Paco Broca

Aquí os dejo un par de videos de Paco Broca. En el primero podréis ver las exposiciones que tuvieron lugar el pasado mes en las Salas de Santa Inés y el Alcázar en Sevilla. El segundo se introduce en el taller del artista para enseñarnos su ambiente y su modo de trabajar.

Capricho artístico: "Murnau, Casas en el Obermarkt". Wassily Kandinsky

Wassily Kandinsky autor de origen ruso al que todos conocemos como un pintor abstracto, tuvo, como todos, unos inicios figurativos. En ellos ya podemos apreciar la importancia del color que luego dará lugar a tantas teorías que desembocarán en sus improvisaciones y composiciones.

Aunque nacido en Moscú, se trasladó a Munich para estudiar arte, y allí conoció a Gabriele Münter. Entre 1904 y 1908 (año de datación de la obra) juntos hicieron numerosos viajes: Holanda, París, Italia, el Norte de África, Berlín,... y en uno de ellos conocieron la pequeña población de Murnau. A unos 80 kilómetros de Munich, a pies de los Alpes bávaros, pasaron allí largas temporadas e incluso terminaron comprando una casa. Hasta 1914, con el estallido de la guerra, alternaban su residencia con Munich y Murnau, donde se encontraban con otros amigos artistas como Jawlensky. Allí fue donde Kandinsky fijó su caballete para realizar esta obra, un lugar que hoy día aún puede identificarse, es la Calle Mayor.

En la obra puede apreciarse la influencia fauve que el artista había recibido en sus visitas a París. Fue una obra que pasó desapercibida. Kandinsky solía apuntar en una lista sus principales obras, y esta no figuraba. Fue años más tarde de su muerte, cuando su viuda redescubrió la pintura envuelta en un periódico alemán (Müncher Neueste Nachrichten) de 1908. Esto nos ayuda a datar la obra, junto con un estilo artístico muy restringido en el tiempo debido a su rápida evolución hacia la abstracción, movimiento en el que fue pionero.

Ficha de la obra:

Wassily Kandinsky (1866-1944)
Murnau, Casas en Obermarkt, 1908
Óleo sobre cartón. 64,5 x 50,2 cm.
Colección Carmen Thyssen-Bornemisza, en depósito en el Museo Thyssen-Bornemisza



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Jardines Impresionistas en el Museo Thyssen.

Jardines Impresionistas es el título de la exposición que el Museo Thyssen inaugurará la próxima semana. Desde el Martes 16 de Noviembre y hasta el 13 de Febrero de 2011 podrá disfrutarse de obras de grandes artistas del impresionismo como Monet, Manet, Renoir, Morisot, Pissarro o Sisley, piezas de los precursores Delacroix, Corot o Daubigny e incluso la continuación del movimiento en Caja Madrid con pinturas de Klimt, Van Gogh, Ernst, o Cezanne. La sede de Caja Madrid alberga también una pequeña sala dedicada a artistas españoles de la talla de Sorolla, Regoyos o Anglada Camarasa.

¿Y por qué el tema del jardín? El nacimiento del impresionismo coincide, y no por casualidad, por la llegada de muchas nuevas especies florales, entre ellas muchas de procedencia japonesa como los cerezos, las capuchinas o los crisantemos que tanto gustaron a Caillebotte. En aquél momento, muchos de los jardines e incluso bosques reales y privados como el caso de Fontainebleau fueron abiertos al público, fue el auge de los parques, la renovación de la capital francesa, Las Tullerías, la vida burguesa en torno al jardín. Los artista se interesaron en ellos hasta el punto de llegar incluso a interesarle la jardinería al igual que la pintura tal y como confiesa Caillebotte. Vemos como Monet termina creándose su propio jardín japones en Giverny repleto de nenúfares y sauces llorones. A raíz de este interés hortícola, nacen los invernaderos que permiten la convivencia de plantas y flores de diferentes orígenes en un mismo lugar, creando jardines realmente exóticos.

Es el momento, además, en el que aparecen los tubos de pintura de fábrica y los artistas pueden salir a pintar el campo in situ sin tener que hacer las mezclas en el estudio. Se interesan por la luz, por el instante y esta idea de pintar la iluminación de un justo momento y no alargar su factura les obliga en cierta manera a realizar obras de pequeño y mediano formato como las que vemos en esta exposición. Este hecho se suma a la idea de revelarse contra el estilo academicista decimonónico que optaba por obras de gran formato. Puede verse en la segunda sede, como según va avanzando el impresionismo, los autores posteriores, e incluso los propios impresionistas en su misma evolución, van poco a poco agrandando los lienzos y será en las vanguardias cuando se vuelvan a ver obras de gran tamaño.

Esta exposición me ha dado además la oportunidad de aprender, de ver paso a paso cada momento de la organización y montaje y hasta los más pequeños e imperceptibles detalles que hay que tener en cuenta para hacer de un repertorio de grandes obras, una gran exposición.

Museo Thyssen‐Bornemisza. Paseo del Prado 8, 28014 Madrid.
Horario: de martes a domingo de 10.00 a 19.00 horas. La taquilla cierra a las 18:30h.
Tarifas exposición temporal:
- Entrada general: 8 €,
- Entrada reducida: 5 € para mayores de 65 años, pensionistas, y estudiantes previa
acreditación y grupos familiares formados por al menos un adulto y tres descendientes
(o dos, si uno de ellos tiene alguna discapacidad) incluidos en el mismo título de
familia numerosa.
- Entrada gratuita: Menores de 12 años y ciudadanos en situación legal de desempleo.
Exposición temporal + Colección Permanente: Entrada general: 13 € Entrada reducida: 7,5 €
Venta anticipada de entradas en taquillas o en la web del Museo y en el 902 760 511
Más información: 91 369 01 51 y www.museothyssen.org

Fundación Caja Madrid. Plaza de San Martín, 1, 28013 Madrid
Horario: de martes a domingo de 10.00 a 20.00 horas
Entrada libre.
Más información: 902 246 810 y www.fundacioncajamadrid.org

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5 Citas con el Arte Contemporáneo en España. Noviembre 2010

Exposición: Jardines Impresionistas

Lugar: Museo Thyssen-Bornemisza (Paseo del Prado 8, Madrid).

Fecha: Del 16 de Noviembre de 2010 al 14 de Febrero de 2011Horario: Martes-Domingo de 10 a 19 h. (cierre de taquillas a las 18,30 h.). El 24 y 31 de Diciembre el Museo abrirá de 10 a 15 h.

Precio:Telefónica (De Lunes a Domingo de 9 a 20h.: 902 76 05 11 ) y Online:7€ (temporal) 12€ (combinada: permanente y temporal)Taquilla: General 8€ Reducida 5,50€ (temporal), General 13€ reducida 7,50 € (combinada: permanente y temporal)

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Exposición: Solana y Vázquez Díaz

Lugar: MEIAC (Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo, Badajoz).

Fecha: Del 27 de Octubre de 2010 al 13 de Febrero de 2011

Horario: Martes - Sábado: 10 a 13 y 17 a 20 h. Domingo:10 a 13 h. Lunes, fiestas nacionales, fiestas locales y de la Comunidad Autónoma de Extremadura cerrado.

Precio: Entrada gratuita.

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Exposición: Los juguetes de la vanguardia
Lugar: Museo Picasso de Málaga (C/ San Agustín, 8, Málaga)

Fecha: Del 4 de Octubre de 2010 al 30 de Enero de 2011

Horario: Martes-Jueves: de 10:00 h. a 20:00 h.Viernes y Sábados: de 10:00 h. a 21:00h. Domingos y festivos: de 10:00 h. a 20:00 h.

Precio: General: Colección 6,00 €, Exposición 4,50€, Combinada 8,00€ Reducida:Grupos, mayores de 65 y estudiantes menores de 26, 50%. Gratuita: Menores de 19, miembros del ICOM, estudiantes de la universidad de Málaga, Carnet joven. Entrada gratuita el último domingo de cada mes.

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Exposición: Joyas de artista. Del Modernismo

a las Vanguardias
Lugar: MNAC
Fecha: Del 27 de Octubre de 2010 al 13 de Febrero de 2011

Horario: Martes-Sábado: 10 a 19 h. Domingo y festivos: 10 a 14,30. Lunes cerrado excepto festivos. Cerrados los días 25 de Diciembre y 1 de Enero.

Precio: 5,50 €. Entrada gratuita el primer domingo de cada mes.

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Exposición: Compass in hand. Selección de la Colección de dibujo contemporáneo de la Fundación Judith Rothschild
Lugar: IVAM (C/ Guillem de Castro 118, Valencia)
Fecha: Del 28 de Octubre de 2010 al 16 de Enero de 2011
Horario: Martes-Domingo de 10 a 20 h.
Precio: General: 2€ Estudiantes: 1,5 €
Pensionistas, discapacitados y grupos culturales: entrada libre Domingo entrada gratuita
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El artista del mes: Rosalía Banet

¿Cuál ha sido su último trabajo?

El último trabajo que he expuesto es la presentación en sociedad de las siamesas Golosas. Este proyecto froma parte de la vida de las Siamesas Golosas, un trabajo muy narrativo que empezó hace dos años y que através de las diferentes celebraciones de Sara Li y Ana K (como su cumpleaños, la navidad, La cena de San Valentín, etc) nos adentramos en un mundo de sentiemientos. El evento tubo lugar en Madrid, en casa de la arquitecta Paloma Cañizares que por un día se convirtió en la casa de Las Golosas. Los invitados pudieron disfrutar de un delicioso banquete canibal y pudieron conocer de cerca a las famosas hermanas.

Un artista al que admire

Bueno, es difici por no decir imposible elegir sólo a uno. Pero por la cercanía de su muerte podría mencionar a Louise Burgeois, pero también podría nombrar a Antoni Miralda o Mateo Maté. Son artistas que me interesan tanto por su trabajo como por su valentía

¿El que más le ha influido?

Creo que me han influido muchos y no sólo artistas, sino diseñadores, cineastas, escritores, cocineros, médicos, etc
En relaidad todo nos influye. Por supuesto lo que nos gusta pero también lo que nos desagrada. Lo que es afín a nosotros pero tambien lo que no tiene nada en común con nosotros.

Su obra perferida (suya y de otros autores)

Hay muchísimas obras que me interesan, es imposible elegir una. Si te dijese ahora una, mañana estaría pensando en otra,así que mejor no elijo una

En cuanto a mi trabajo, también depende del día, pero ahora mismo estoy entusiasmada con una máquina que tritura sentiemientos y otra que captura penas en las que estoy trabajando ahora mismo

Una persona importante para usted en cuanto a su vida artistica

POr supuesto hay muchas personas que han sido importantes en mi trayectoria, pero si tengo que elegir a una, ese sería mi marido que comparte conmigo la ilusión y el disfrute del arte, que soporta mis eternas dudas y crisis artísticas y que me anima a emprender nuevos retos

¿Cómo le gustaría que se viera su obra?

Definir un único tipo de mirada sería acotar la obra. Creo que cada uno nos acercamos al arte con nuestras circustancias y nuestro bagaje colectivo y personal y eso hace crecer la obra, la mantiene viva

¿cuándo dijiste "mamá quiero ser artista"?

Nunca, la verdad es que no puedo señalar un momento concreto en el que decidiera tomar este camino, en realidad las cosas, en mi caso, han sucedido de una manera más natural

¿Qué cree que es lo que más llama la atención de su obra?

Supongo que lo que más sorprende de mi trabajo es el contraste entre una estética dulce, alegre, incluso infantil y la sorpresa del contenido, mucho duro, el descubrimiento de vísceras y restos humanos detrás de esa máscara de inocencia y felicidad. Y la verdad es que esa especie de trampa es intencionada, para mi es una forma de tratar temas que de otro modo serían demasíado dolorosos, y al mismo tiempo es una crítica a la sociedad de los medios de comunicación que sólo muestran la superficie y esconden todo lo que no encaja en su idea de la felicidad.

Cuente una anécdota relacionada con su vida artística.

Bueno algo gracioso que me ha pasado en varias ocasiones es que algunas de mis esculturas son tartas hechas con fragmentos humanos, y en muchas ocasiones las presento tal y como las vemos en las pastelerías, con su portatartas y todo. Bueno, pues más de una vez se me han acercado señoras de una cierta edad a darme la enhorabuena por lo deliciosas que parecen mis tartas e incluso para pedirme la receta. Pero recuerdo, mi primera epxosición individual, en la Galería Marta Cervera, en la que una de las tartas era una versión de una chalota(una tarta que se presenta rodeada de bizcochos colocados en posición vertical) bueno, mi chalota en lugar de tener bicochos tenía unos enormes penes, y una señora se acercó asegurandome que ella hacía esa misma tarta y pidiéndome la dirección de la tienda donde compraba esos bizcochos tan grandes, porque los que ella encontraba en el mercado eran muy inferiores.

Proyectos de futuro
Ahora mismo estoy trabajando en un proyecto para DKV. Es un proyecto muy interesante y diferente puesto que se presentará en un hospital, el hospital de Denia por lo que tendrá un público muy especial. La instalación que estoy preparando y que se presentará dentro del área de nutrición, es una crítica a las multinacionales y los mass media que al mismo tiempo que nos vende un producto, nos venden una filosofía de vida y uns valores. Lo que supone una terrible manipulación, pues cuando nos llevamos a la boca un alimento u otro, también nos comemos "ideales" tan absurdos como juventud eterna, belleza, hipersexualidad, poder, fama, etc
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Construyendo Museos, "MUSAC"

Inaugurado en 2005 por los arquitectos Emilio Tuñón y Luis Mansilla (ganadores del premio de Arquitectura Española en 2003 por el Auditorio de la Ciudad de León) el MUSAC - Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León - ha conseguido meterse en uno de los grandes museos españoles por su colección, sus exposiciones y su arquitectura. El edificio ganó en 2007 el premio Mies van der rohe de Arquitectura Contemporánea de la Unión Europea, además formó parte de la exposición New Architecture in Spain que el MoMA organizó en el pasado año 2006 y representó a España en la Bienal de Arquitectura de Venecia de 2004.

Su fachada exterior cubierta por grandes vidrios de colores mantiene en relación la arquitectura clásica de la Catedral de León con la contemporaneidad del Museo poniendo en comunión el arte y la arquitectura, la ciudad y la cultura. Su forma cóncava crea un espacio ideal para la actividades y exposiciones que se organizan con asiduidad en la plaza que precede a los paneles de vivos colores.

Construido en hormigón blanco el edificio de una sola planta se organiza en numerosas salas autónomas y a su vez encadenadas que permiten una buena organización de exposiciones de diferentes tipos. Son repeticiones sitemáticas en las que es común encontrarnos con patios y luminarios que dotan al edificio de una luz especial. La expresividad del museo pasa de las obras a los muros y viceversa.

En su interior podemos encontrar obras de nuestro tiempo, un museo "creado para el siglo XXI", entre ellas se encuentran las de artistas como Gregory Crewdson, Daniel Canogar, Miki Leal, o Yinka Shonibare.

Si quieres darte un paseo y ver una nueva concepción de museo y ciudad podrás encontrar las exposiciones Modelos para armar, CGEM: Apuntes sobre la emancipación, Pulgar y Pasaje Múltiple

Información útil:

Avenida de los Reyes Leoneses, 24
24008 León

De martes a viernes: Mañanas: de 10:00 a 15:00 hs.
Tardes: de 17:00 a 20:00 hs.

Sábados y domingos: Mañanas: de 11:00 a 15:00 hs.
Tardes: de 17:00 a 21:00 hs.

Lunes: cerrado.

Entrada gratuita

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Capricho artístico "White Center", Mark Rothko

Título: White center (yellow pink and lavender on rose) / Centro Blanco (Amarillo, Rosa y Lavanda sobre Rosa)
Autor: Mark Rothko
Fecha: 1950
Medidas: 214.5 x 174 cm
Técnica: Óleo sobre lienzo
Propietario: Colección Privada


La obra de este mes fue la gran estrella de la subasta de Sotheby's en Nueva York en 2007. Fue vendida por 72,84 millones de dólares, alcanzando en su momento el récord como la pintura más cara jamás vendida en subasta y la más cara del artista. Anteriormente había pertenecido a la colección del banquero millonario David Rockefeller desde 1960. Fue adquirida mediante puja telefónica por un comprador anónimo.

Rockefeller había comprado esta obra por 8500 dólares en la galería que pertenecía a la sobrina de uno de los tres fundadores del MoMA, Elizabeth Bliss Parkinson, y estaba colgada en su oficina del Rockefeller Center de Manhattan.

La casa de subastas había estimado la obra en 40 millones de dólares. Ni ellos mismos sospechaban lo que finalmente ocurrió.

¿Qué hace que esta pintura alcance tales cifras?

Rothko (1903-1970) es considerado uno de los grandes artistas del expresionismo abstracto. Cuando pensamos en este movimiento, nos viene a la mente en la mayoría de las ocasiones obras de Pollock, De Kooning, obras expresionistas que nos llenan de violentan manchas de pinturas y pinceladas gestuales. Sin emabrgo, el expresionismo de Rothko no quería transmitir ese sentimiento, sino justo el contrario. Quería profetizar en un mundo pagano, adentrarse en el alma, en lo espiritual. Sus obras, como en este caso son de unos formatos inmensos con la intención de hacerle la tarea más fácil al espectador. Un lienzo de tales dimensiones nos permite bañarnos en él, meternos dentro. Algo parecido a lo que intentó hacer Monet con sus paneles de nenúfares en la sala de L'Orangerie es lo que Rothko intenta en su capilla.

Gracias a una técnica de superposición de veladuras consigue crear una sensación de manchas que flotan sobre un fondo de color sin huellas de pinceladas ni marcas de autor.

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¿Quién es... YINKA SHONIBARE?

Yinka Shonibare es un artista londinense de origen Nigeriano. En 1965, con 3 años su familia se trasladó a su país de donde Yinka regresó para realizar sus estudios artísticos.

Esta mezcla de culturas es la base de su producción artística. Pone en el punto de mira las relaciones políticas, coloniales, culturales entre los dos mundos, el europeo y el africano. Es fácil encontrar reinterpretaciones de grandes artistas como Goya y Fragonard, y lo cierto es que suele inspirarse en ese mundo del neoclasicismo, rococó y romanticismo. Esa época de las colonias, de la Revolución francesa, a la que hace un guiño representando a mucho de sus personajes sin cabeza en honor de la guillotina.

Caballeros y damas ataviados con la moda de la época son vistos desde otro punto de vista. Sus diseños pertenecen a la estética del imperio francés, sin embargo las telas, colores y estampados miran al sur, al país de sus orígenes, a Nigeria. Colores llamativos, alegres recuerdan a la vestimenta de esas mujeres africanas cargadas con sus hijos a la espalda que caminan hasta llegar al río donde lavar o recoger agua. De estra manera hace una crítica a la sociedad a sus relaciones.

Shonibare dio el gran salto al mundo del arte gracias a la exposición Sensation que el gran galerista Saatchi organizó en Londres en 1997, desde entonces fue incluído como sus compañeros en el grupo de "Young British Artists". En 2004 fue nominado al premio Turner, en 2005 fue nombrado Miembro de la Orden del imperio británico, MBE y en 2007 Doctor honorario en la Huron University College, Londres Ontario.

Muchos de los grandes museos cuentan con obras del autor en sus colecciones permanentes, entre ellos podemos destacar el MoMA de Nueva York, la Tate de Londres, el Art Institute de Chicago, la National Gallery de Canadá, La National Gallery de Edimburgo, La Gall. Nazionale d'Arte Moderno de Roma, ...

De joven se le diagnosticó una mielitis transversa que según dijeron desembocaría en una parálisis total, pero hoy día podemos alegrarnos de que la única secuela real que le dejó la enfermedad fue una leve inclinación de cabeza que le permite seguir creando arte en todo su esplendor.

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