Mondrian, "la dama danzante"

Las teorías de Mondrian que le llevó a realizar su personal neoplsticismo se basaba en la armonía del universo y el hombre. Era un gran teósofo y eso se ve también en su obra. Quiere conseguir una utopía, quiere el orden total del mundo. El equilibrio, eliminando toda clase de emoción, de sentimiento; y en su obra, la eliminación de la huella del pintor (aunque a veces se contradice así mismo firmando sus lienzos en la zona posterior, quizás asomo de una personalidad de "genio dandy" como hemos hablado en otro post). Sus cuadros eran líneas siempre rectas horizontales y verticales. Lo diagonal rompe el ritmo, lo diagonal siempre evoca lo dramático, lo sensible. Los colores que usa no pueden ser otros que los colores primarios y los "no colores", el lnco y el negro. Las líneas no llegan al final del lienzo si no que queda inacabado, pero nuestro cerebro es capaz de continuarlas hasta el infinito, infinito como el Universo. En sus obras tampoco existe un centro claro, el centro está en el Universo y éste, fuera del lienzo. Poco a poco incluso llegará a expulsar los colores

Y a mi, me gustaría destacar una anécdota que cuenta sobre él para ver hasta que punto llevaba sus teorías. Cuentan que en la época se le conocía como "la dama danzante" y es que le encantaba bailar en cualquier bar nocturno y en cualquier ocasion que se plantease pero con un baile muy particular. Él mismo hablaba de que le fascinaba el Fox, pero por el contrario odiaba el Vals y a Bach. Disfrutaba de una música con golpes claros y secos, no una música suave e insinuante. Su baile, de hecho, va relacionado con esto, y esto, con su pintura. Mientras que Mondrian bailaba nunca hacía un movimiento diagonal, curvo, volvamos a repetir, insinuante. Todos sus movimientos eran, cmo sus lienzos, hortogonales y siempre con la cabeza bien erguida.

ESto es llevar, como muchos artistas, o la mayoría, el arte a su propia vida o su filosofía de vida a su arte.

El no gusto de Francisco Calvo Serraller para entender el arte.

Este post no va a ser escrito por mi, simplemente voy a tomar una parte de la entrevista que el diario on-line hoyesarte hizo hace algo más de un mes a Francisco Calvo Serraller con motivo de la nueva exposicón que había comisariado para el Museo Esteban Vicente en Segovia sobre la escultura española actual.

Podría comentarlo yo, pero creo qeu sus propias palabras son las mejores para hablar sobre el tema.

"Cualquier persona aficionada o con interés por el arte no puede renunciar a su propia percepción, pero, para mí, alguien que vive de su propia percepción, que sólo vive de su gusto, es desgraciado, porque pienso que jamás tendrá un diálogo con el arte, porque tener gusto es tener un diálogo contigo mismo y, sin embargo, lo interesante del arte es que te saca de ti mismo, de tus casillas. Si te gusta o no te gusta es irrelevante, si no te gusta ya te gustará. En absoluto soy un comisario que se rija por cuestiones de gusto.

Creo que no te puedes mover por esas visiones tan acotadas, me gusta o no me gusta, hay otros criterios. Hay cosas que te repugnan y son imprescindibles para ti, y cosas que te agradan y de las que puedes prescindir sin ningún problema. El arte es así. A la gente que le interesa el arte y lo ama tiene que estar acostumbrada a eso, a confrontar sus gustos con la realidad. Eso es lo que he tratado de hacer. Una exposición en la que intento negar mi subjetividad y no regodearme en ella. "

Y a la inmortal pregunta "¿Qué tiene que tener el arte para ser considerado arte?" Responde,

"No tengo tanta arrogancia como para decir qué tiene que tener una obra. Eso es precisamente lo que me interesa. Que el arte es inútil, no progresa. Es una fuente que, en sí misma, es una pregunta sin respuesta. Eso es lo que me interesa del arte, que estructuralmente y también mentalmente es discordante, es, por esencia, políticamente incorrecto. Trabaja exactamente en todo lo que la gente ha consensuado como el bien, pero hace lo contrario, lo ha hecho siempre. Ahí veo un depósito abandonado que está preñado de información sobre el hombre y que todavía no hemos sabido descodificar, y es muy interesante. Creo que puede aportar claves esenciales para el conocimiento de la humanidad, de la realidad desde el punto de vista humano. Me parece dramático perderlo, descuidarlo o despreciarlo."


Entrevista completa

¿Hasta dónde puede llegar la conservación?

Las obras de arte, se realizaron en un momento determinado y con un fin determinado. ¿Debe su conservación cambiar ese fin?

Las obras, con el tiempo se van degradando, y el trabajo de muchas personas y, en un futuro puede que el mío, consiste en conservarlas de la mejor manera posible. Pero muchas veces esta conservación va más allá. ¿Hasta dónde se puede llegar?

Muchas ciudades hoy día están peatonalizando los centros, y uno de los factores más importantes para esta decisión es la conservación de edificios históricos. La iglesia de San Antonio de la Florida tiene una hermana gemela a su lado para evitar que se degraden los frescos de Francisco de Goya.

Soy partidaria de la conservación y de poder mantener las obras que hoy disfrutamos para que muchos años después puedan disfrutarlas otras generaciones, pero en ciertas ocasiones me parece que se está rechazando cierta esencia de las obras. Las ciudades pueden y deben cuidar su centro histórico y si no se empeora la calidad de vida de sus habitantes me parece una idea genial. Si esto dificulta el acceso, no.

¿Ir a ver los frescos de Goya sin ser de Goya? Puedo verlos en los libros.

Es cierto que en ciertas ocasiones la masificación de turistas o visitantes puede degradar una obra y se prefiere resguardar antes que dejarlas morir poco a poco, pero ¿Cuál es el punto?

Los edificios se hicieron para ser visitados, las pinturas para ser contempladas, y las ciudades para ser vividas.

El arte hay que aprenderlo

No recuero si en alguna entrada anterior dije esta misma frase pero creo recordar que fue algún profesor quién la dijo: "Si no entiendes la física cuántica, es normal, es física cuántica, pero si no entiendes el arte crees que te están tomando el pelo". El arte también tiene un código, un estudio, un por qué, un contexto, que hay que conocer, aprender y entender.

Creemos que es culpa del arte contemporáneo, que es el único arte que no entendemos y que no sabemos decir si es arte o no. Pero no todos los estilos pueden verse tan claro si no fuera porqeu desde pequeñitos lo hemos aprendido así. Si muchos valoran que algo sea arte o no simplemente por su similitud con lo real, o lo que creemos real, por la técnica, la belleza o la capacidad de transmitir, entonces ¿Por qué está consideramos arte entonces las pinturas de las cuevas de Altamira? Es un testimonio histórico, cierto, pero ¿Por qué arte?

Simeplemente porque no tiene unas reglas fijas, unas pautas que cumplir, es algo mucho más subjetivo que eso, hay que educarse a comprenderlo, no es siplemente leer un libro y saber, es mucho tiempo viendo, pensando, aprendiendo y sólo de esta forma podremos respondernos a nosotros mismos, pero nunca a los demás porque ¿Cómo expresarlo?

Dalí es surrealismo.

Otra nueva conferencia en la Fundación Mapfre y una nueva reflexión que me ha provocado esta vez Francisco Calvo Serraller.

La conferencia titulada "Yo, el artista. Genio atormentado o dandy" se basó en una reflexión sobre el por qué y los tipos de personalidades de los artistas.

Es cierto que los artistas tienen un carácter bastante especial. Muchas veces escuchamos "ese hombre estaba loco" y se contesta "bueno, es que era un artista". La mayor parte de los genios han sido de "personalidad especial", por ejemplo podemos hablar de mcuhos de mis preferidos, Picasso, Pollock, Modigliani,... pero no podemos dejar de pensar cuando hablamos sobre esto en Salvador Dalí.

Salvador Dalí era el mejor ejemplo de dandy. Le gustaba llamar la atención, dar de que hablar, solía decir que sus largos bigotes eran antenas para comunicarse con los extraterrestres. Pero, ¿qué podemos de esperar de una persona que además de artista es, para mas inri, surrealista? Hoy día vemos en los museos videos sobre performances, happenings, y no es más que lo que Dalí hizo cada día de su vida. Él era artista, pero además, en cierto modo, ÉL era ARTE.

También Dalí fue muy criticado por su ultimos años en los que, coloquialmente se dice, se vendió, solo se interesaba en el dinero, hacia cosas sin sentido, quizás no artísticas, era criticado, pero también se suele decir, "que hablen bien o hablen mal, pero que hablen".

Hizo de su vida su mayor obra surrealista sin descansar un solo instante.

Obras en el tiempo. Museo Thyssen-Bornesmiza

La página web del Museo Thyssen-Bornemisza ofrece un gráfico para poder ver sus obras en un marco temporal. Aquí os lo dejo para que le echéis un vistazo.

Por qué Duchamp dejó la pintura.

Estos días, asisto a un curso de arte de la Fundación Mapfre. En el se discute sobre qué es lo qeu nos queda del Siglo XX.

Werner Spies, antiguo director del Centro de Arte Pompidou e íntimo amigo de la talla de Picasso, Max Ernts o Duchamp, contaba una aneécdota de este último artista.

Un día, estaban de viaje juntos cuando Werner Spies le preguntó, "Marcel, ¿Por qué dejaste la pintura?" y entonces, le contestó:

"Por lo que he podido ver, en un siglo no hay sitio para más de un genio. En este siglo tenemos a pintores como Pablo Picassoy ya no hay sitio para mi, así que decidí dedicarme a ser un genio en otras cosas".

Mies van der Rohe y Duchamp, dos genios imitados.

Esta mañana, en clase mi profesora de arte desde el 45, hablando de la arquitectura de Mies van der Rohe, dijo una frase que me llamó la atención: "Algunos critican la arquitectura de Mies debido a su excesiva proliferación, pero la culpa no fue de Mies van der Rohe, sino de las malas copias que se hicieron de su arquitectura".

Esto me llevo a otro arte, pero en el que creo, pasa algo similar.

Hoy día, podemos ver en los museos obras que llaman la atención no más que porque nos hace plantearnos de nuevo la repetida pregunta de "qué es arte". Vemos, como bien mi abuelo recuerda en repetidas ocasiones, como un pollo encima de una máquina de escribir se abre paso en las salas de exposiciones. La mayor parte de la población que la visita vuelve a la pregunta de si es arte o no. Muchas veces en el blog he hablado sobre esto. Sobre ver el arte con una distancia temporal, sobre analizar su contexto y su significado, y es que desde Duchamp el arte no es un objeto bonito, si no un concepto, una idea, nacen los happenings, nace el arte conceptual, las performances,...

El arte de Duchamp, o su anulación del arte abre un gran universo por descubrir. Sin embargo, en mi opinión, tampoco podemos dar todo por válido, a pesar de las veces que justifico arte que para muchas personas no lo es. Duchamp abrió un nuevo camino, que por muchos es criticado, pues un retrete del revés no debería ser arte quizás. Sin embargo mcuhos artistas posteriores han seguido este camino, a veces con calidad y otras muchas sin ella.

Y es que, a Duchamp, le ocurre como a Mies, no es su culpa, sino la de los malos imitadores.

Arturo Elena, ilustrador en el Museo del Traje.

Otra bonita inauguración fue la del pasado jueves en el Museo del Traje.

Después de 25 años de carrera, el ilustrador Arturo Elena hacia una gran muestra de su trabajo en este museo.

Muchas veces vemos en revistas ilustraciones y no nos damos cuenta del trabajo que lleva por detrás, pasamos las páginas sin fijarnos en muchas de las ocasiones. Pero un ilustrador como él no sólo trabaja para revistas, sino para marcas de ropa e incluso para cualquier tipo de empresa como agnecias de viajes o viñedos.

La elegancia de sus figuras, con u nestilo propio pero a su vez adapatándose a cada uno de sus clientes, la esbeltez de las manos, los largos cuellos y la verosimilitud de los cabellos sosprende en cada una de sus imágenes a sus espectadores.

Pero sin lugar a duda lo que más nos llama la atención es la manera de representar las diferentes texturas. El cuero, la piel, el tercipole e incluso el metal son de un realismo impresionante. hace que parezca fácil dibujar de aquella manera.

Es además interesante acercarte a unos centímetros del dibujo y observar el trazo de cada linea, las correcciones, cortornos para resaltar la figura,...

Artura Elena ha trabajado para revistas como Elle, Telva o Cosmopolitan entre otras, diseñadores de la talla de Victorio y Lucchino, Chanel, Moschino,... un gran artista y dibujante qeu merece esta gran exposición.

Lágrimas de Eros en el Museo Thyssen, sensualidad y belleza

Hace unos días tuve la suerte de poder asistir la inauguración de la exposición de "Las lágrimas de Eros" en el Museo Thyssen. Aunque aún estoy pendiente de ver la segunda parte de la exposición en Caja Madrid, ha sido una de las más bonitas, sensuales, sensibles que he visto (junto con la de Camille Claudel, ya sabeis lo que me gustó).

Se trata de una exposición, a mi gusto, con una organización y comisariado excelente. Te guía por los grandes mitos a través de la historia en relación con el Eros y el Tanatos, el erotismo y la muerte. Cada sala trata un mito diferente y puedes ver su representación desde pinturas del siglo XVI y hasta obras que junto a ellas datan de tan sólo unos años. La diferente visión y a la vez tan similar llama verdaderamente la atención.

Fotografías contemporáneas de la nueva Eva, la actual Vensu en el momento de su nacimiento en el mar,... nos acercan historias que muchos veían lejanas.

Además de esto, cabe destacar las numerosas obras de Franz von Stuck. Un artista simbolista con obras de gran poder, una gran fuerza.

Sin más, animaros a visitar esta magnífica exposición llena de belleza y erotismo, con obras de artistas tan importantes como Bernini, von Stuck, Magritte, Munch, Dalí, Óscar Domínguez, Warhol o Man Ray. Además no sólo reducida a la pintura sino también con escultura, fotografía, o video-arte.