¿Quién es... JULIA FULLERTON-BATTEN?

Julia Fullerton-Batten es una fotógrafa alemana nacida en 1970.

Desde pequeña bebió el oficio a través de su padre, de origen inglés, y ha creado un mundo de auténtica fantasía, mundos surrealistas, e imágenes inquietantes.

Pasó unos años en Estados Unidos y estudió en el Berkshire College of Art and Desing. Antes de terminar sus estudios una serie de fotografías que tomó en un viaje a Vietnam le hicieron merecedora de varios premios y una agencia alemana le dio su primer trabajo.

Entre sus series más conocidas, "Teenage Stories", donde juega con las proporciones en una ambiente urbano que recuerda a una Alicia contemporánea (quizás una influencia, consciente o no, para la artista Sheila Pazos)

En una de mis series preferidas "In Between" vemos a mujeres congeladas en un instante en el que parecen ser empujadas por una fuerza invisible o que levitan con una gran fuerza. Algunas de ellas podremos verlas en la sede de Caja Madrid que junto al Museo Thyssen-Bornemisza llevarán a cabo la exposición "Heroínas" que se inaugurará en el próximo mes de Marzo.

Fullerton-Batten ha trabajado con marcas como McDonald, Canon o Visa.

Goethe adelantaba la pintura contemporánea

"Si usted pinta a su perro exactamente, no tendrá un cuadro, tendrá dos perros"

Goethe, ya en el siglo XVIII hablaba de lo que luego será la ruptura del arte, llegando más allá que la simple representación de la realidad, sino buscando una interpretación personal del arte. ¿No es sorprendente?

Capricho Artístico: "Cabinas telefónicas" de Richard Estes

Cabinas telefónicas, 1967
Acrílico sobre masonite. 122 x 175,3 cm
Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid

Richard Estes es uno de los grandes representantes del hiperrealismo norteamericano. En esta ocsaión nos centramos en su obra "Cabinas telefónicas". Es muy interesante destacar las diferentes texturas, los brillos y reflejos en las superficies metálicas de las mismas que nos permiten ver los grandes almacenes Macy's y Woolworth que tenemos a nuestra espalda de una manera algo distorsionada, mientras que el reflejo de los cristales es un reflejo totalmente nítido. Vemos también lo que hay tras la cabina, y es de las pocas ocasiones en las que Estes pinta a personas en su obra. Normalmente son esquinas de Nueva York desprovistas de vida (aunque sí habitadas).

Para esta obra, Estes también hizo otra excepción. No se trata de una foto real de Nueva York. Es una imagen formada a partir de varias fotografías tomadas en diferentes puntos con las que el pintor creó un "montaje" creando su propio escenario para representar. En concreto se trata de una fusión de cabinas situadas entre Broadway, la 6º Av. y la 34.

Esta obra puede contemplarse en el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid formando parte de un tríptico del artista que se completa con las obras Nedick's, 1970 y People's Flowers, 1971

Picasso niño

Aquí transcribo un párrafo del libro "El Señor de las Palomas" una biografía novelada de Pablo Picasso escrita por Antonio D. Olano. Como bien dice, una biografía novelada, aunque en ocasiones habla en 1º persona, hay que dejar claro que no son unas memorias ni una autobiografía. Antonio D. Olano fue un gran amigo del pintor y uno de sus grandes biógrafos y creo que este párrafo bien podría ser palabras del propio pintor.

"Mis obras perdidas en su totalidad no eran de las características de un niño sino de un pintor que pintaba también cuando era niño. Sé que los que no se molestan en comer de lo que hago desprecian mi obray rápidamente añaden: "Esto lo haría mejor cualquiera de mis hijos pequeños", y me complacen porque dicen lo que a mi me gustaría haber escuchado alguna vez: un elogio a la obra de un niño, si cuando era niño hacía las cosas como un hombre, creo que ahora que soy un hombre debiera permitírseme hacer las cosas como un niño, comportarme como un niño. Fui un niño al que se le negó la infancia en su vocación y ahora quiero recuperarla: ¡al abordaje, ríndase, capitán!"

Sensation, por Charles Saatchi

A partir del mes que viene, una nueva sección mensual. Iremos abordando a cada uno de los artistas que participaron en la exposición "Sensation" en 1997 a cargo de Charles Saatchi, exposición que podemos definir como "creadora del arte contemporáneo actual".

De algunos de ellos ya hemos hablado en la sección "¿Quién es...?", o en artículos sobre el mercado del arte. Los demás llegarán pronto. Se les agrupa bajo el título de YBA ( Young British Artist, -Jóvenes Artistas Británicos-)

Estos artistas fueron:

Darren Almond
Richard Billingham
Glenn Brown
Simn Callery
Jake & Dinos Chapman
Adam Chodzko
Mat Collishaw
Keith Coventry
Peter Davies
Tracey Emin
Paul Finnegan
Mark Francis
Alex Hartley
Marcus Harvey
Mona Hatoum
Damien Hirst
Gary Hume
Michael Landy
Abigail Lane
Langlands & Bell
Sarah Lucas
Martin Maloney
Jason Martin
Alain Miller
Ron Mueck
Chris Ofili
Jonathan Parson
Richard Patterson
Simon Patterson
Hadrian Pigott
Marc Quinn
Fiona Rae
James Rielly
Jenny Saville
Yinka Shonibare
Jane Simpson
Sam Taylor-Wood
Gavin Turk
Mark Wallinger
Gilian Wearing
Rachel Whiteread Cerith Wyn Evans

Y tú ¿Cómo te enfrentas a un museo?

Ultimamente me vengo dando cuenta de una cosa. He aprendido (o desaprendido) a ver los museos de una forma diferente. Y con esto no me refiero a una forma intelectual y conceptos rimbombantes. Me he dado cuenta que tras ver tantos museos y tantas exposiciones (y lo que gracias a Dios aún me queda por ver) hago un recorrido diferente.

Entras al museo y te paras una por una en todas las obras, miras la cartela, examinas, sigues a la siguiente, y a la siguiente, y a la siguiente,... y cuando llevas 3 salas estás harto del museo, estás agotado, y sí, no te vas del Museo a la 4º sala, sabes que hay mucho por ver, y más aún cuando has pagado entrada. Pero desde hace algún tiempo veo los museos con el mismo planteamiento con el que la mayoría ve únicamente al Louvre o al British. Sabes que no puede acapararlo todo y seleccionas.

Ayer por ejemplo, en el SMAK (Museo de Arte Contemporáneo de Gante) fui consciente de ver las salas en menos tiempo que los demás, y no porque no me interesen precisamente. Ahora entro en la sala y hay cosas que llaman mi atención, cosas que siento la necesidad de ver, que me transmiten, ya sean por bien o por mal, acaparan mi vista. A esas obras sí, a esas que siento que merece la pena, me acerco, las miro, más o menos tiempo, lo que necesite. Quizás llamó mi atención y una vez que la miro, no me dice nada, pues me marcho y si es necesario cambio de sala. Otras me acerco y me hechizan, con esas sí, con esas pierdo el tiempo. Y lo que vi, vi y lo que no, será que para mi no merecía la pena.

Puede que eso es lo que hace a una pieza, una buena obra de arte.

Adiós al Chillida Leku

La crisis está en nuestro día a día, y al arte también le salpica. Un Museo es un centro de difusión de cultura, pero nos guste o no, al final también es una empresa y como todas als empresas, está teniendo problemas económicos. Un Museo que desde el principio siempre ha sido financiado con el patrimonio de la familia del artista

Este motivo es el que ha llevado a estos familiares del escultor a tomar esta difícil y triste decisión. El próximo mes de Enero cerrará sus puertas el museo dedicado al escultor guipuzcoano.

Después de 10 años abierto al público, esta etapa termina, a mi parecer con la esperanza de todos los amantes de su arte, de verlo abierto de nuevo una vez pasen los malos tiempos.

Eduardo Chillida, hace ya 27 años visitó con su mujer la finca donde hoy se sitúa su museo. Una gran finca con una construcción en ruinas, pero con las condiciones perfectas apra la exposición de su obra. Poco a poco fue haciendo de esas ruinas un gran casserío que hasta ahora se colaba en el Top5 de los Museos del País Vasco.

La noticia salta casi en el mismo momento en el que 11 obras del escultor han sido robadas en Madrid.

El mayor robo de arte en España...

Aunque tuvo lugar el pasado sábado, ayer algunos periódicos como El Mundo y Hoyesarte se hacían eco de la noticia. 22 obras de artistas en su mayoría españoles como Picasso, Saura, Tapies, ... y sobretodo Chillida eran robadas por unos encapuchados en una nave industrial de una empresa dedicada al transporte de obras de arte. En total el valor de las obras robadas gira en torno a 2,7 millones de euros.

Al parecer tres encapuchados entraron de noche en la nave situada en Getafe forzando la cerradura y sin más problemas sustrajeron las obras. Sin embargo, debe haber sido más complicado y estudiado de lo que parece, pues los propietariaos de la galería a la que pertenece la obra de Chillada, Topos IV, que valora en 800,000 euros, afirma qeu el trasporte de esa pieza requiere de maquinaria y personal especializado.

Las obras volvían de una exposición en Alemania y esperaban para ser devueltas a sus dueños.

Ahora sólo nos queda la espera y la esperanza de pensar que la Brigada por el Patrimonio y la Policía Judicial recupere estas piezas y no se pierdan en el mercado negro.

Diciembre 2010. 5 Citas con el Arte Contemporáneo en España.

Exposición: Let us Face the Future. Arte Británico, 1945-1968

Lugar: Fundación Joan Miró, Barcelona

Fecha: Del 27 de Noviembre de 2010 al 20 de Febrero de 2011
Horario: Martes-sábado: 10 a 19h; Jueves de 10 a 21.30h; Domingos y festivos de 10 a 14.30h; Lunes no festivos Cerrado

Precio:General: Adultos 8,5 €, Reducida 6 €. Temporales: Adultos 4 €, Reducida 3 €, Espai 13: 2,5 €, Audioguia: 4 €

Página web

Exposición: Sinergias. Arte Latinoamericano en España.

Lugar: MACUF (Museo de Arte Contemporaneo Unión Fenosa, La Coruña).

Fecha: Del 11 de Noviembre de 2010 al 27 de Febrero de 2011

Horario: Martes-sábado. Mañanas: 11:00 a 14:00 horas Tardes: 17:00 a 21:30 horas. Domingos y festivos de 11:00 a 14:00 h. Lunes cerrado

Precio: Entrada gratuita.

Página web

Exposición: Pablo Palazuelo. París, 13 rue Saint-Jacques (1948-1968)
Lugar: Museo de Arte Abstracto Español, Fundación J. March, Cuenca

Fecha: Del 19 de Noviembre de 2010 al 27 de Febrero de 2011

Horario: Luens Cerrado. Martes-Viernes: 11-14 h. y 16–18h. Sábados: 11– 14 h. y 16–20 h. Domingos y festivos: 11–14:30 h.

Precio: General:3€, Reducida: 1,50 € Gratuita: Menores de 10 años y ciudadanos de Cuenca.

Página web

Exposición: Takashi Murakami. Superflta: New Pop Culture.
Lugar: Centro Cultural Moncloa, Madrid
Fecha: Del 17 de Noviembre de 2010 al 9 de Enero de 2011

Horario: Lunes a viernes: 9.00-14.00 y 17.00-20.00; Sábados, Domingos y festivos: 9.00-15.00.

Precio: Entrada gratuita

Exposición: Georges Rouault. Lo sagrado y lo profano
Lugar: Museo de Bellas Artes de Bilbao
Fecha: Del 15 de Noviembre de 2010 al 13 de Febrero de 2011
Horario: Martes-domingo: 10.00-20.00 h. Lunes cerrado. Cerrado el 25 de diciembre, el 1 y el 6 de enero. 24 y 31 de diciembre de 10.00 a 14.00 horas.
Precio: General: 6 €. Reducida: 4,50 € (estudiantes, desempleados, mayores de 65 años y grupos a partir de 15 personas). Audioguía:1 € Gratuita: Día del Museo (todos los miércoles), Amigos del Museo, ICOM, Menores de 12 años, Profesores, periodistas y guías acreditados, Discapacitados (acompañantes reducida).
Página web

El Artista del Mes: CECILIO CHAVES

Artista gaditano, actualmente vive a caballo enrte Cádiz y Vigo. Dos extremos de España que guardan cosas en común. Disfrutó ya al finalizar la carrera de la beca "Fundación Rodríguez Acosta", y ha sido galardonado con el Premio Dearte, finalista en el Salón de Otoño, Premio Durán, Premio Nacional de Arte "Ramón Areces", Menciones de honor,... Expone de forma individual con asiduidad en las dos ciudades en las que vive, pero no le faltan ofertas en ciudades vecinas como La Coruña o en la capital madrileña, además de numerosas exposiciones colectivas. Ahora , él mismo nos habla de su obra.

Cuál ha sido su último trabajo?
Mi último trabajo ha sido una exposición en Cádiz. En el Castillo de Santa Catalina, dependiente del ayuntamiento de Cádiz. Un espacio increíble, con muchas posibilidades. Estructuré la muestra en tres zonas, cada una con un ambiente. La primera con cuadros, la segunda con vídeo y cajas de luz y la tercera con unas piezas a las que llamo cajas escénicas. Es una caja de madera donde se insertan cristales pintados, cada uno de ellos forma un plano de la imagen.

Un artista al que admire
Es curioso, creo que todo contestamos lo mismo, no hay uno en concreto, siempre hay muchos y muchos que están por conocer. Lo interesante de esto es que cada uno te aporta algo, bueno o no: la factura, composición, formato, soporte, infinidad de cualidades que forman una obra de arte. Y de cada uno de ellas se aprende.
¿El que más le ha influido?
Esta pregunta viene a continuar lo que decía en la anterior. El que te influya un artista con el tiempo se va diluyendo. Te influyen más al principio de tu formación y cuando vas buceando en distintos caminos que más adelante conformarán tu personalidad artística. En mi caso, desde muy pronto me interesé por el paisaje urbano, pero no recuerdo ningún artista que me influyera de una forma directa. Un colega me dijo en una ocasión que el estilo de cada uno se define con el trabajo diario y con el paso de los años me he dado cuenta que tenía mucha razón.

Su obra perferida (suya y de otros autores)
Casi diría que depende del momento o del estado de ánimo. Me impresionó mucho una pieza de Manolo Valdés que vi en el Reina Sofía, una estantería con libros, una pieza en madera, me pareció espectacular. No tiene, en principio, nada que ver con mi trabajo, pero eso no impide que te emocione. En cuanto a mi obra preferida de mi trabajo, sería casi imposible decirlo, tendría que verlas ahora, con el paso del tiempo para valorarla de una forma más objetiva. Cuando la acabas, sale del estudio y la pierdes de vista, el recuerdo que te queda no es el mejor, has luchado con ella y es una especie de enemigo al que has derrotado. El acto de pintar no es, como muchos podrían pensar, algo placentero el cien por cien del tiempo, a veces se pasa bastante mal. Hay una frase de Paco de Lucía “a veces veo a la guitarra y veo al demonio”, que describe perfectamente el sentimiento del artista frente a la obra de arte.

Una persona importante para usted en cuanto a su vida artística.
Mi mujer, Pilar Alonso, artista incansable. Transmite su energía y siempre me apoyo en ella en momentos en los que surgen dudas o alguna obra se estanca.

¿Cómo le gustaría que se viera su obra?
Como una obra honesta.

¿cuándo dijiste "mamá quiero ser artista"?
Esta es una pregunta que habría que contestar de forma cronológica. En mi familia no había ningún contacto con el arte, sólo el padre de una tía mía era pintor aficionado. El que yo me dedique ahora a esto, es por haber visto a esa persona pintar, tenía yo 12 años. Ahorré, me compré una cajita con 6 tubos de óleo, dos pinceles, un tarrito de aguarrás y otro de aceite de linaza. Poco después fui a una academia de pintura y ahí siguió la cosa. En ese punto, comenzando el Bachillerato tenía claro que quería estudiar Bellas Artes. No tenía una segunda opción. Curiosamente, aunque en mi familia nadie tenía ningún contacto con el mundo del arte, mi madre nunca se planteó el que Bellas Artes no tuviese una salida profesional.

¿Qué cree que es lo que más llama la atención de su obra?
Las luces y las sombras. Dentro de la temática del paisaje urbano, intento buscar composiciones donde la luz tenga un protagonismo. Cádiz y Vigo son ciudades sobre las que trabajo habitualmente y las dos tienen unas luces muy características.

Cuente una anécdota relacionada con su vida artística.
La más repetida es cuando me presentan a algún cliente .Éste se sorprende de no encontrarse con una persona mayor.

Proyectos de futuro
En estos momentos estoy preparando la obra que presentaré en la feria Espacio Atlántico de Vigo, que se celebrará el próximo Abril.

¿Quién es... MARINA ABRAMOVIC?

Aunque es una de las principales artistas contemporáneas, puede que haya mucha gente que no la conozca.

Marina Abramovic, nacida en Belgrado y actualmente residente en Nueva York, es una gran artista centrada principalmente en la performance. Su vida ha marcado en muchas ocasiones su obra artística. Su abuelo fue nombrado santo por la Iglesia Ortodoxa, sus padres participaron en la II Guerra Mundial, su padre abandonó a su familia.

En la mayoría de sus performances, su objetivo es estudiar la relación de lo físico con lo psíquico. El control que la mente puede llegar a ejercer en el cuerpo y cuál es el punto que no puede controlar. La resistencia moral y física. La guerra, los conflictos de su país natal, Yugoslavia, está muy presente.

Cuando conoció a Ulay, un artista con el que compartía intereses y una larga relación, realizaron numerosas perfomances juntos durante más de 10 años. Entre ellas una en la que Ulay apuntaba con un arco el corazón de Abamovic tensado por sus cuerpos y unos micrófonos grababan y reproducían la aceleración del pulso de ambos artistas. Su última performance tuvo lugar hace unos meses en el MoMA, donde pasó más de 700 horas sentada en una silla en el centro de la sala mientras cualquiera de los visitantes del museo podía sentarse frente a ella el rato que quisiera.

Se ha considerado así misma "la abuela del arte de la Performance", recibió el León de la Bienal de Venecia, el Premio de la Edición de ARCO 2009. En España hemos podido ver su obra gracias a la Galería La Fábrica, con quien mantiene un acuerdo comercial, además el Museo Thyssen expuso algunas de sus fotografías en la exposición Lágrimas de Eros.