Vivo en un loft. ¿Y te consideras moderno?

Hoy día no hay nada más moderno que vivir en un loft. Casas espaciosas, amplias, sin muros divisorios, esas en las que entras y de un sólo vistazo ya has viso la casa entera (algo práctico también para el anfitrión que se ahorra el momento de decirte "esto es el salón, y esto la cocina" ¿En serio?). Pero por oro lado poco prácticas en cuanto a intimidad, o para vivir una familia con hijos.

Sin embargo, todo esto no es para nada moderno como la mayoría sabrán. No es más que una adaptación habitable de las ideas arquitectónicas de Mies van der Rohe, que se iniciaron con el Pabellón alemán de Barcelona en 1929, llegando a su cúlmen en la Casa Farnsworth en Chicago. Casas de una sóla habitación diáfana, que como máximo, para crear, si es que se puede, un rincón de intimidad, colocaba estratégicamente armarios y muebles. ¿Problema? que la casa de Mies llegaba aún más allá. No sólo no tenía separación entre habitaciones, sino que tampoco existía separación con el exterior. Los cerramientos eran simples cortinas de cristal de arriba a abajo. La luz era natural, estabas dentro sintiéndote fuera, pero claro, eso incluye también una temperatura similar a la exterior (no todo va a ser bonito). La casa Farnsworth se ha convertido en un símbolo de la arquitectura del siglo XX (que decir tiene, mérito merecidísimo), sin embargo, como símbolo que es se quedó tan sólo en eso. A pesar de ser construida con la intención de ser habitada, es más que difícil. La primera dueña de la casa puso cortinas que le dieran ese punto de intimidad que necesitaba, quiándole así mucho de la esencia de la obra. Además de esto, por mucho que contara con calefacción en el suelo, Chicago no es un lugar de temperaturas agradables que digamos, aunque realmente en pocos sitios, aún sin temperaturas tan extremas, podría vivirse a grados tan similares a los del exterior en un invierno. Esta casa fue muy imitada, incluso por grandes arquitectos como Philip Johnson y hoy día se crea una adaptación habitable de ella: los lofts.

Pero esta casa de la que hablamos fue construida en torno a 1946-1951. Aunque en ese momento nosotros viviéramos en la estética de "Cuéntame", los grandes arquitectos (y no solo internacionales) traían ya este tipo de viviendas de su mano. Y ahora, 60 años después, nos seguimos creyendo modernos.

Juan Francisco Casas, hiperrealismo con un boli BIC

¿Quién no ha tenido en su clase del colegio a un compañero que dibujaba maravillas mientras el profesor explicaba? Pues quizás ese fue el origen de este artista: JUAN FRANCISCO CASAS

Es impresionante descubrir que qué poco es capaz de realizar tanto. Un simple bolígrafo BIC le es suficiente a este joven pintor para representar a personas de su entorno, con un hiperrealismo perfecto, en los momentos más lúdicos y desenfadados. No posan, parecen momentos felices a la vuelta de una gran noche de fiesta.

El autor ha sido muchas veces premiado por sus obras merecidamente, y expone por tercera vez en esta galería de forma individual.

Si os dais prisa podreis visitarlo hasta el 20 de febrero en la Galería Fernando Pradilla.

Salinger fallece a los 91 años de edad.

J.D. Salinger, autor entre otras obras de "El Guardián entre el centeno" ("The catcher in the rye") falleció el pasado 27 de enero recién cumplidos los 91 años.

Ha destacado siempre por su discreción, incluso a veces misterio, en cuanto a la vida publica. Autor que afirmaba que escribía para él mismo y que no publicar le daba una gran sensación de paz. Sin embargo obras como "Nueve cuentos", "levantad carpinteros", o la preferida de los críticos "Franny y Zooey" no han hecho más que afamarle.

Sin embargo, entre los lectores la novela que definitivamente le llevó a la gloria fue "El guardián entre el centeno". Es una lectura básica para la mayoría de los aficionados a los libros y en Estados Unidos se convirtió en un auténtico hito de su literatura. Algunos estudios llegaron a afirmar que esta obra era la más leída entre delicuentes americanos, un estudio quizás algo absurdo ya que no es la más leída entre los delicuentes sino seguramente una de las más leídas entre todos los estadounidenses.

Tuvo una vida de película, alistado como voluntario en la II Guerra Mundial, participante en el desembarco de Normandía,... Escenas de su vida que como no, han dejado huella en su obra como es el caso de "Un día perfecto para el pez banana". Sin embargo, hechos de los que como el resto de su vida, no suele hablar.

Ahora, aún nos quedan obras maravillosas que disfrutar.

¿Es el arte sensaciones y sentimientos?

Aún hoy día, al contemplarse una pintura abstracta, un alto número de personas siguen sin entender, por qué eso debe estar en un museo, o quizás lo que es peor, queriendo entender una pintura que en la mayoría de los casos fue hecha no para entenderse, sino para sentirse.

Muchos aún piensan que la pintura debe reflejar lo que nuestros ojos están acostumbrados a ver. No hablo aquí de quienes no gozan con ella, pues que la valores no significa que deba gustarte, agradarte, emocionarte, ese tema es un mundo aparte.

Pero yo sigo pensando en que ¿por qué la pintura debe reflejar el mundo que conocemos? o aún más allá ¿por qué la pintura aún reflejando un mundo desconocido tiene que reducirse a formas y objetos reconocibles? Aceptan el mundo surrealista, en el que las cosas no tienen sentido, pero esas COSAS, ya sean objetos, personas, naturaleza, les son familiares. ¿Por qué se acepta eso y no se acepta pinceladas violentas? ¿Porque las pinceladas no es un objeto que nos rodea?

Más aún me planteo esto cuando, a la eterna pregunta sobre qué debe tener una obra para ser buena ,la mayoría de las personas responden "tiene que trasmitir emociones, sensaciones, algo". Con más inri entonces defiendo mi postura. ¿Acaso podemos materializar en un objeto más o menos cotidiano, una sensación, una emoción?


Pinturas: Fernando Zobel. Museo de Arte abstracto de Cuenca

Hopper - Crewdson

Y por si quedaba alguna duda de la influencia de Hopper sobre Crewdson aquí van algunos ejemplos

Gregory Crewdson. Fotografía y cine.

Acaba de terminar en la Galería de Arte La Fábrica una exposición del fotógrafo americano Gregory Crewdson. Descubrí al artista en la exposición del Thyssen "lágrimas de Heros" con una fotografía impactante, reflejo de una mujer ahogada, o no, en su casa inhundada. Ahogada o no porque como el propio Crewdson dice "Una de las cosas que amo de la fotografía, a diferencia del cine u otra forma de narración, es que el espectador siempre incorpora su propia histora, ya que al final la imagen está sin resolver (...) Me interesan las limitaciones de la fotografías por su capacidad de presentar una imagen completamente congelada, donde no hay ni antes ni después". Al ver esta fotografía, ¿está ahogada? ¿Qué ha ocurrido? Crea tu propia historia. En esta misma línea, la fotografía que da imagen a la exposición de La Fábrica, encontramos una mujer, solitaria, tomando un baño, una escena que bien podría ser cotidiana, pero en su tonalidad, en su enfoque, iluminación, personalmente me da sensación de tristeza, de melancolía, como si aquella mujer no pensara en otra cosa que en suicidarse.

Por otra parte, a pesar de decir que el cine no tiene ese privilegio, no cabe duda de que su fotografía tiene una grandísima influencia cinematográfica. Ese cine de ambiente americano quizás un poco misterioso, el cine de Spielberg o Hitckcock (aunque sea autor ingles), de paisajes solitarios, con una cierta influencia de las escenas de Hopper. Tanto de cine tiene que incluso en muchas de sus obras no sólo vemos una iluminación de grandes focos, sino también los propios focos y grúas para tomar las tomas de grabación.

La técnica de Crewdson hace también que en ciertas fotografías tomen una estética pictórica que hace dudar por momentos de si realmente se trata de fotografía, pintura o una mezcla de ambas.

Lo cierto es que Gregory Crewdson para entendidos o no, aficionados o no, a la fotografía, llama la atención, cautiva, asombra e intriga.

Arte al alcance de todos

Como bien todos sabéis, me encantaría tener una enorme colección de arte (¿y a quién no?), pero como también muchos sabéis, soy una estudiante y como buena vida de estudiante comes pasta, buscas ofertas en los supermercados y planes baratitos. Aún así, mis ahorros me encanta destinarlos al arte y a los viajes. Bien, pues por fin he encontrado un arte a mi medida, y creo que no me equivoco si digo que a la de muchos. Se trata de una página (de la que dejo un enlace también en la parte izquierda del blog) con un nombre muy fácil de recordar: Arte a buen precio.

Son obras del artista Guillermo Martí Ceballos, para mi un nuevo descubrimiento. Pintor catalán muy colorista, expresivo, de estilo figurativo muy especial, y en mi opinión con una fuerte influencia fauve, y en algunas de sus obras, con un sensible tono de Modigliani en desnudos y retratos. Este artista apuesta además de por su página principal, por la creación de una página con obras de pequeño formato y a buen precio.

El arte al alcance de todos.

El Ballet triádico de Oskar Schlemmer

Cuando fui al Reina Sofía tras su última remodelación, vi los figurines de este Ballet triádico como obras de nueva adquisición. No Habñia oído hablar aún de este ballet, pero su estética me atrajo enormemente. Rápido apunte el nombre del autor para investigar sobre él poco a poco. Desde entonces ha pasado como siempre me suele pasar. De no haber escuchado nunca hablar sobre él a verlo escrito y escuchar palabras sobre su trabajo en cualquier sitio al que voy.

Oskar Schlemmer fue uno de los grandes profesores de la Bauhaus dirigida por Gropius. Como ya sabéis, la Bauhaus destacaba por su renovación, romper con la estructura de la enseñanza del arte, dar libertad a las nuevas expresiones artísticas, dotada de los más grandes artistas del momento en su plantilla de profesorado. Schlemmer era el encargado del taller de teatro.

Como en las demás artes que se enseñaban en la escuela, el teatro también se hacía de una manera revolucionaria. Oskar Schlemmer investigaba sobre el movimiento en el espacio de una forma geométrica. Además, es curioso saber que primero realizaba los figurines, de colores llamativos y figuras geométricas y más tarde buscaba una música que se adaptara a ellos. Su obra más famosa fue el "Ballet triádico" en 1922. Estuvo en cartel durante diez años y se representaba en numerosas fiestas de la Bauhaus (que no eran pocas y de ls que hay numerosas referencias). A este ballet pertenecen los figurines que hoy tenemos el honor de poder visitar en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.

Lo que no podemos negar es el alto poder estético de la obra, las formas, lo colores,...

El arte como objeto de fetiche. Soy fetichista.

Según el diccionario de la RAE:

fetichista.
1. adj. Perteneciente o relativo al fetichismo.
2. com. Persona que profesa este culto.

fetiche.

(Del fr. fétiche).

1. m. Ídolo u objeto de culto al que se atribuye poderes sobrenaturales, especialmente entre los pueblos primitivos.

Empezando mi pequeñísima y muy humilde colección de arte (soy estudiante) no paro de ver obras que me gustaría tener, obras que me gustaría comprar, galerías que mirar, artistas que conocer. Obras que cuestan mucho dinero (y aunque muchos artistas sigan pensando que poner precio al arte es degenerar su función, de ello viven ellos y otros y de ello deben comer) pero dinero que personalmente no me importa gastar. Dinero que desde hace mucho tiempo voy ahorrando muy poquito a poco con la esperanza de que con el tiempo pueda tener una gran colección. Obras que nunca sabes si alguna vez tendrán el valor que tú les das, no sabes si realmente son buenas o no, pero apuestas por ellas (los grandes marchantes de la historia lo han sido al apostar por artistas por quiénes los demás no daban un duro, ¿o no?). Obras que cada vez que las miras y las ves colgadas en tu pobre pared sale una sonrisa de orgullo por haber apostado por ellas, por tenerlas ahí. Hay para quienes no merece la pena gastar un dinero pudiendo tener cualquier lámina, reproducción o simplemente una pared en blanco. Para mi, y creo que para mucha gente de la que me lee, una obra es más que simples colores. Puede cambiar el humor, es estado de ánimo.

Aunque quizás no sea un fetiche pues no se le llegua a atribuir un poder sobrenatural. ¿O si?.


Mi última adquisición, este Manu Babiano.

¿Existe el silencio? ¿Y el sonido?

Hace muchísimos años en clase de música del colegio me dijeron una frase que hoy ha vuelto a mi y lo cierto es uqe nunca se me llegó a olvidar. Siempre que se hablaba del sonido o el silencio aparecía en mi memoria. Esta es una frase de John Cage, de quién ya hemos hablado en otra ocasión.

"El silencio no existe. Siempre está ocurriendo algo que produce sonido. Incluso en una habitación insonorizada escucharás el latido de tu corazón"

Es cierto entonces que nunca seremos capaces de "escuchar" el silencio absoluto, pero entonces llega a mi mente otra famosa teoría "Si un árbol cae y nadie lo escucha, ¿Existe el sonido?" Si hablamos del sonido como una onda que al llegar a nuestros oídos y cerebro se transforma como tal, entonces si no hay ningún oído y cerebro que lo haga ¿Hay sonido?

Óscar honorífico para Lauren Bacall

Hace un par de semanas recibía la actriz Lauren Bacall un óscar honorífico a su larga carrera. A pesar de hacer un pequeñísimo y retrasado post sobre este tema os dejo unos enlaces sobre la noticia. No podíamos dejar pasar este premio a la actriz que da ojos e imagen a este blog.

Mondrian, "la dama danzante"

Las teorías de Mondrian que le llevó a realizar su personal neoplsticismo se basaba en la armonía del universo y el hombre. Era un gran teósofo y eso se ve también en su obra. Quiere conseguir una utopía, quiere el orden total del mundo. El equilibrio, eliminando toda clase de emoción, de sentimiento; y en su obra, la eliminación de la huella del pintor (aunque a veces se contradice así mismo firmando sus lienzos en la zona posterior, quizás asomo de una personalidad de "genio dandy" como hemos hablado en otro post). Sus cuadros eran líneas siempre rectas horizontales y verticales. Lo diagonal rompe el ritmo, lo diagonal siempre evoca lo dramático, lo sensible. Los colores que usa no pueden ser otros que los colores primarios y los "no colores", el lnco y el negro. Las líneas no llegan al final del lienzo si no que queda inacabado, pero nuestro cerebro es capaz de continuarlas hasta el infinito, infinito como el Universo. En sus obras tampoco existe un centro claro, el centro está en el Universo y éste, fuera del lienzo. Poco a poco incluso llegará a expulsar los colores

Y a mi, me gustaría destacar una anécdota que cuenta sobre él para ver hasta que punto llevaba sus teorías. Cuentan que en la época se le conocía como "la dama danzante" y es que le encantaba bailar en cualquier bar nocturno y en cualquier ocasion que se plantease pero con un baile muy particular. Él mismo hablaba de que le fascinaba el Fox, pero por el contrario odiaba el Vals y a Bach. Disfrutaba de una música con golpes claros y secos, no una música suave e insinuante. Su baile, de hecho, va relacionado con esto, y esto, con su pintura. Mientras que Mondrian bailaba nunca hacía un movimiento diagonal, curvo, volvamos a repetir, insinuante. Todos sus movimientos eran, cmo sus lienzos, hortogonales y siempre con la cabeza bien erguida.

ESto es llevar, como muchos artistas, o la mayoría, el arte a su propia vida o su filosofía de vida a su arte.

El no gusto de Francisco Calvo Serraller para entender el arte.

Este post no va a ser escrito por mi, simplemente voy a tomar una parte de la entrevista que el diario on-line hoyesarte hizo hace algo más de un mes a Francisco Calvo Serraller con motivo de la nueva exposicón que había comisariado para el Museo Esteban Vicente en Segovia sobre la escultura española actual.

Podría comentarlo yo, pero creo qeu sus propias palabras son las mejores para hablar sobre el tema.

"Cualquier persona aficionada o con interés por el arte no puede renunciar a su propia percepción, pero, para mí, alguien que vive de su propia percepción, que sólo vive de su gusto, es desgraciado, porque pienso que jamás tendrá un diálogo con el arte, porque tener gusto es tener un diálogo contigo mismo y, sin embargo, lo interesante del arte es que te saca de ti mismo, de tus casillas. Si te gusta o no te gusta es irrelevante, si no te gusta ya te gustará. En absoluto soy un comisario que se rija por cuestiones de gusto.

Creo que no te puedes mover por esas visiones tan acotadas, me gusta o no me gusta, hay otros criterios. Hay cosas que te repugnan y son imprescindibles para ti, y cosas que te agradan y de las que puedes prescindir sin ningún problema. El arte es así. A la gente que le interesa el arte y lo ama tiene que estar acostumbrada a eso, a confrontar sus gustos con la realidad. Eso es lo que he tratado de hacer. Una exposición en la que intento negar mi subjetividad y no regodearme en ella. "

Y a la inmortal pregunta "¿Qué tiene que tener el arte para ser considerado arte?" Responde,

"No tengo tanta arrogancia como para decir qué tiene que tener una obra. Eso es precisamente lo que me interesa. Que el arte es inútil, no progresa. Es una fuente que, en sí misma, es una pregunta sin respuesta. Eso es lo que me interesa del arte, que estructuralmente y también mentalmente es discordante, es, por esencia, políticamente incorrecto. Trabaja exactamente en todo lo que la gente ha consensuado como el bien, pero hace lo contrario, lo ha hecho siempre. Ahí veo un depósito abandonado que está preñado de información sobre el hombre y que todavía no hemos sabido descodificar, y es muy interesante. Creo que puede aportar claves esenciales para el conocimiento de la humanidad, de la realidad desde el punto de vista humano. Me parece dramático perderlo, descuidarlo o despreciarlo."


Entrevista completa

¿Hasta dónde puede llegar la conservación?

Las obras de arte, se realizaron en un momento determinado y con un fin determinado. ¿Debe su conservación cambiar ese fin?

Las obras, con el tiempo se van degradando, y el trabajo de muchas personas y, en un futuro puede que el mío, consiste en conservarlas de la mejor manera posible. Pero muchas veces esta conservación va más allá. ¿Hasta dónde se puede llegar?

Muchas ciudades hoy día están peatonalizando los centros, y uno de los factores más importantes para esta decisión es la conservación de edificios históricos. La iglesia de San Antonio de la Florida tiene una hermana gemela a su lado para evitar que se degraden los frescos de Francisco de Goya.

Soy partidaria de la conservación y de poder mantener las obras que hoy disfrutamos para que muchos años después puedan disfrutarlas otras generaciones, pero en ciertas ocasiones me parece que se está rechazando cierta esencia de las obras. Las ciudades pueden y deben cuidar su centro histórico y si no se empeora la calidad de vida de sus habitantes me parece una idea genial. Si esto dificulta el acceso, no.

¿Ir a ver los frescos de Goya sin ser de Goya? Puedo verlos en los libros.

Es cierto que en ciertas ocasiones la masificación de turistas o visitantes puede degradar una obra y se prefiere resguardar antes que dejarlas morir poco a poco, pero ¿Cuál es el punto?

Los edificios se hicieron para ser visitados, las pinturas para ser contempladas, y las ciudades para ser vividas.

El arte hay que aprenderlo

No recuero si en alguna entrada anterior dije esta misma frase pero creo recordar que fue algún profesor quién la dijo: "Si no entiendes la física cuántica, es normal, es física cuántica, pero si no entiendes el arte crees que te están tomando el pelo". El arte también tiene un código, un estudio, un por qué, un contexto, que hay que conocer, aprender y entender.

Creemos que es culpa del arte contemporáneo, que es el único arte que no entendemos y que no sabemos decir si es arte o no. Pero no todos los estilos pueden verse tan claro si no fuera porqeu desde pequeñitos lo hemos aprendido así. Si muchos valoran que algo sea arte o no simplemente por su similitud con lo real, o lo que creemos real, por la técnica, la belleza o la capacidad de transmitir, entonces ¿Por qué está consideramos arte entonces las pinturas de las cuevas de Altamira? Es un testimonio histórico, cierto, pero ¿Por qué arte?

Simeplemente porque no tiene unas reglas fijas, unas pautas que cumplir, es algo mucho más subjetivo que eso, hay que educarse a comprenderlo, no es siplemente leer un libro y saber, es mucho tiempo viendo, pensando, aprendiendo y sólo de esta forma podremos respondernos a nosotros mismos, pero nunca a los demás porque ¿Cómo expresarlo?

Dalí es surrealismo.

Otra nueva conferencia en la Fundación Mapfre y una nueva reflexión que me ha provocado esta vez Francisco Calvo Serraller.

La conferencia titulada "Yo, el artista. Genio atormentado o dandy" se basó en una reflexión sobre el por qué y los tipos de personalidades de los artistas.

Es cierto que los artistas tienen un carácter bastante especial. Muchas veces escuchamos "ese hombre estaba loco" y se contesta "bueno, es que era un artista". La mayor parte de los genios han sido de "personalidad especial", por ejemplo podemos hablar de mcuhos de mis preferidos, Picasso, Pollock, Modigliani,... pero no podemos dejar de pensar cuando hablamos sobre esto en Salvador Dalí.

Salvador Dalí era el mejor ejemplo de dandy. Le gustaba llamar la atención, dar de que hablar, solía decir que sus largos bigotes eran antenas para comunicarse con los extraterrestres. Pero, ¿qué podemos de esperar de una persona que además de artista es, para mas inri, surrealista? Hoy día vemos en los museos videos sobre performances, happenings, y no es más que lo que Dalí hizo cada día de su vida. Él era artista, pero además, en cierto modo, ÉL era ARTE.

También Dalí fue muy criticado por su ultimos años en los que, coloquialmente se dice, se vendió, solo se interesaba en el dinero, hacia cosas sin sentido, quizás no artísticas, era criticado, pero también se suele decir, "que hablen bien o hablen mal, pero que hablen".

Hizo de su vida su mayor obra surrealista sin descansar un solo instante.

Obras en el tiempo. Museo Thyssen-Bornesmiza

La página web del Museo Thyssen-Bornemisza ofrece un gráfico para poder ver sus obras en un marco temporal. Aquí os lo dejo para que le echéis un vistazo.

Por qué Duchamp dejó la pintura.

Estos días, asisto a un curso de arte de la Fundación Mapfre. En el se discute sobre qué es lo qeu nos queda del Siglo XX.

Werner Spies, antiguo director del Centro de Arte Pompidou e íntimo amigo de la talla de Picasso, Max Ernts o Duchamp, contaba una aneécdota de este último artista.

Un día, estaban de viaje juntos cuando Werner Spies le preguntó, "Marcel, ¿Por qué dejaste la pintura?" y entonces, le contestó:

"Por lo que he podido ver, en un siglo no hay sitio para más de un genio. En este siglo tenemos a pintores como Pablo Picassoy ya no hay sitio para mi, así que decidí dedicarme a ser un genio en otras cosas".

Mies van der Rohe y Duchamp, dos genios imitados.

Esta mañana, en clase mi profesora de arte desde el 45, hablando de la arquitectura de Mies van der Rohe, dijo una frase que me llamó la atención: "Algunos critican la arquitectura de Mies debido a su excesiva proliferación, pero la culpa no fue de Mies van der Rohe, sino de las malas copias que se hicieron de su arquitectura".

Esto me llevo a otro arte, pero en el que creo, pasa algo similar.

Hoy día, podemos ver en los museos obras que llaman la atención no más que porque nos hace plantearnos de nuevo la repetida pregunta de "qué es arte". Vemos, como bien mi abuelo recuerda en repetidas ocasiones, como un pollo encima de una máquina de escribir se abre paso en las salas de exposiciones. La mayor parte de la población que la visita vuelve a la pregunta de si es arte o no. Muchas veces en el blog he hablado sobre esto. Sobre ver el arte con una distancia temporal, sobre analizar su contexto y su significado, y es que desde Duchamp el arte no es un objeto bonito, si no un concepto, una idea, nacen los happenings, nace el arte conceptual, las performances,...

El arte de Duchamp, o su anulación del arte abre un gran universo por descubrir. Sin embargo, en mi opinión, tampoco podemos dar todo por válido, a pesar de las veces que justifico arte que para muchas personas no lo es. Duchamp abrió un nuevo camino, que por muchos es criticado, pues un retrete del revés no debería ser arte quizás. Sin embargo mcuhos artistas posteriores han seguido este camino, a veces con calidad y otras muchas sin ella.

Y es que, a Duchamp, le ocurre como a Mies, no es su culpa, sino la de los malos imitadores.

Arturo Elena, ilustrador en el Museo del Traje.

Otra bonita inauguración fue la del pasado jueves en el Museo del Traje.

Después de 25 años de carrera, el ilustrador Arturo Elena hacia una gran muestra de su trabajo en este museo.

Muchas veces vemos en revistas ilustraciones y no nos damos cuenta del trabajo que lleva por detrás, pasamos las páginas sin fijarnos en muchas de las ocasiones. Pero un ilustrador como él no sólo trabaja para revistas, sino para marcas de ropa e incluso para cualquier tipo de empresa como agnecias de viajes o viñedos.

La elegancia de sus figuras, con u nestilo propio pero a su vez adapatándose a cada uno de sus clientes, la esbeltez de las manos, los largos cuellos y la verosimilitud de los cabellos sosprende en cada una de sus imágenes a sus espectadores.

Pero sin lugar a duda lo que más nos llama la atención es la manera de representar las diferentes texturas. El cuero, la piel, el tercipole e incluso el metal son de un realismo impresionante. hace que parezca fácil dibujar de aquella manera.

Es además interesante acercarte a unos centímetros del dibujo y observar el trazo de cada linea, las correcciones, cortornos para resaltar la figura,...

Artura Elena ha trabajado para revistas como Elle, Telva o Cosmopolitan entre otras, diseñadores de la talla de Victorio y Lucchino, Chanel, Moschino,... un gran artista y dibujante qeu merece esta gran exposición.