miércoles, 12 de marzo de 2014

¿Nuevas tecnologías para la museografía?







Os escribo esta vez sobre un tema que, aunque llevo mucho tiempo dándole vueltas, el otro día, en una conversación entre amigos estuvimos hablándolo y puse más en orden las ideas.

Hay infinidad de congresos, charlas, discusiones y cursos sobre cómo conseguir que los museos en concreto y la cultura en general esté en redes sociales. Y yo me pregunto... ¿por qué no intentamos meter también a las propias exposiciones en las nuevas tecnologías (y no tan nuevas)? Y no me refiero sólo a las redes sociales.

Hoy día todos estamos hechos a la información, a poder interactuar con ella, a tocar todo, ampliar con los dedos, la tecnología táctil, poder aportar algo y "jugar" con ello. Pero no pasa en las exposiciones, al menos,  y por desgracia, en España.

Muchos países cuentan de forma habitual con arquitectos y diseñadores de interiores para el diseño de sus exposiciones, mientras que aquí es algo muy puntual.

En el Museo Central de Moscú han sido capaces de crear Van Gogh Alive, una exposición donde no ha sido necesario el gran desembolso que requiere el transporte de obras de arte de esta calidad, y sin embargo la exposición no ha sido una exposición de"posters"o falsificaciones, ni si quiera de "timo" por no ver un original del artista. Nada más lejos de la realidad. Es una exposición virtual que consigue en el público lo que es la principal misión de todos los museos y centros de arte: Aprender. Las imágenes de las obras del artista envuelven al espectador, que tras salir de la exposición ha podido entender los sentimientos del autor, sus por qués y sus cómo, sus pinceladas y sus colores. ¿Y no es eso lo que queremos? Mucho más embriagador que una obra junto a otra, en línea, una pared tras otra.

La Fundación Mapfre por ejemplo, tuvo esta idea más en cuenta en su exposición sobre la moda de Yves Saint Laurent donde te veías rodeado de un palacio de clase y lujo o la de Jean Paul Gaultier donde los maniquíes parecían hablar y cantar.






Y digo yo...  si la música transmite tantas sensaciones ¿por qué no introducirla en las exposiciones? Es el detalle que te hace sentirte dentro, que te introduce en ese ambiente.

Pero además de esta "ambientación" no estaría mal poder aprovechar toda esa información que los museos tienen sobre las obras, los estudios, y poder interactuar con todo ello... Quizás les de miedo que el espectador pase demasiado tiempo en las salas frente a la visita rápida con muchos visitantes. Pensemos que no es así, y que, por suerte parece que se está trabajando en ello, en las famosas App's.

Intentemos que dentro de un tiempo, cambiar el color de las paredes o atreverse a colgar dos obras más cerca la una de la otra e incluso una sobre la otra no sea la mayor transgresión que encontremos en los montajes.

Parece que por ahora, este papel de museo interactivo está solo reservado para los museo de ciencias naturales.

miércoles, 26 de febrero de 2014

¿Mujeres y hombres? ¡Qué más da! ARTE



Lo cierto es que siempre he estado en contra de esos feminismos que al final terminan separando más aún el papel de la mujer frente al del hombre, cuando en realidad creo que simplemente tendríamos que olvidarnos de esa diferencia y hacer todo para todos. Siempre odié pensar que si entraba a trabajar en algún sitio sería porque tendría más puntos por ser mujer porque daban una subvención. ¡Quiero entrar yo porque lo valga no por ser mujer!

Pero lo cierto es que me llamó la atención cuando en la presentación del Festival de Miradas de Mujeres en ARCO la pasada semana Mónica Álvarez Careaga, directora de MAV, dijo que en ARCO tan sólo había un 4,4% de mujeres artistas expuestas, y más aún, que este es el mismo porcentaje de mujeres cuando ARCO abrió sus puertas hace 32 años.

Me llama la atención sobre todo porque trasladándolo a la práctica, desde mi trabajo en ArteLateral nunca seleccionamos a los artistas pensando en si son hombre o mujeres, simplemente aquellos que creemos que merecen más la pena y tienen más calidad. Cuando el Festival nos propuso participar con ellos ya teníamos el programa cerrado pero nos dimos cuenta que tan solo una de las cuatro exposiciones programadas para el mes de marzo era hombre, Joan Saló, mientras en el resto de locales contábamos con Rocío Fairén, María García Ibáñez, Laura F. Gibellini, Blanca Viñas y María Aparicio. Es cierto que si  hacemos una visión general solemos tener más mujeres que hombres pero nunca nos lo habíamos planteado así, sino más bien la "división" era: "Tenemos tantos de fotografía, tantos de pintura, tantos de instalaciones...". Pero llama la atención que si por calidad da la casualidad de que suelen ser más mujeres haya tan pocas en ARCO.

De una forma u otra, el Festival Miradas de Mujeres merece la pena por aglutinar tal cantidad de talento a lo largo de todo el país, cualquier tipo de disciplina, no solo exposiciones si no también eventos que abarcan museos, universidades, centros de arte, galerías, bares y calles. Así que enhorabuena a las organizadoras por el gran trabajo!

En Marzo en vuestra ciudad.


jueves, 13 de febrero de 2014

ArteLateral y ARCOmadrid


 Mañana se inaugura una nueva tanda de exposiciones de ArteLateral en los restaurantes Lateral de la capital con el apoyo de Mahou. Esta vez se trata de una colaboración con la Feria de Arte Contemporáneo más importante del país, ARCOmadrid . Seis galerías madrileñas que participan en ARCO -Michel Soskine, Galería Cayón, Parra & Romero, Galería Moisés Pérez de Albéniz, Travesía Cuatro y Bacelos-  han salido de los muros de  IFEMA y exponen obras de sus principales artistas en los restaurantes de Castellana 89, Castellana 42, Velázquez 57, Fuencarral 43, plaza de Santa Ana 12 y Arturo Soria 126-128. Y aún mejor, ¡Varios de ellos son proyecto site-specific!

Puedes acceder a toda la información aquí. 


DAVID MAGÁN
Aire, escultura con metacrilato. Instalación creada específicamente para ArteLateral. Fotografía de David Magán.




DAVID MAGÁN
Aire, escultura con metacrilato. Instalación creada específicamente para ArteLateral. Fotografía de David Magán.




DAVID MAGÁN
Aire, escultura con metacrilato. Instalación creada específicamente para ArteLateral. Fotografía de David Magán.



DAVID MAGÁN
Aire, escultura con metacrilato. Instalación creada específicamente para ArteLateral. Fotografía de David Magán.


Castellana, 89. Galería Cayón presenta una escultura site-specific de David Magán.
David Magán Moreno (Madrid, 1979) es escultor en vidrio. Formado en la Escuela de Artes y Oficios de Madrid, donde se especializa en el trabajo de la madera y el hierro, pronto muestra un fuerte interés por el vidrio. Resultado de su profundización en este ámbito es el desarrollo de una técnica personal en la que fusiona la compartimentación cromática mediante piezas de vidrio plano, características de la tradición vidriera, y una concepción espacial heredera de los procedimientos tanto escultóricos como arquitectónicos. De este modo, sus obras se convierten en un continuo proceso de experimentación con los desarrollos que la luz y el color van trazando en su diálogo con el espacio. Abiertas o cerradas, dinámicas o estáticas, cada una de sus piezas constituye un complejo juego donde el espectador se enfrenta a distintas posibilidades: o bien la actividad y la fruición contemplativa vinculadas a las obras pictóricas, o bien el giro y las tensiones que exigen las artes tridimensionales.


PATRICK BAILLY-MAÎTRE-GRAND
Asteroïde, 1999. Impresión sobre resina transparente, clorobromuro de plata con color sobre aluminio, 100 x 80 cm. Edición 5-7



PATRICK BAILLY-MAÎTRE-GRAND
Cain et Abel, 2007. Impresión de clorobromuro de plata con coloración parcial, sobre aluminio,100x80 cm c.u. Edición 1-5



PATRICK BAILLY-MAÎTRE-GRAND
Petite Poussiere d'Eau, 1994. Estrobofotografía. Impresión de clorobromuro de plata con tinta y coloreado, sobre aluminio, 80 x 70 cm. Edición 3-7


Velázquez, 57. La galería Michel Soskine presenta a Patrick Bailly-Maître-Grand.
El fotógrafo francés Patrick Bailly-Maître-Grand (París, 1945) desarrolla su trabajo de manera totalmente analógica y artesanal, prestando una atención especial a la técnica fotográfica. Su incesante investigación le ha convertido en un referente, sobre todo en la técnica del daguerrotipo. En esta exposición, Bailly-Maître Grand juega con la representación de un lenguaje iconográfico clásico, con naturalezas muertas que en ocasiones rozan la abstracción.


STEFAN BRÜGGEMANN
OBLITERATED NEON, 2011. Neón tricolor. Dimensiones variables.



STEFAN BRÜGGEMANN
Ideology is over, 2012. Texto en vinilo de corte negro mate. Ed. 1/3 y Tautological Painting, 2012. Pintura acrílica y serigrafía sobre lienzo, 73 x 60 cm (sin marco). Pieza única.




STEFFAN BRÜGGEMANN
An advertisement for coke, 2012. Texto en vinilo de corte negro mate. Ed. 1/3 yXZYWOAX (OBLITERATED MIRROR), 2012. Pintura de aluminio sobre espejo. 200 x 150 cm. Pieza única.


Castellana, 42. La galería Parra & Romero presenta a Stefan Brüggemann.
El trabajo de Stefan Brüggemann (México D.F. 1975) en Castellana, 42 combina enunciados textuales con su exposición visual, jugando con la acción de leer contrapuesta a la de ver. Aunque el texto se tache y se dificulte su lectura con objetos superpuestos, el enunciado no deja de existir, ni de ser visible. Paradójicamente, el efecto que consigue la exposición de obras de arte en un restaurante es similar. La observación de la obra se obstaculiza por una serie de supuestos ajenos a la acción de la contemplación: el tráfico de camareros, el disfrute de la comida, una conversación interesante, una llamada de teléfono, una luz demasiado tenue. ¿Es un restaurante el peor lugar para colgar una obra de arte? La intervención de Brüggemann en el local de Castellana, 42 cuestiona el poder del mensaje en un espacio destinado a la
comunicación.

MARCO ROUNTREE
Sin título, 2013. Cinta adhesiva sobre pared. Instalación creada específicamente para ArteLateral.



MARCO ROUNTREE
Sin título, 2013. Cinta adhesiva sobre pared. Instalación creada específicamente para ArteLateral.



Fuencarral, 43. La galería Travesía Cuatro presenta una obra site-specific de Marco
Rountree.
Toda la carrera artística de Marco Rountree (México D.F. 1982) se ha construido como una respuesta práctica a la pregunta ¿quién es un artista? ¿qué hace un artista?. En su caso la idea de la auto-formación es definitiva para entender la idea del artista vocacional. La atención de Rountree se dirige a todas las cosas, grandes y pequeñas, importantes o insignificantes, y es en las mezclas y transformaciones que les impone en donde encuentra el sentido de su práctica. En su utilización de objetos y materiales cotidianos se inserta la intención explícita de “darles importancia” mediante su conversión en objetos que él mismo define como decorativos. Es esta idea de ornamentación usada para la obra site-especific en Lateral, la que para Rountree convierte el objeto o el material común en especial, la que lo saca del “mundo natural” y lo inserta en el ámbito del arte.


MIREN DOIZ
No painting (intervención).
Vinilo sobre pared y mueble. 2013.



MIREN DOIZ
No painting (intervención).
Vinilo sobre pared y mueble. 2013.



MIREN DOIZ
No painting (intervención).
Vinilo sobre pared y mueble. 2013.


Plaza de Santa Ana, 12. La galería Moisés Pérez de Albéniz presenta un proyecto site-specific de Miren Doiz. 
Durante los últimos años Miren Doiz ha desarrollado un trabajo centrado en subvertir los modos tradicionales de la pintura, una investigación sobre sus límites que la ha conducido a la pintura expansiva y a realizar una obra multidisciplinar en la que la pintura la acerca a la fotografía, la instalación o la escultura. La serie que presenta en el local de Santa Ana es No painting. Realizada en el estudio durante este año, partiendo de unos collages realizados anteriormente, se desarrolla la idea de pintar sin pintura. Esto la obliga a transformar su modo habitual de hacer, el gesto se vuelve imposible y la paleta limitada. Cómo complemento a esta serie presentará una intervención site-specific, también sin pintura, utilizando las mismas cintas adhesivas además de papel pintado y vinilos.

ABIGAIL LAZKOZ
Alhelí, 2011-2012. Tinta pigmentada y caseína sobre papel, 75 x 56 cm.


ABIGAIL LAZKOZ
Hand full of random shit, 2011-2012. Tinta pigmentada y caseína sobre papel, 75 x 56 cm




DAVID FERRANDO GIRAUT
Encounter with the inorganic I, a life in Sounds and Images (n4), 2011. Impresión digital en papel de algodón Hahnemühle con marco de madera,132,5x102,5cm



Arturo Soria, 126. La Galería Bacelos participa con dos dibujos de gran formato de Abigail Lazkoz (Bilbao, 1972), artista con amplia proyección internacional y característico estilo. La huella del color negro sobre fondo blanco y controvertidos personajes definen su obra. Además, se exhiben dos de los homenajes de David Ferrando Giraut (A Coruña, 1978) a la estética publicitaria de los primeros anuncios de tecnología. Un tocadiscos y una videocámara de los años 80 en tamaño póster recuerdan el entrañable encanto de lo obsoleto.


viernes, 31 de enero de 2014

¿Quién es... Cecilia del Val?


              Proyecto Nunca te prometí un jardín de rosas:







¿Quién es Cecilia del Val? Pues una de esas fotógrafas que cuando ves su obra te quedas con la mirada clavada sin poder despegarla.

Como os podéis dar cuenta tengo devoción por este tipo de fotografía de cuento, misteriosa y narrativa sin saber qué está pasando en ella, que te permite imaginar toda una historia lista para soñar. Une realidad y fantasía y dejas de saber en que lado te encuentras tú. Tiene un alto contenido simbólico, pero le gusta dejarlo abierto a la interpretación, que cada uno, con su propia experiencia saque las conclusiones que mejor interprete lo que ve.

A Cecilia (Zaragoza, 1975) siempre le atrajo la fotografía pero la llegada del mundo digital hizo sacar al genio.

             Proyecto El otro reino:





Ella se introduce en sus obras. Dice que le resulta más fácil mostrar lo que tiene en mente, lo que quiere expresar con cada fotografía, que además es una búsqueda de la identidad y encima puede convertir así al propio proceso fotográfico en una performance. Una performance que ha sido altamente medida, cada escenario, cada ropa y cada gesto para conseguir estas maravillosas imágenes. Incluso, reconoce, que a veces realiza maquetas previas de las fotografías.

Suelen aparecer en sus fotografías personas y animales, se inspira en cine, literatura, grandes maestros como Allan Poe, Borges o Kafka.

Proyecto Tiempo y ruinas


Tiempo y ruinas es sin embargo su proyecto más realista en la que ha querido reflejar el paso del tiempo y esa debilidad de la memoria..

Es una ARTISTA, así con mayúsculas, polivalente. ¿Sabéis que además es cantante? Sí, del grupo Garygeld and the Dead Monegros.

Sus obras se encuentras en numerosas colecciones como en el Centro de Arte 2 de Mayo, Coleccion DKV, Museo de Arte Moderno de Santander y Cantabria,... Sus obras se han publicado en la Revista Duende, Contraluz y muchas más. Pero lo más extenso es su CV en exposiciones, becas y premios. En 2009 fue finalista descubrimiento de PhotoEspaña con su proyecto El otro reino y ganó el 1º premio en Estampa fotográfica. En 2011 la beca de la Fundación Arte y Derecho le permitió sacar adelante su proyecto Tiempo y ruinas y fue nomidada al Sovering European Art Prize. Se le ha podido ver en ferias como MiamiPhoto, Circa, Madridfoto, Fotoever,... y participó con el Instituto Cervantes en la exposición colectiva Descubriendo a Eva: Creadores de los siglos XX y XXI.

¿Dónde encontrar su obra? La Galería Cámara Oscura la representa en Madrid.

Solo os doy una pista más... ¡¡pronto podréis verla en Madrid por partida doble!!

             Proyecto Caprichos:



sábado, 25 de enero de 2014

¿El IVA? ¿Cecilio Chaves? ¡Hablemos de los 2!







Estaba planteando el artículo que ahora escribo cuando justo lo que escribía salía en el telediario. No es que yo sea una visionaria, el tema del IVA es lo más hablado desde ayer. Justo ayer además, Cecilio Chaves, artista gaditano, pintaba en directo en el mercado de su (y mi) ciudad natal. En la tele, hoy, una noticia también seguí a la otra.

No me decido por una ¿relacionarlas? Tampoco es fácil. Cecilio Chaves llenó el mercado de abastos de reproducciones de su obra y alguna de ellas fue robada una noche. Sí, pero nada tiene que ver con el precio del IVA. Tiene que ver con el vandalismo que por suerte nos ha dado la oportunidad de poder disfrutar de un artista pintando en directo (y para más inri, con un día de solecito estupendo para disfrutarlo con una cervecita en mano), nos ha dado la oportunidad de tener una obra original en las paredes de nuestra ciudad, que además muestra la ciudad y está en el punto de encuentro clave para cualquier ciudad. Chaves decidió que en señal de protesta pintaría su obra directamente en la pared. No será para nadie, aunque sí lo será para todos. Se terminará estropeando, es una pintura efímera, ¡pero qué bonitas estas iniciativas! Nunca hay mal que por bien no venga que se suele decir... Como él mismo decía cuando le entrevistaban "Es agridulce"

¿El IVA? ¡Agridulce también! (mira, ¡al final si que pude relacionarlo!) Una gran noticia para el mundo en el que me muevo y más teniendo en cuenta el movimiento que habrá en Febrero, no sólo por ARCO, si no por otras buenas ferias que se celebran a la vez. No soy yo quien se ha dado cuenta de que el resto de sectores culturales también lo necesitan, solamente quiero decirlo también. Además de preocuparse por ello los profesionales del sector tendríamos que pedirlo todos porque a todos nos gusta ir al cine, leer un buen libro o disfrutar de un gran concierto. De hecho, es algo que hacemos muchos más y mucho más a menudo que comprar una obra de arte (¡que ya me gustaría!). Pero bueno, aplaudamos esta medida, tampoco nos podemos quejar de ella, pero soñemos con poder ampliarla mucho más!

jueves, 19 de septiembre de 2013

El "postureo" en la cultura





El otro día en una reunión de amigos uno de ellos preguntó:

- ¿A qué se refiere la gente cuando usa el término "postureo"?

Y otra amiga le contestó:

- Es... por ejemplo, cuando no te importa nada la exposición de Dalí pero vas para poder subir la foto en instagram diciendo que has estado.

Y así es.

Exposiciones como Dalí, Hopper o Antonio López crean gran expectación. Las colas son de horas y horas, las entradas se agotan. ¿Es una moda? Ahora se lleva el ser un "moderno-intelectual" de gafas de pasta y queda bien decir "He estado viendo Dalí. Un genio" cuando quizás antes no hubiera visto una sola obra de él.

Pero la verdad... me alegro.

Sea moda o no lo sea, al menos sirve para acercar el museo y la cultura a la gente, y lo que es más importante y parecía más difícil, a los jóvenes. Lo mismo se van de las salas sin enterarse de nada y sólo con una foto para "posturear", pero apuesto a que a la mayoría les marca en mayor o menor medida. Quién sabe, lo mismo hasta repiten.

jueves, 29 de agosto de 2013

Visitando Museos: MFA, Boston



Visitando museos vas cogiendo ideas que te gustan, otras que no tanto y cosas que te sorprenden de uno u otro.

En este caso, el Museum of Fine Arts (MFA) de Boston fue para mi una gran sorpresa. El contenido era bueno, extenso y variado, pero eso ya lo sabía. Lo que de verdad me sorprendió fue su dedicación al público y como se piensa en él en cualquier campo dentro del edificio. Debería ser algo normal en cualquier museo ya que una de las misiones principales de éstos es dar a conocer, difundir y enseñar. Aunque, por suerte, cada vez esto se tiene más en cuenta, todavía queda mucho que recorrer y el MFA puede ser uno de los modelos en los que fijarse.

Entramos al museo. Lo primero, comprar la entrada. No es de las más baratas, 15 $, pero no es nada cara cuando te das cuenta que en ella se incluye tanto la colección permanente como todas las temporales de mayor o menor tamaño que se estén llevando a cabo en el museo (durante mi visita la principal exposición temporal era sobre los Samuráis, que finalizó el pasado día 4 de Agosto), está permitida la re-entrada durante todo el día de tu visita para poder verlo con calma, quizás salir a comer y volver a dar una vuelta más tarde. Pero lo mejor de todo es que con la entrada tienes otro acceso gratuito a las salas durante los siguientes 10 días. Así sí se disfruta un museo con calma.











El museo tiene de todos los tipos de arte que puedas imaginar. Egipcio, mesopotámico, griego, africano, asiático, del gótico a nuestros días, vídeo-arte, fotografía, mobiliario, cerámica,... y lo mejor de todo es que han sido lo suficientemente atentos con cada tipo de arte como para dedicarle a cada sala lo necesario para una mejor exposición. No tiene nada que ver la exposición de unas obras contemporáneas que los lienzos que colgaban en los grandes salones del XIX, unas vidrieras o la cerámica japonesa.















Los museos cansan, y más cuando tienen tanto que ver. Por mucho que nos entusiasmen, lo pies están locos por descansar y nuestra mente también. Lo saben bien en el MFA que sorprende -gratamente- ver que es habitual que cada cierto tiempo te sorprenda un área de descanso con sillones y sofás. Las cafeterías y restaurantes en torno a las salas aparecen como por arte de magia. Eso sí, integrados.





Me gustó también la información que se ofrece al visitante además del habitual mostrador a la entrada. En el Hall central que distribuye las salas del museo un Samurai estaba disponible para animar e informarnos de la exposición que le dedicaban en las salas de abajo. El departamento de Restauración contaba con una ventana permanente desde la que puedes observar las obras que están tratando, pero además unos paneles te explican el proceso y una pequeña pizarra te informa sobre lo que están haciendo en ese momento. En cartelas del arte contemporáneo incluso te explican los procesos creativos de las obras, las ideas de los comisarios a la hora de montar una exposición,... Así uno se siente más atendido.













Cómo no, el museo además se abre de par en par a los artistas. Era habitual encontrar gente, sola o en grupo, pintando y dibujando, inspirándose en las obras que cuelgas en los muros.







¿Queréis más? Pude pasear por una sala mientras montaban una pequeña exposición que se inauguraba próximanente. Ver al equipo del museo trabajando fue lo que más me gustó.











Por si todo esto era poco, me encanta el sistema de raíles para exponer las obras pictóricas. Evitas agujerar la pared y resultan muy versátiles.

 



Lo único que me dio pena es que no pude ver la gran obra de Gauguin "¿De dónde venimos? ¿Quiénes somos? ¿A dónde vamos?" porque estaba de préstamo en una exposición sobre el artista hasta Octubre.



¡Espero que sirva para animaros a pasaros por allí cuando tengáis la oportunidad!


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