Que nos corten la cabeza!

Que nos corten la cabeza! es el título que los alumnos del Máster de Mercado de Arte y Gestión de Empresas relacionadas ha elegido para la muestra que se abre mañana al público en el Centro Cultural Casa del Reloj (recinto del Matadero) de Madrid.

En la muestra 12 artistas emergentes interpretan los 12 capítulos del libro de Carroll "Alicia en el País de las Maravillas". Crean un mundo imaginario, de fantasía, llevado a la modernidad, al arte contemporáneo desde muy diferentes puntos de vista. Nos invitan a soñar, a recorrer una singular exposición de mundos paralelos que se convierten en el nuestro.

Encontramos pintura, fotografía y nuevas técnicas de la mano de 23 comisarios que con un duro esfuerzo se adentran en el mundo profesional.

Los artistas que encontraremos:

Afroditi Psarra

Alessandra Fernández

Estefani Bouza

Javi Larrauri

Jose Luis Serzo

Juan Baraja

Julio Falagán

Misha Bies Golas

Paco Cao

Saelia Aparicio

Sheila Pazos

Zaida Cordero

¡No se la pierdan!

Que nos corten la cabeza!

28 Junio- 9.Julio de 2010

Sala La Lonja, Centro Cultural Casa del Reloj: Paseo de la Chopera, 10. Madrid (Metro Legazpi, L3, L6)

Lunes-Sábado: 11-14 / 17-22 h.

Festivo: 12-14 h.

Entrada gratuita.

Warhol después de Munch

Edward Munch, pintor expresionista alemán, diseccionador de almas, refleja en su obra un mundo interior, el sufrimiento por la guerra, la soledad y la angustia. 

Andy Warhol, artista del pop art hito de la comercialización del arte, la fabricación en masa, la producción, la superficialidad. 

¿Qué pueden tener en común? Mucho. 

El Louisiana Museum of Modern Art presentó a principios de este mes la exposición "Warhol después de Munch", y es que el artista pop realizó varias obras grabadas a partir del trabajo del noruego. Usa los modelos más representativos de Munch, El Grito, Madonna, Autorretrato y El Broche.  Además ambos se interesaron por la repetición en su obra, llamados por la variación de los pequeños detalles que pudiera haber entre ellas.

La exposición estará abierta al público hasta el próximo 12 de septiembre. 

Maurizio Cattelan. Crítica, humor e ironía.

Maurizio Cattelan, italiano, nacido en 1960. Si preguntas a los grandes entendidos del arte, la mayoría le situaría entre los más importantes del panorama actual. Ha expuesto en el MoMa, es invitado seguro en la Bienal de Venecia, tiene obras en el Guggenheim de Nueva York, en la colección Jumex, el museo de arte contemporáneo de Seattle, y tantas y tantas más.

Se trata de un escultor hiperrealista que juega con el humor y la crítica, con la ironía, con imágenes a veces absurdas, con el humor negro. Su obra más polémica fue la llamada "La nona ora" en la que representa al Papa Juan Pablo II derribado por un meteorito. Tampoco pasó desapercibida la representeación de Hitler, a tamaño algo más pequeño del real, arrodillado y rezando como alusión al miedo. En ocasiones utiliza la representación de animales con actitudes humanas, figuras que aparecen en el techo, que brotan de una pared o que se asoman desde un boquete del suelo. Muchos hablan de él como el mejor relevo de Duchamp.

Es un artista autodidacta. Recibe influencia de unos años en los que trabajó en un depósito de cadáveres y fabricando muebles de madera. Ha sido también autor de diferentes performances (fijó a un galerista con cinta a una pared), y creó una revista titulada "Permanent Food".

Actualmente vive en Nueva York y trabaja como comisario.






A Manu por descubrírmelo...

Récord con Modigliani

Ayer Christie's volvía a las portadas de los periódicos. Parece que las casa de subastas no se dan por vencidas y luchan por romper los récords cada día.

Esta vez le toca a Modigliani, para mi unos de los mejores artistas que dió la vanguardia del siglo XX. Dedo, como le llamaban en su familia cuando niño, es mundialmente conocido por su lienzos en los que aparecen retratos de sus más allegados, con esos cuellos largos, como de cisne, por los que sentía devoción. Pintó, y pintó mucho, pero su real interés estaba dirigido a la escultura. Esculpía y pintaba y finalmente pintó. Una de las esculturas que realizó fue la subastada el pasado día. Tête, una obra en piedra caliza, fue adjudicada por 43,18 millones de euros en París a un comprador anónimo. Fue realizada entre 1910 y 1912 y se convirtió en la obra más cara del autor en una subasta mundial y la más cara en una subasta en Francia.

Modigliani es el autor bohemio por excelencia, el autor de la leyenda, el autor romántico. Sin embargo, si se deja a un lado esta leyenda ¿qué nos queda?. Es lo que ha querido contarnos su hija, Jeanne Modigliani en su libro "Modigliani sin la leyenda". Es un libro seco, con muchos datos de fechas y hechos concretos, sin una narración novelada, pero es que no es una novela. Su hija, quién apenas conoció a su padre, nos relata los hechos comprobados, reales, que en su mayoría no hayan podido ser deformados por una mala memoria ni por un sinfín de leyendas a su alrededor. Toma diarios de su familia, contratos, fotos y cartas, y en algunos casos, algun recuerdo concreto.

¿Quién es..... CHEMA MADOZ?

Fotografía sencilla, sin muchos objetos, sin ornamentación. Un lenguaje claro, únicamente obras en blanco y negro. Silencio. Ironía, guiños y juego. Una imagen surrealista. Parece lo que no es y no es lo que parece.

Es la obra de Chema Madoz, un fotógrafo madrileño que inaugura la nueva sección de "¿Quién es....?". En ella intentaremos ir mostrando a muchos de los grandes artistas de hoy, para que los conozcáis desde cero, o recordéis los que ya los conozcais.

Madoz nació en el 58 y lleva exponiendo su obra desde el 85. Ha recibido diversos premios de fotografía como el Premio Nacional de Fotografía, el Premio Higasikawa o el Premio PhotoEspaña (todos ellos en 2002) y el Premio Kodak en 1991.

Sus obras suele hacerlas sobretodo con luz natural y desde hace 10 años las realiza con una cámara Hasselblad. Cambia el uso y significado de sus objetos, juega con las formas y reinterpreta el mundo a su manera.

Hoy, podemos ver alguna de sus obras en la exposición de "Madrid, oh cielos!" que tiene lugar en el Círculo de Bellas Artes de Madrid hasta el 15 de septiembre.

Y las subastan siguen subiendo

Aún tendremos que esperar para conocer los resultados de ventas de las subastas de las próximas semanas, pero Christie's ya anuncia el alto valor de las obras que pondrá a diposición de los compradores.

Es esta también una táctica de venta, de crear expectación, de darle fama, de tener a peces gordos detrás de la subasta, pero no hay que obviar la calidad de los lotes.

Entre las obras subastadas encontramos trabajos de Picasso, Magritte, Klimt, Van Gogh, Monet, Dix, Matisse... y no obras cualquiera. Picasso aparece, entre otros, con Retratro de Ángel Fernández Soto, del que hablábamos el pasado mes de marzo relacionándolo con la recaudación de fondos para Andrew Lloyd Webber Foundation, Monet estará presente ni más ni menos que con uno de sus famosos lienzos de nenúfares, Van Gogh nos hará partícipe de la vista del jardín del Hospital de Saint Paul,...

Todos los lotes que se subastarán el próximo 23 de junio en Londres están valorados entre 163 y 231 millones de libras (aproximadamente entre 198 y 280 millones de euros), su subasta más cara en Londres. Veremos en cuanto se vende finalmente.

¿Por qué al arte cuesta lo que cuesta?

El arte, por suerte o por desgracia, se rige por las mismas reglas que el resto del mundo. El por qué de los precios de una casa, de un CD o de un vestido, al fin y al cabo, con sus pequeñas diferencias, se basan en lo mismo: la oferta y la demanda y principalmente lo que el comprador esté dispuesto a pagar. Si además, añadimos otros factores, podremos ir concretando más.

Esta explicación está perfectamente redactada en el libro del economista Don Thompson "El tiburón de 12 millones de dólares" haciendo referencia al precio de la obra "La imposibilidad física de la muerte en la mente de alguien vivo" de Damien Hirst, que realmente recomiendo.

Es cuestión de marcas de "confianza" y en realidad de un deseo de reconocimiento. Thompson compara el arte con un bolso de Louis Vuitton, con películas de Mel Gibson o con la mismísima Coca-Cola. Por un lado está esa "confianza" que da una marca reconocida, saber que "va a ser bueno" por el sencillo hecho de ser Coca-Cola, y por otro lado ese deseo de reconocimiento de la marca Louis Voutton cuando vistes de él. Con el arte sucede lo mismo. Si compras un Picasso "va a ser bueno" y si alguien ve en casa un Picasso lo reconocerá. Sabrán que tienes un Picasso, que eso conlleva un nivel adquisitivo y cultural alto (o eso debería). Si tienes dinero, tienes que gastarlo, y ¿en qué gastarlo mejro que en arte? Si además nos colocamos al nivel de los altos récords de ventas, tu reconocimiento será aún mayor, y tienes la seguridad de que "es bueno". Si además, como explica Thompson, no sólo es una obra de un gran artista, sino que ha sido vendido por un gran marchante, en una gran casa de subastas de una gran ciudad del arte, todo esto va sumando puntos al pedigrí de la obra.

Entrecomillo siempre "va ser bueno" porque aunque así debería ser, no lo es. En el arte, como en muchos otros aspectos, ser de un artista determinado no asegura la calidad. En muchas ocasiones los grandes artistas han llegado a ser reconocidos por un simple (o no tan simple) programa de marketing, que consiguen ponerlo en las altas órbitas del mundo artístico, pero relamente sin mucha calidad.

Mientras que haya clientes de tal poder adquisitivo con intención de gastarlo el arte, el arte no bajará de precio.

Julian Opie en el IVAM

Ayer se estrenaba en el IVAM de Valencia una muestra de 35 obras del artista Julian Opie.

Este autor, mirado por todos menos por él con una mirada pop, dice que basa su obra en "observar a la gente pasear por la calle. Los transeúntes crean una coreografía interactuando al cruzarse unos con otros, todos estamos en movimiento".

En sus primeros momentos, cuando era más joven se inició en el paisaje, luego en los animales, para llegar a lo que sería sin duda el icono de su obra: La figura humana.

Siluetas de gruesos contornos negros, de colores planos, sobre superficias lisas de colores intensos hace que muchos relaciones su obra con la de Keith Haring. En un principio aún tenían rostros definidos, pero la imagen de este artistas es sin duda la de esas últimas figuras inspiradas según el propio artista en "los símbolos que se emplean en los cuartos de baño". Cabezas a bases de simples circunferencias, cuerpos sencillos, pero que consiguen transmitir el movimiento, el baile, ese "ideal optimista" que tiene en común con el pop art (esta vez sí, Julian Opie está de acuerdo con esta relación).

En la muestra, además de sus pinturas podrá disfrutar de su arte más desconocido, la escultura.

Si está en Valencia hasta el 18 de Julio, no puede perdérsela.







Las obras reproducidas no indican su exhibición en la exposición.

El artista del Mes: MANUEL BABIANO

Las hijas del Barón Font

Reunión de Maniquíes

Hoss Intropía

Whitle

Interpretación de Esteban Vicente

Fotomontaje de la obra "Las hijas del Barón Fon" en un fotograma de la película "Laura" de 1944)

Fotografía

Fotografía

Chanel encierra a Hopper

Arquitectura Efímera

Cuatrítico "De copas con Penélope II"

Detalle de la obra del artista "Madame Merino"

Empezamos el mes estrenando sección en el blog, "EL ARTISTA DEL MES". Lo inaugura Manuel Babiano del que ya hemos podido leer artículos anteriormente y que da imagen al blog.

Se trata de un joven pintor que ahora experimenta con fotografía y se inicia en el videoarte como nos cuenta a continuación. Desde bien pequeño tenía clara su vocación y no paró hasta conseguir ser lo que quería y, aunque su camino aún tiene mucho que recorrer, pone todas sus fuerzas para conseguir su objetivo. Artista de interiores, de bares, de escaparates y moda, influenciado por sus años como estudiante de arquitectura y el cine de los 40, ahora se centra en imágenes irónicas de lo que él llama "Alta Suciedad", mezcla de cine, pintura, fotografía y la importancia de la Femme Fatale.

Pero mejor, dejemos que él nos lo explique con sus propias palabras en la entrevista que ha tenido la amabilidad de concedernos.

¿Cuál ha sido su último trabajo?

Mi último trabajo es una serie titulada "Alta Suciedad" en las que retrato a personas de mi entorno caracterizadas como miembros de una supuesta élite, una falsa burguesía. A través del tratamiento de colores y pinceladas, descontextualizo de modo sarcástico los tradicionales retratos de la alta sociedad. Eso en pintura, aunque estoy haciendo un trabajo fotográfico sobre Barcelona de noche y una videoinstalación a partir de la película "Deseos Humanos" de Fritz Lang.

Un artista al que admire

Sería más fácil nombrar un artista al que no admire, pero ultimámente ando obsesionada con el trabajo de Hockney, sobre todo por su paleta y su tratamiento de las texturas. En el panorama actual, me resulta muy interesante e innovadora la obra de Martin y Sicilia, pintores canarios y la obra de una pintora estadounidense muy en la línea del trabajo que estoy realizando ahora, Kimberly Brooks.

¿El que más le ha influido?

Tendría que decir que Edward Hopper, porque el enigma que encierran todos sus cuadros y el excelente trabajo de las luces constituyen siempre un referente a la hora de trabajar la pintura figurativa, aunque no me puedo olvidar del primer pintor que me erizó la piel, Velázquez, ni del grupo de expresionistas alemanes Die Brücke, que me descubrieron unas pinceladas y paleta únicas.

Su obra perferida (suya y de otros autores)

Mi obra personal preferida está aún por pintar, y de otros autores, una composición de Pollock que vi en el Pompidou, y sin conocer aún la obra de este autor sentí una conexión muy fuerte con ella.

Una persona importante para usted en cuanto a su vida artística

Para esta cuestión no tengo duda alguna, mi mentora, mi maestra, mi madre artística, Chelo Escribano, con ella aprendí casi todo lo que sé de pintura.

¿Cómo le gustaría que se viera su obra?

Mi obra en general, me gustaría que se apreciase sobre todo por el estudio del color que hago, la constante investigación de nuevas gamas y combinaciones cromáticas. Mi última serie me gustaría que se viera como lo que es, una sátira, un comentario sarcástico a modo de lienzos, quiero producir una sonrisa, una carcajada en áquel que lo ve.

¿Cuándo dijo "mamá quiero ser artista"?

Bueno, de pequeño quería ser artista pero diseñando ropa, lo tenía muy claro. Luego elegí, aunque nunca muy convencido, ser artista a través de la arquitectura. Y finalmente, con una serie de retratos de Lauren Bacall, y habiendo cursado dos cursos de arquitectura, fue cuando finalmente cogí el toro por los cuernos y decir "mamá, que yo lo que quiero es ser artista!". Además concidió con un momento personal duro, y lo bueno es que en todo momento he contado con el apoyo de mi madre al 200%.

¿Qué cree que es lo que más llama la atención de su obra?

Llama la atención, al menos en el contexto de mi facultad, que no me dedico a hacer churretes sobre un lienzo, que tengo la paciencia suficiente como para dedicar horas a lograr una mirada que inquiete. Sobre todo creo que llama la atención que en una sociedad que discurre a alta velocidad, yo decida detenerme y dedicarle el tiempo que haga falta a lograr mi objetivo.

Cuente una anécdota relacionada con su vida artística.

Muchas cargas imposibles de lienzos desproporcionados. Una vez cargué un lienzo de 2 x 1,5 metros por un recorrido de casi 1 kilómetro, en esto, un niño que me vio le preguntó a su madre "mamá, ¿por qué ese hombre lleva una pared?".
Proyectos de futuro
Pintar, pintar mucho, pero ahora estoy investigando con el video, sobre todo jugando con escenas de películas antiguas de Siodmack o Lang, modificando velocidades, superponiendo escenas... También quiero seguir progresando en fotografía, y sobre todo, empezar a mover mi obra a nivel de concursos o exposiciones.


Aunque su web está en construcción, podéis ver su trabajo en el siguiente enlace.