién la dijo: "Si no entiendes la física cuántica, es normal, es física cuántica, pero si no entiendes el arte crees que te están tomando el pelo". El arte también tiene un código, un estudio, un por qué, un contexto, que hay que conocer, aprender y entender.

Creemos que es culpa del arte contemporáneo, que es el único arte que no entendemos y que no sabemos decir si es arte o no. Pero no todos los estilos pueden verse tan claro si no fuera porqeu desde pequeñitos lo hemos aprendido así. Si muchos valoran que algo sea arte o no simplemente por su similitud con lo real, o lo que creemos real, por la técnica, la belleza o la capacidad de transmitir, entonces ¿Por qué está consideramos arte entonces las pinturas de las cuevas de Altamira? Es un testimonio histórico, cierto, pero ¿Por qué arte?

Simeplemente porque no tiene unas reglas fijas, unas pautas que cumplir, es algo mucho más subjetivo que eso, hay que educarse a comprenderlo, no es siplemente leer un libro y saber, es mucho tiempo viendo, pensando, aprendiendo y sólo de esta forma podremos respondernos a nosotros mismos, pero nunca a los demás porque ¿Cómo expresarlo?

Dalí es surrealismo.

Otra nueva conferencia en la Fundación Mapfre y una nueva reflexión que me ha provocado esta vez Francisco Calvo Serraller.

La conferencia titulada "Yo, el artista. Genio atormentado o dandy" se basó en una reflexión sobre el por qué y los tipos de personalidades de los artistas.

Es cierto que los artistas tienen un carácter bastante especial. Muchas veces escuchamos "ese hombre estaba loco" y se contesta "bueno, es que era un artista". La mayor parte de los genios han sido de "personalidad especial", por ejemplo podemos hablar de mcuhos de mis preferidos, Picasso, Pollock, Modigliani,... pero no podemos dejar de pensar cuando hablamos sobre esto en Salvador Dalí.

Salvador Dalí era el mejor ejemplo de dandy. Le gustaba llamar la atención, dar de que hablar, solía decir que sus largos bigotes eran antenas para comunicarse con los extraterrestres. Pero, ¿qué podemos de esperar de una persona que además de artista es, para mas inri, surrealista? Hoy día vemos en los museos videos sobre performances, happenings, y no es más que lo que Dalí hizo cada día de su vida. Él era artista, pero además, en cierto modo, ÉL era ARTE.

También Dalí fue muy criticado por su ultimos años en los que, coloquialmente se dice, se vendió, solo se interesaba en el dinero, hacia cosas sin sentido, quizás no artísticas, era criticado, pero también se suele decir, "que hablen bien o hablen mal, pero que hablen".

Hizo de su vida su mayor obra surrealista sin descansar un solo instante.

Obras en el tiempo. Museo Thyssen-Bornesmiza

La página web del Museo Thyssen-Bornemisza ofrece un gráfico para poder ver sus obras en un marco temporal. Aquí os lo dejo para que le echéis un vistazo.

Por qué Duchamp dejó la pintura.

Estos días, asisto a un curso de arte de la Fundación Mapfre. En el se discute sobre qué es lo qeu nos queda del Siglo XX.

Werner Spies, antiguo director del Centro de Arte Pompidou e íntimo amigo de la talla de Picasso, Max Ernts o Duchamp, contaba una aneécdota de este último artista.

Un día, estaban de viaje juntos cuando Werner Spies le preguntó, "Marcel, ¿Por qué dejaste la pintura?" y entonces, le contestó:

"Por lo que he podido ver, en un siglo no hay sitio para más de un genio. En este siglo tenemos a pintores como Pablo Picassoy ya no hay sitio para mi, así que decidí dedicarme a ser un genio en otras cosas".

Mies van der Rohe y Duchamp, dos genios imitados.

Esta mañana, en clase mi profesora de arte desde el 45, hablando de la arquitectura de Mies van der Rohe, dijo una frase que me llamó la atención: "Algunos critican la arquitectura de Mies debido a su excesiva proliferación, pero la culpa no fue de Mies van der Rohe, sino de las malas copias que se hicieron de su arquitectura".

Esto me llevo a otro arte, pero en el que creo, pasa algo similar.

Hoy día, podemos ver en los museos obras que llaman la atención no más que porque nos hace plantearnos de nuevo la repetida pregunta de "qué es arte". Vemos, como bien mi abuelo recuerda en repetidas ocasiones, como un pollo encima de una máquina de escribir se abre paso en las salas de exposiciones. La mayor parte de la población que la visita vuelve a la pregunta de si es arte o no. Muchas veces en el blog he hablado sobre esto. Sobre ver el arte con una distancia temporal, sobre analizar su contexto y su significado, y es que desde Duchamp el arte no es un objeto bonito, si no un concepto, una idea, nacen los happenings, nace el arte conceptual, las performances,...

El arte de Duchamp, o su anulación del arte abre un gran universo por descubrir. Sin embargo, en mi opinión, tampoco podemos dar todo por válido, a pesar de las veces que justifico arte que para muchas personas no lo es. Duchamp abrió un nuevo camino, que por muchos es criticado, pues un retrete del revés no debería ser arte quizás. Sin embargo mcuhos artistas posteriores han seguido este camino, a veces con calidad y otras muchas sin ella.

Y es que, a Duchamp, le ocurre como a Mies, no es su culpa, sino la de los malos imitadores.

Arturo Elena, ilustrador en el Museo del Traje.

Otra bonita inauguración fue la del pasado jueves en el Museo del Traje.

Después de 25 años de carrera, el ilustrador Arturo Elena hacia una gran muestra de su trabajo en este museo.

Muchas veces vemos en revistas ilustraciones y no nos damos cuenta del trabajo que lleva por detrás, pasamos las páginas sin fijarnos en muchas de las ocasiones. Pero un ilustrador como él no sólo trabaja para revistas, sino para marcas de ropa e incluso para cualquier tipo de empresa como agnecias de viajes o viñedos.

La elegancia de sus figuras, con u nestilo propio pero a su vez adapatándose a cada uno de sus clientes, la esbeltez de las manos, los largos cuellos y la verosimilitud de los cabellos sosprende en cada una de sus imágenes a sus espectadores.

Pero sin lugar a duda lo que más nos llama la atención es la manera de representar las diferentes texturas. El cuero, la piel, el tercipole e incluso el metal son de un realismo impresionante. hace que parezca fácil dibujar de aquella manera.

Es además interesante acercarte a unos centímetros del dibujo y observar el trazo de cada linea, las correcciones, cortornos para resaltar la figura,...

Artura Elena ha trabajado para revistas como Elle, Telva o Cosmopolitan entre otras, diseñadores de la talla de Victorio y Lucchino, Chanel, Moschino,... un gran artista y dibujante qeu merece esta gran exposición.

Lágrimas de Eros en el Museo Thyssen, sensualidad y belleza

Hace unos días tuve la suerte de poder asistir la inauguración de la exposición de "Las lágrimas de Eros" en el Museo Thyssen. Aunque aún estoy pendiente de ver la segunda parte de la exposición en Caja Madrid, ha sido una de las más bonitas, sensuales, sensibles que he visto (junto con la de Camille Claudel, ya sabeis lo que me gustó).

Se trata de una exposición, a mi gusto, con una organización y comisariado excelente. Te guía por los grandes mitos a través de la historia en relación con el Eros y el Tanatos, el erotismo y la muerte. Cada sala trata un mito diferente y puedes ver su representación desde pinturas del siglo XVI y hasta obras que junto a ellas datan de tan sólo unos años. La diferente visión y a la vez tan similar llama verdaderamente la atención.

Fotografías contemporáneas de la nueva Eva, la actual Vensu en el momento de su nacimiento en el mar,... nos acercan historias que muchos veían lejanas.

Además de esto, cabe destacar las numerosas obras de Franz von Stuck. Un artista simbolista con obras de gran poder, una gran fuerza.

Sin más, animaros a visitar esta magnífica exposición llena de belleza y erotismo, con obras de artistas tan importantes como Bernini, von Stuck, Magritte, Munch, Dalí, Óscar Domínguez, Warhol o Man Ray. Además no sólo reducida a la pintura sino también con escultura, fotografía, o video-arte.

Picasso, llanto, sufrimiento.

Desde mucho antes de comenzar a estudiar historia del arte, hace ya muchos años, me llamó la atención las mujeres llorando de Picasso.

Me parecía increíble que alguien pudiera dudar de que Picasso sabía trasmitir, de que aunque no fuera un arte naturalista puede hacer sentir mucho más que éste.

Muchas mujeres llorando aparecen a lo largo de la historia del arte, sobre todo en escenas religiosas donde la Virgen María llora la muerte de su hijo, escenas de guerra,... pero personalmente ninguna había llegado a sorprenderme tanto como lo hicieron esas pinturas del malagueño.

No es un reflejo del mundo real en cuanto a la representación, la forma. Puedo ver mi rostro más identificado en el rostro de una virgen barroca, una dolorosa, incluso en la imaginería religiosa, tan reales y naturalistas. Nosotros no tenemos un ojo de frente y otro de perfil cuando nos miramos en el espejo, nsootros no tenemos la cara a base de manchas de colores tan llamativos, a nosotros no nos emanan las lágrimas de unas cuencas de los ojos volcadas como boles de cereales. Pero el sufrimiento, el dolor, el llanto desconsolado que estas mujeres representan superan con creces, en mi opinión, el dolor del arte convencional.

Y es que Picasso, sabía transmitir el momento por el que estaba pasando España.




Si os gustan estos lienzos, aconsejo que cuando podáis deis una vuelta por el Reina Sofía (ahora gratis a partir de las 19,00 h.) y os dejeis cautivar por la cantidad de dibujos sobre el tema referente a la Guerra Civil Española.

Eva, Enric Clarasó.

Esta entrada simplemente quiere haceros observar y gozar de la imagen.

"Eva" (1904), una obra de Enric Clarasó, escultor catalán del principios del siglo XX. Delicadeza, sensualidad, y dulzura en una mujer que cubre su rostro bajo su pelo y sus manos entrelazadas para conseguir intimidad en su sufrimiento, su arrepentimiento, la conciencia del pecado cometido.

No podemos dejar de compararla con la escultura de Llimona, "Desconsuelo". Ambas con un lirismo poético que abduce a aquél que las ve.

Entonces, ¿Qué es arte? ¿Quién lo decide?

La pregunta más frecuente en una discusión artística, en una clase, en un museo o simplemente cuando te preguntan ¿Tú qué estudias? y respondes "Historia del arte" posiblemente sea "Pero y para ti... ¿qué es arte?". Y si encima vas más allá y dices que te gustaría especializarte en arte contemporáneo, en este caso la pregunta obligada es ¿Y a ti te parece que un pollo sobre una máquina de escribir es arte? ¿y un lienzo rojo liso es arte?

Bueno, creo que el concepto de "Arte" es lo menos definido en el mundo de arte valga la redundancia.

¿Qué hay que valorar para considerar algo como "arte"? Autor, calidad, originalidad,... Quizás ¿Quién decide qué es y qué no? Galeristas, expertos, conservadores, los propios artistas, el público. Lo más acertado sería pensar que todos ellos.

Mi opinión siempre ha sido que en lo referente al arte contemporáneo, ya que suele ser lo más problemático de definir (nadie duda de que "Las Meninas" de Velázquez, o "La ronda de noche" de Rembrant sean magníficas obras de arte) es normal que nos llame la atención, que sea criticado por unos y amados por otro, que nos choque, nos impacte, nos turbe, e incluso, nos repugne en ocasiones. Los impresionistas, artistas considerados hoy muy cualificados, fueron en su momento unos locos que no sabian lo que hacían, veían en ellos el fin del arte, no entendían lo que hacían, y lo mismo pasó con Van Gogh, con Pollock (que aún hoy sigue siendo discutido por gente que lo ve por primera vez), con Manet. Sus obras provocaban a aquellos que las observaban, no eran lo que estaban acostumbrados a ver, lo que solía considerarse como arte. Muchos murieron en la miseria, otros eran expulsados de los salones que se organizaban en la época, y hoy día se pagan miles y millones de euros o dólares por sus obras.

Las obras de hoy son criticadas hoy, y con toda seguridad, en el futuro, serán testigos de la sociedad, del momento histórico, político y cultural, el movimiento de unos pensamientos que circulan hoy día por nuestras cabezas y que algunos son capaces de plasmar de una forma u otra.

Pero tenemos también que ser críticos. No podemos tragarnos todo lo que nos pongan por delante. No todo es bueno, no todo es arte, o por lo menos, no todo es un arte que merezca la pena. Pero para esto "sólo" necesitamos TIEMPO. En el Renacimiento existían muchísimos autores además de Miguel Angel, Rafael, Leonardo, y todos los que hoy día estudiamos ya sean de 1º, 2º o 3º orden. Pero al final a nosotros nos han llegado los más representativos, los más característicos, y también, por qué no, los más revolucionadores en alguno de los casos. Hoy día tenemos a nuestro alcance TODOS los artistas, y habrá que esperar para que el tiempo haga una limpieza y sobrevivan los más fuertes.

Pero, una vez más, ¿quién decide qué es y qué no es arte? Todos y cada uno de nosotros. Por muy triste y desalentador que pueda parecernos, el arte, al fin y al cabo, como casi todo en esta vida, es cuestión de oferta y demanda. Al valorar una obra artística podemos tener en cuenta como dijimos al comienzo, la calidad, el caché del artista, la temática, la originalidad, la técnica, el impacto estético. Pero a todo esto al final se le pone un precio por el cual valoramos todos estos aspectos en conjunto. Si pasas por delante de una galería y ves a un autor colgando de sus paredes piensas "si está en esta galería es que debe ser bueno" quizás sea el cuñado del dueño de la galería, pero simplemente por estar ahí, su precio sube, porque sube su caché. Si un periódico habla del artista, sus obras comenzarán a valer más. Si sale en un libro, a todos nos gusta ver en el museo la obra que hemos estudiado anteriormente,... El galerista, el conservador o comisario que incluye una obra o un artista en su exposición, el espectador que lo compra, el estado que apuesta por un pintor, el crítico que habla sobre una escultura, el profesor que nombra a un autor en sus clases o sus libros,... todos ellos contribuyen a considerar a ese autor como artista o a esa obra como obra de arte.

Duchamp dijo que todo lo que el hacía era arte, puesto que ÉL era un artista. Pero si antes se consideraba artista a quién hacía arte y ahora arte a lo que hace el artista, ¿quién decide si es o no un artista? Aún así, su obra más conocida, "Fuente", ha sido considerada como la obra más influyente en el arte contemporáneo, el arte del "todo vale".

Y es que el arte, como todo, vale lo que estemos dispuestos a pagar.