jueves, 24 de diciembre de 2009

Arte al alcance de todos



Como bien todos sabéis, me encantaría tener una enorme colección de arte (¿y a quién no?), pero como también muchos sabéis, soy una estudiante y como buena vida de estudiante comes pasta, buscas ofertas en los supermercados y planes baratitos. Aún así, mis ahorros me encanta destinarlos al arte y a los viajes. Bien, pues por fin he encontrado un arte a mi medida, y creo que no me equivoco si digo que a la de muchos. Se trata de una página (de la que dejo un enlace también en la parte izquierda del blog) con un nombre muy fácil de recordar: artpetitformat.

Son obras del artista Guillermo Martí Ceballos, para mi un nuevo descubrimiento. Pintor catalán muy colorista, expresivo, de estilo figurativo muy especial, y en mi opinión con una fuerte influencia fauve, y en algunas de sus obras, con un sensible tono de Modigliani en desnudos y retratos. Este artista apuesta además de por su página principal, por la creación de una página con obras de pequeño formato y a buen precio.

El arte al alcance de todos.

jueves, 10 de diciembre de 2009

El Ballet triádico de Oskar Schlemmer





Cuando fui al Reina Sofía tras su última remodelación, vi los figurines de este Ballet triádico como obras de nueva adquisición. No Habñia oído hablar aún de este ballet, pero su estética me atrajo enormemente. Rápido apunte el nombre del autor para investigar sobre él poco a poco. Desde entonces ha pasado como siempre me suele pasar. De no haber escuchado nunca hablar sobre él a verlo escrito y escuchar palabras sobre su trabajo en cualquier sitio al que voy.

Oskar Schlemmer fue uno de los grandes profesores de la Bauhaus dirigida por Gropius. Como ya sabéis, la Bauhaus destacaba por su renovación, romper con la estructura de la enseñanza del arte, dar libertad a las nuevas expresiones artísticas, dotada de los más grandes artistas del momento en su plantilla de profesorado. Schlemmer era el encargado del taller de teatro.

Como en las demás artes que se enseñaban en la escuela, el teatro también se hacía de una manera revolucionaria. Oskar Schlemmer investigaba sobre el movimiento en el espacio de una forma geométrica. Además, es curioso saber que primero realizaba los figurines, de colores llamativos y figuras geométricas y más tarde buscaba una música que se adaptara a ellos. Su obra más famosa fue el "Ballet triádico" en 1922. Estuvo en cartel durante diez años y se representaba en numerosas fiestas de la Bauhaus (que no eran pocas y de ls que hay numerosas referencias). A este ballet pertenecen los figurines que hoy tenemos el honor de poder visitar en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.

Lo que no podemos negar es el alto poder estético de la obra, las formas, lo colores,...

jueves, 3 de diciembre de 2009

El arte como objeto de fetiche. Soy fetichista.


Según el diccionario de la RAE:

fetichista.

1. adj. Perteneciente o relativo al fetichismo.
2. com. Persona que profesa este culto.

fetiche.

(Del fr. fétiche).

1. m. Ídolo u objeto de culto al que se atribuye poderes sobrenaturales, especialmente entre los pueblos primitivos.




Empezando mi pequeñísima y muy humilde colección de arte (soy estudiante) no paro de ver obras que me gustaría tener, obras que me gustaría comprar, galerías que mirar, artistas que conocer. Obras que cuestan mucho dinero (y aunque muchos artistas sigan pensando que poner precio al arte es degenerar su función, de ello viven ellos y otros y de ello deben comer) pero dinero que personalmente no me importa gastar. Dinero que desde hace mucho tiempo voy ahorrando muy poquito a poco con la esperanza de que con el tiempo pueda tener una gran colección. Obras que nunca sabes si alguna vez tendrán el valor que tú les das, no sabes si realmente son buenas o no, pero apuestas por ellas (los grandes marchantes de la historia lo han sido al apostar por artistas por quiénes los demás no daban un duro, ¿o no?). Obras que cada vez que las miras y las ves colgadas en tu pobre pared sale una sonrisa de orgullo por haber apostado por ellas, por tenerlas ahí. Hay para quienes no merece la pena gastar un dinero pudiendo tener cualquier lámina, reproducción o simplemente una pared en blanco. Para mi, y creo que para mucha gente de la que me lee, una obra es más que simples colores. Puede cambiar el humor, es estado de ánimo.

Aunque quizás no sea un fetiche pues no se le llegua a atribuir un poder sobrenatural. ¿O si?.


Mi última adquisición, este Manu Babiano.



miércoles, 2 de diciembre de 2009

¿Existe el silencio? ¿Y el sonido?



Hace muchísimos años en clase de música del colegio me dijeron una frase que hoy ha vuelto a mi y lo cierto es uqe nunca se me llegó a olvidar. Siempre que se hablaba del sonido o el silencio aparecía en mi memoria. Esta es una frase de John Cage, de quién ya hemos hablado en otra ocasión.

"El silencio no existe. Siempre está ocurriendo algo que produce sonido. Incluso en una habitación insonorizada escucharás el latido de tu corazón"

Es cierto entonces que nunca seremos capaces de "escuchar" el silencio absoluto, pero entonces llega a mi mente otra famosa teoría "Si un árbol cae y nadie lo escucha, ¿Existe el sonido?" Si hablamos del sonido como una onda que al llegar a nuestros oídos y cerebro se transforma como tal, entonces si no hay ningún oído y cerebro que lo haga ¿Hay sonido?

martes, 1 de diciembre de 2009

Óscar honorífico para Lauren Bacall


Hace un par de semanas recibía la actriz Lauren Bacall un óscar honorífico a su larga carrera. A pesar de hacer un pequeñísimo y retrasado post sobre este tema os dejo unos enlaces sobre la noticia. No podíamos dejar pasar este premio a la actriz que da ojos e imagen a este blog.

miércoles, 18 de noviembre de 2009

Mondrian, "la dama danzante"


Las teorías de Mondrian que le llevó a realizar su personal neoplsticismo se basaba en la armonía del universo y el hombre. Era un gran teósofo y eso se ve también en su obra. Quiere conseguir una utopía, quiere el orden total del mundo. El equilibrio, eliminando toda clase de emoción, de sentimiento; y en su obra, la eliminación de la huella del pintor (aunque a veces se contradice así mismo firmando sus lienzos en la zona posterior, quizás asomo de una personalidad de "genio dandy" como hemos hablado en otro post). Sus cuadros eran líneas siempre rectas horizontales y verticales. Lo diagonal rompe el ritmo, lo diagonal siempre evoca lo dramático, lo sensible. Los colores que usa no pueden ser otros que los colores primarios y los "no colores", el lnco y el negro. Las líneas no llegan al final del lienzo si no que queda inacabado, pero nuestro cerebro es capaz de continuarlas hasta el infinito, infinito como el Universo. En sus obras tampoco existe un centro claro, el centro está en el Universo y éste, fuera del lienzo. Poco a poco incluso llegará a expulsar los colores

Y a mi, me gustaría destacar una anécdota que cuenta sobre él para ver hasta que punto llevaba sus teorías. Cuentan que en la época se le conocía como "la dama danzante" y es que le encantaba bailar en cualquier bar nocturno y en cualquier ocasion que se plantease pero con un baile muy particular. Él mismo hablaba de que le fascinaba el Fox, pero por el contrario odiaba el Vals y a Bach. Disfrutaba de una música con golpes claros y secos, no una música suave e insinuante. Su baile, de hecho, va relacionado con esto, y esto, con su pintura. Mientras que Mondrian bailaba nunca hacía un movimiento diagonal, curvo, volvamos a repetir, insinuante. Todos sus movimientos eran, cmo sus lienzos, hortogonales y siempre con la cabeza bien erguida.

ESto es llevar, como muchos artistas, o la mayoría, el arte a su propia vida o su filosofía de vida a su arte.

martes, 10 de noviembre de 2009

El no gusto de Francisco Calvo Serraller para entender el arte.


Este post no va a ser escrito por mi, simplemente voy a tomar una parte de la entrevista que el diario on-line hoyesarte hizo hace algo más de un mes a Francisco Calvo Serraller con motivo de la nueva exposicón que había comisariado para el Museo Esteban Vicente en Segovia sobre la escultura española actual.

Podría comentarlo yo, pero creo qeu sus propias palabras son las mejores para hablar sobre el tema.

"Cualquier persona aficionada o con interés por el arte no puede renunciar a su propia percepción, pero, para mí, alguien que vive de su propia percepción, que sólo vive de su gusto, es desgraciado, porque pienso que jamás tendrá un diálogo con el arte, porque tener gusto es tener un diálogo contigo mismo y, sin embargo, lo interesante del arte es que te saca de ti mismo, de tus casillas. Si te gusta o no te gusta es irrelevante, si no te gusta ya te gustará. En absoluto soy un comisario que se rija por cuestiones de gusto.

Creo que no te puedes mover por esas visiones tan acotadas, me gusta o no me gusta, hay otros criterios. Hay cosas que te repugnan y son imprescindibles para ti, y cosas que te agradan y de las que puedes prescindir sin ningún problema. El arte es así. A la gente que le interesa el arte y lo ama tiene que estar acostumbrada a eso, a confrontar sus gustos con la realidad. Eso es lo que he tratado de hacer. Una exposición en la que intento negar mi subjetividad y no regodearme en ella. "

Y a la inmortal pregunta "¿Qué tiene que tener el arte para ser considerado arte?" Responde,

"No tengo tanta arrogancia como para decir qué tiene que tener una obra. Eso es precisamente lo que me interesa. Que el arte es inútil, no progresa. Es una fuente que, en sí misma, es una pregunta sin respuesta. Eso es lo que me interesa del arte, que estructuralmente y también mentalmente es discordante, es, por esencia, políticamente incorrecto. Trabaja exactamente en todo lo que la gente ha consensuado como el bien, pero hace lo contrario, lo ha hecho siempre. Ahí veo un depósito abandonado que está preñado de información sobre el hombre y que todavía no hemos sabido descodificar, y es muy interesante. Creo que puede aportar claves esenciales para el conocimiento de la humanidad, de la realidad desde el punto de vista humano. Me parece dramático perderlo, descuidarlo o despreciarlo."


Entrevista completa

domingo, 8 de noviembre de 2009

¿Hasta dónde puede llegar la conservación?


Las obras de arte, se realizaron en un momento determinado y con un fin determinado. ¿Debe su conservación cambiar ese fin?

Las obras, con el tiempo se van degradando, y el trabajo de muchas personas y, en un futuro puede que el mío, consiste en conservarlas de la mejor manera posible. Pero muchas veces esta conservación va más allá. ¿Hasta dónde se puede llegar?

Muchas ciudades hoy día están peatonalizando los centros, y uno de los factores más importantes para esta decisión es la conservación de edificios históricos. La iglesia de San Antonio de la Florida tiene una hermana gemela a su lado para evitar que se degraden los frescos de Francisco de Goya.

Soy partidaria de la conservación y de poder mantener las obras que hoy disfrutamos para que muchos años después puedan disfrutarlas otras generaciones, pero en ciertas ocasiones me parece que se está rechazando cierta esencia de las obras. Las ciudades pueden y deben cuidar su centro histórico y si no se empeora la calidad de vida de sus habitantes me parece una idea genial. Si esto dificulta el acceso, no.

¿Ir a ver los frescos de Goya sin ser de Goya? Puedo verlos en los libros.

Es cierto que en ciertas ocasiones la masificación de turistas o visitantes puede degradar una obra y se prefiere resguardar antes que dejarlas morir poco a poco, pero ¿Cuál es el punto?

Los edificios se hicieron para ser visitados, las pinturas para ser contempladas, y las ciudades para ser vividas.

sábado, 7 de noviembre de 2009

El arte hay que aprenderlo



No recuero si en alguna entrada anterior dije esta misma frase pero creo recordar que fue algún profesor quién la dijo: "Si no entiendes la física cuántica, es normal, es física cuántica, pero si no entiendes el arte crees que te están tomando el pelo". El arte también tiene un código, un estudio, un por qué, un contexto, que hay que conocer, aprender y entender.

Creemos que es culpa del arte contemporáneo, que es el único arte que no entendemos y que no sabemos decir si es arte o no. Pero no todos los estilos pueden verse tan claro si no fuera porqeu desde pequeñitos lo hemos aprendido así. Si muchos valoran que algo sea arte o no simplemente por su similitud con lo real, o lo que creemos real, por la técnica, la belleza o la capacidad de transmitir, entonces ¿Por qué está consideramos arte entonces las pinturas de las cuevas de Altamira? Es un testimonio histórico, cierto, pero ¿Por qué arte?

Simeplemente porque no tiene unas reglas fijas, unas pautas que cumplir, es algo mucho más subjetivo que eso, hay que educarse a comprenderlo, no es siplemente leer un libro y saber, es mucho tiempo viendo, pensando, aprendiendo y sólo de esta forma podremos respondernos a nosotros mismos, pero nunca a los demás porque ¿Cómo expresarlo?

viernes, 6 de noviembre de 2009

Dalí es surrealismo.







Otra nueva conferencia en la Fundación Mapfre y una nueva reflexión que me ha provocado esta vez Francisco Calvo Serraller.

La conferencia titulada "Yo, el artista. Genio atormentado o dandy" se basó en una reflexión sobre el por qué y los tipos de personalidades de los artistas.

Es cierto que los artistas tienen un carácter bastante especial. Muchas veces escuchamos "ese hombre estaba loco" y se contesta "bueno, es que era un artista". La mayor parte de los genios han sido de "personalidad especial", por ejemplo podemos hablar de mcuhos de mis preferidos, Picasso, Pollock, Modigliani,... pero no podemos dejar de pensar cuando hablamos sobre esto en Salvador Dalí.

Salvador Dalí era el mejor ejemplo de dandy. Le gustaba llamar la atención, dar de que hablar, solía decir que sus largos bigotes eran antenas para comunicarse con los extraterrestres. Pero, ¿qué podemos de esperar de una persona que además de artista es, para mas inri, surrealista? Hoy día vemos en los museos videos sobre performances, happenings, y no es más que lo que Dalí hizo cada día de su vida. Él era artista, pero además, en cierto modo, ÉL era ARTE.

También Dalí fue muy criticado por su ultimos años en los que, coloquialmente se dice, se vendió, solo se interesaba en el dinero, hacia cosas sin sentido, quizás no artísticas, era criticado, pero también se suele decir, "que hablen bien o hablen mal, pero que hablen".

Hizo de su vida su mayor obra surrealista sin descansar un solo instante.

lunes, 2 de noviembre de 2009

Obras en el tiempo. Museo Thyssen-Bornesmiza

La página web del Museo Thyssen-Bornemisza ofrece un gráfico para poder ver sus obras en un marco temporal. Aquí os lo dejo para que le echéis un vistazo.

domingo, 1 de noviembre de 2009

Por qué Duchamp dejó la pintura.


Estos días, asisto a un curso de arte de la Fundación Mapfre. En el se discute sobre qué es lo qeu nos queda del Siglo XX.

Werner Spies, antiguo director del Centro de Arte Pompidou e íntimo amigo de la talla de Picasso, Max Ernts o Duchamp, contaba una aneécdota de este último artista.

Un día, estaban de viaje juntos cuando Werner Spies le preguntó, "Marcel, ¿Por qué dejaste la pintura?" y entonces, le contestó:

"Por lo que he podido ver, en un siglo no hay sitio para más de un genio. En este siglo tenemos a pintores como Pablo Picassoy ya no hay sitio para mi, así que decidí dedicarme a ser un genio en otras cosas".

viernes, 30 de octubre de 2009

Mies van der Rohe y Duchamp, dos genios imitados.



Esta mañana, en clase mi profesora de arte desde el 45, hablando de la arquitectura de Mies van der Rohe, dijo una frase que me llamó la atención: "Algunos critican la arquitectura de Mies debido a su excesiva proliferación, pero la culpa no fue de Mies van der Rohe, sino de las malas copias que se hicieron de su arquitectura".

Esto me llevo a otro arte, pero en el que creo, pasa algo similar.

Hoy día, podemos ver en los museos obras que llaman la atención no más que porque nos hace plantearnos de nuevo la repetida pregunta de "qué es arte". Vemos, como bien mi abuelo recuerda en repetidas ocasiones, como un pollo encima de una máquina de escribir se abre paso en las salas de exposiciones. La mayor parte de la población que la visita vuelve a la pregunta de si es arte o no. Muchas veces en el blog he hablado sobre esto. Sobre ver el arte con una distancia temporal, sobre analizar su contexto y su significado, y es que desde Duchamp el arte no es un objeto bonito, si no un concepto, una idea, nacen los happenings, nace el arte conceptual, las performances,...

El arte de Duchamp, o su anulación del arte abre un gran universo por descubrir. Sin embargo, en mi opinión, tampoco podemos dar todo por válido, a pesar de las veces que justifico arte que para muchas personas no lo es. Duchamp abrió un nuevo camino, que por muchos es criticado, pues un retrete del revés no debería ser arte quizás. Sin embargo mcuhos artistas posteriores han seguido este camino, a veces con calidad y otras muchas sin ella.

Y es que, a Duchamp, le ocurre como a Mies, no es su culpa, sino la de los malos imitadores.

sábado, 24 de octubre de 2009

Arturo Elena, ilustrador en el Museo del Traje.



Otra bonita inauguración fue la del pasado jueves en el Museo del Traje.

Después de 25 años de carrera, el ilustrador Arturo Elena hacia una gran muestra de su trabajo en este museo.

Muchas veces vemos en revistas ilustraciones y no nos damos cuenta del trabajo que lleva por detrás, pasamos las páginas sin fijarnos en muchas de las ocasiones. Pero un ilustrador como él no sólo trabaja para revistas, sino para marcas de ropa e incluso para cualquier tipo de empresa como agnecias de viajes o viñedos.

La elegancia de sus figuras, con u nestilo propio pero a su vez adapatándose a cada uno de sus clientes, la esbeltez de las manos, los largos cuellos y la verosimilitud de los cabellos sosprende en cada una de sus imágenes a sus espectadores.

Pero sin lugar a duda lo que más nos llama la atención es la manera de representar las diferentes texturas. El cuero, la piel, el tercipole e incluso el metal son de un realismo impresionante. hace que parezca fácil dibujar de aquella manera.

Es además interesante acercarte a unos centímetros del dibujo y observar el trazo de cada linea, las correcciones, cortornos para resaltar la figura,...

Artura Elena ha trabajado para revistas como Elle, Telva o Cosmopolitan entre otras, diseñadores de la talla de Victorio y Lucchino, Chanel, Moschino,... un gran artista y dibujante qeu merece esta gran exposición.

Lágrimas de Eros en el Museo Thyssen, sensualidad y belleza







Hace unos días tuve la suerte de poder asistir la inauguración de la exposición de "Las lágrimas de Eros" en el Museo Thyssen. Aunque aún estoy pendiente de ver la segunda parte de la exposición en Caja Madrid, ha sido una de las más bonitas, sensuales, sensibles que he visto (junto con la de Camille Claudel, ya sabeis lo que me gustó).

Se trata de una exposición, a mi gusto, con una organización y comisariado excelente. Te guía por los grandes mitos a través de la historia en relación con el Eros y el Tanatos, el erotismo y la muerte. Cada sala trata un mito diferente y puedes ver su representación desde pinturas del siglo XVI y hasta obras que junto a ellas datan de tan sólo unos años. La diferente visión y a la vez tan similar llama verdaderamente la atención.

Fotografías contemporáneas de la nueva Eva, la actual Vensu en el momento de su nacimiento en el mar,... nos acercan historias que muchos veían lejanas.

Además de esto, cabe destacar las numerosas obras de Franz von Stuck. Un artista simbolista con obras de gran poder, una gran fuerza.

Sin más, animaros a visitar esta magnífica exposición llena de belleza y erotismo, con obras de artistas tan importantes como Bernini, von Stuck, Magritte, Munch, Dalí, Óscar Domínguez, Warhol o Man Ray. Además no sólo reducida a la pintura sino también con escultura, fotografía, o video-arte.

martes, 1 de septiembre de 2009

Picasso, llanto, sufrimiento.





Desde mucho antes de comenzar a estudiar historia del arte, hace ya muchos años, me llamó la atención las mujeres llorando de Picasso.

Me parecía increíble que alguien pudiera dudar de que Picasso sabía trasmitir, de que aunque no fuera un arte naturalista puede hacer sentir mucho más que éste.

Muchas mujeres llorando aparecen a lo largo de la historia del arte, sobre todo en escenas religiosas donde la Virgen María llora la muerte de su hijo, escenas de guerra,... pero personalmente ninguna había llegado a sorprenderme tanto como lo hicieron esas pinturas del malagueño.

No es un reflejo del mundo real en cuanto a la representación, la forma. Puedo ver mi rostro más identificado en el rostro de una virgen barroca, una dolorosa, incluso en la imaginería religiosa, tan reales y naturalistas. Nosotros no tenemos un ojo de frente y otro de perfil cuando nos miramos en el espejo, nsootros no tenemos la cara a base de manchas de colores tan llamativos, a nosotros no nos emanan las lágrimas de unas cuencas de los ojos volcadas como boles de cereales. Pero el sufrimiento, el dolor, el llanto desconsolado que estas mujeres representan superan con creces, en mi opinión, el dolor del arte convencional.

Y es que Picasso, sabía transmitir el momento por el que estaba pasando España.




Si os gustan estos lienzos, aconsejo que cuando podáis deis una vuelta por el Reina Sofía (ahora gratis a partir de las 19,00 h.) y os dejeis cautivar por la cantidad de dibujos sobre el tema referente a la Guerra Civil Española.

Eva, Enric Clarasó.






Esta entrada simplemente quiere haceros observar y gozar de la imagen.

"Eva" (1904), una obra de Enric Clarasó, escultor catalán del principios del siglo XX. Delicadeza, sensualidad, y dulzura en una mujer que cubre su rostro bajo su pelo y sus manos entrelazadas para conseguir intimidad en su sufrimiento, su arrepentimiento, la conciencia del pecado cometido.

No podemos dejar de compararla con la escultura de Llimona, "Desconsuelo". Ambas con un lirismo poético que abduce a aquél que las ve.


martes, 21 de julio de 2009

Entonces, ¿Qué es arte? ¿Quién lo decide?


La pregunta más frecuente en una discusión artística, en una clase, en un museo o simplemente cuando te preguntan ¿Tú qué estudias? y respondes "Historia del arte" posiblemente sea "Pero y para ti... ¿qué es arte?". Y si encima vas más allá y dices que te gustaría especializarte en arte contemporáneo, en este caso la pregunta obligada es ¿Y a ti te parece que un pollo sobre una máquina de escribir es arte? ¿y un lienzo rojo liso es arte?

Bueno, creo que el concepto de "Arte" es lo menos definido en el mundo de arte valga la redundancia.

¿Qué hay que valorar para considerar algo como "arte"? Autor, calidad, originalidad,... Quizás ¿Quién decide qué es y qué no? Galeristas, expertos, conservadores, los propios artistas, el público. Lo más acertado sería pensar que todos ellos.

Mi opinión siempre ha sido que en lo referente al arte contemporáneo, ya que suele ser lo más problemático de definir (nadie duda de que "Las Meninas" de Velázquez, o "La ronda de noche" de Rembrant sean magníficas obras de arte) es normal que nos llame la atención, que sea criticado por unos y amados por otro, que nos choque, nos impacte, nos turbe, e incluso, nos repugne en ocasiones. Los impresionistas, artistas considerados hoy muy cualificados, fueron en su momento unos locos que no sabian lo que hacían, veían en ellos el fin del arte, no entendían lo que hacían, y lo mismo pasó con Van Gogh, con Pollock (que aún hoy sigue siendo discutido por gente que lo ve por primera vez), con Manet. Sus obras provocaban a aquellos que las observaban, no eran lo que estaban acostumbrados a ver, lo que solía considerarse como arte. Muchos murieron en la miseria, otros eran expulsados de los salones que se organizaban en la época, y hoy día se pagan miles y millones de euros o dólares por sus obras.

Las obras de hoy son criticadas hoy, y con toda seguridad, en el futuro, serán testigos de la sociedad, del momento histórico, político y cultural, el movimiento de unos pensamientos que circulan hoy día por nuestras cabezas y que algunos son capaces de plasmar de una forma u otra.

Pero tenemos también que ser críticos. No podemos tragarnos todo lo que nos pongan por delante. No todo es bueno, no todo es arte, o por lo menos, no todo es un arte que merezca la pena. Pero para esto "sólo" necesitamos TIEMPO. En el Renacimiento existían muchísimos autores además de Miguel Angel, Rafael, Leonardo, y todos los que hoy día estudiamos ya sean de 1º, 2º o 3º orden. Pero al final a nosotros nos han llegado los más representativos, los más característicos, y también, por qué no, los más revolucionadores en alguno de los casos. Hoy día tenemos a nuestro alcance TODOS los artistas, y habrá que esperar para que el tiempo haga una limpieza y sobrevivan los más fuertes.

Pero, una vez más, ¿quién decide qué es y qué no es arte? Todos y cada uno de nosotros. Por muy triste y desalentador que pueda parecernos, el arte, al fin y al cabo, como casi todo en esta vida, es cuestión de oferta y demanda. Al valorar una obra artística podemos tener en cuenta como dijimos al comienzo, la calidad, el caché del artista, la temática, la originalidad, la técnica, el impacto estético. Pero a todo esto al final se le pone un precio por el cual valoramos todos estos aspectos en conjunto. Si pasas por delante de una galería y ves a un autor colgando de sus paredes piensas "si está en esta galería es que debe ser bueno" quizás sea el cuñado del dueño de la galería, pero simplemente por estar ahí, su precio sube, porque sube su caché. Si un periódico habla del artista, sus obras comenzarán a valer más. Si sale en un libro, a todos nos gusta ver en el museo la obra que hemos estudiado anteriormente,... El galerista, el conservador o comisario que incluye una obra o un artista en su exposición, el espectador que lo compra, el estado que apuesta por un pintor, el crítico que habla sobre una escultura, el profesor que nombra a un autor en sus clases o sus libros,... todos ellos contribuyen a considerar a ese autor como artista o a esa obra como obra de arte.

Duchamp dijo que todo lo que el hacía era arte, puesto que ÉL era un artista. Pero si antes se consideraba artista a quién hacía arte y ahora arte a lo que hace el artista, ¿quién decide si es o no un artista? Aún así, su obra más conocida, "Fuente", ha sido considerada como la obra más influyente en el arte contemporáneo, el arte del "todo vale".

Y es que el arte, como todo, vale lo que estemos dispuestos a pagar.

viernes, 12 de junio de 2009

Todos tenemos malos episodios en nuestras vidas, Frank Lloyd Wright, también.


Frank Lloyd Wright, un arquitecto de éxito indudable, pero su vida no fue tan exitosa.

Cuentan que la profesión le fue dada desde que se encontraba en el vientre de su madre, pues ésta, durante el embarazo llenó su dormitorio de posters de arquitectura que serían trasladados al dormitorio de Frank en el momento de su nacimiento y desde bien pequeño sus juguetes se reducían a tacos de madera para lograr que se interesara por la construcción.

La vida en familia durante su infancia fue algo tormentosa, pues su padre era incapaz de mantener un empleo y la pareja finalmente se separó. El apoyo de Frank por su madre se demuestra al ver como tornó el orden de sus apellidos, pues en un principio su nombre era Fran Wright Lloyd ¿Suena raro, no?

Nuestro arquitecto se enamoró de una joven llamada Catherinie Tobin, se casa, tienen seis hijos en común, Frank había sido contratado en una constructora como dibujante,... Se esperaba una vida próspera y feliz, pero las apariencias engañan.

Frank tenia caprichos demasiado caros, y tuvo que buscar trabajo fuera de la constructora Sullivan. Al ser descubierto fue despedido. Pasaba mucho tiempo con sus hijos y su mujer Catherine empezó a colmarse de celos pues siempre había sido ella la encargada de los hijos y él, el encargado de la arquitectura. Frank decide entonces separarse algo más de sus hijos hasta llegar al punto de prohibirles que le llamaran "papá". Esto no sólo lo distancia ellos, sino también de su esposa, en cambio, hace que se estreche con su vecina y dueña de una casa diseñada por él, Mamah, casada y madre de un hijo. Escapan, abandonan a sus respectivas familias y se trasladan a vivir a Berlín. Pero la estancia allí durará poco, Wright quiere ver a sus hijos, aunque se ha quedado sin dinero.

Con un préstamo construye una casa en Wisconsin tan integrada en el ambiente como siempre le gustó. Pero ocurre entonces el incidente más trágico de su vida. Contrata a un matrimonio para que trabajen en la casa como mayordomo y cocinera, Julián Carlton y su esposa. Éste tuvo problemas con Mamah, aún se desconoce la verdadera razón, pero el mayordomo entra en un estado de histeria y rocía la casa con gasolina y le prende fuego. Deja una sola puerta para poder salir donde se coloca con un hacha y mutila a todo aquél que logra escapar de la casa en llamas. Las 7 personas que estaban en la casa murieron, ya fueran quemadas, asfixiadas o mutiladas por el hacha. Mamah fue una de ellas y suspuso un duro episodio para Frank.

Tras esto recibe una carta de Miriam Noel, una desocnocida conmovida por la historia acaecida, que le escribe para prestarle su apoyo y hacerle saber que quiere conocerle. Finalmente establecen uan relación y se convertirá en su segunda esposa tras conseguir el divorcio definitivo con la primera. Pero la relación es fuertemente tortuosa, ella es adicta a la morfina y tienen muy mal carácter. Se separará de ella y comenzará una relación con una joven de tan sólo 26 años de edad, Olgivann Lazovich que será madre de una hija en común con Wright. Pero Miriam, celosa por esta nueva relación, les acosaba a ambos y consiguió que se quedaran totalmente en la ruina.

Su familia y su trabajo empezaron a darle la espalda, pues nadie quería tener nada que ver con una vida tan escandolosa. Fue muy criticado por usar a estudiantes para que le ayudaran en sus proyectos, acusado de explotarles. Olgivann le empujó a escribir una autobiográfia que le ayudó a que le vieran con otros ojos y poco a poco fue mejorando su situación. Creó su famosa "Casa de la Cascada", fue contratado por la compañía Johnson & Son.

A partir de ahí, y sobretodo tras la II Guerra Mundial, los encargos a Wright empezaron a crecer como la espuma. Pero a pesar de ello, seguía siendo blanco de críticas como sucedió con su último proyecto, el gran Museo Guggenheim de Nueva York. tuvo numerosas discusiones con el propio Salomón Guggenheim y tras su muerte, con sus herederos, cuando finalmente empezó a construirse, cantidad de artistas mandaban cartas criticando la imposibilidad de colgar las obras en paredes curvadas. Pero Frank, acostumbrado a la crítica y a las desgracias seguió adelante. Murió poco antes de su culminación y hoy día es uno de los museos internacionales más importantes tnto por su colección como por el propio edificio.

Fran Lloyd Wright fue enterrado bajo el lecho de Mamah y hoy día es considerado uno de los mayores arquitectos del siglo XX. A pesar del éxito del que goza hoy día, su vida, como hemos visto, no fue la que todos desearíamos.

jueves, 11 de junio de 2009

Matisse en el Thyssen ¿Sólo color?



En plena actualidad artística, ahora mismo se habla de la exposición recién inaugurada sobre Matisse en el Thyssen.

Matisse es uno de los principales represetantes del grupo de las fieras, del fauvismo. Un arte caracterizado por el uso libre de los colores, siempre llamativos, siempre con un toque expresionista. "La raya verde" o "La danza" son algunas de sus obras más famosas, sin embargo no son estas las que encontramos en la exposicón. En ella vemos al Matisse "más desconocido". Vemos ese gusto decorativista, exótico, traído de los países orientales. Paredes pintadas con flores, suelos con alfombras persas, dameros,... y es que para Matisse, el fondo y la figura tienen la misma importancia, pues ambas forman parte de la pintura, del lienzo, de la composición. ¿Un fondo sin tratar para darle importancia tan sólo a la figura? no, el conjunto lo es todo.

Sin embargo, a pesar de la importancia del color en artistas como Matisse, personalmente las obras uqe más me llamaron la atención y que más me gustaron fueron aquellas que carecían de él. Litografías en blanco y negro, bocetos preparatorios para la danza,... Una gran calidad de dibujo, detalles, sombras,.. e igualmente decorativos sin necesidad del color.

Llama la atención sus esculturas, en concreto una de ellas, de formas redondeadas y sinuosas que a pirmera vista observamos en ella una cabeza de mujer a base de grandes "lágrimas", pero según giras en torno a ella, te sugiere cualquier otra cosa, podría ser lo que cada uno quisiera que fuera.

Uno de los grandes temas en su pintura fueron la ventanas, un gran juego de luces, a través de ellas vemos el mar, propio de su estancia en Niza, y es que como él mismo declaró "Las ventanas siempre me han interesado porque son pasajes entre el exterior y el interior".

Para más información sobre la exposición, megafotos, entrevista y vídeo con el comisario de la exposición visita: lainformación

Otras curiosidades sobre el autor: Matisse sufría una fuerte enfermedad que le impedía el uso de pigmentos los últimos años de su vida. Pero no era tan fácil dejar su vocación así que continuó "pintando" a base de collages con papeles de colores. Y es que un artista lo es para toda la vida.

lunes, 27 de abril de 2009

Más citas de Picasso...

"Aprender a pintar como los del Renacimiento me llevó unos años, aprender a pintar como los niños me llevó una vida entera"

Pablo Picasso

martes, 21 de abril de 2009

Fundación La Semilla, El Mago de Oz, Youtube

El Musical de El Mago de Oz de la Fundación La Semilla ya está en youtube. Para quién aún no haya ido a la obra, que no pierda el tiempo, aún nos quedan actuaciones, pero se van agotando las entradas y los días! y para animarse aquí tiene un pequeño adelanto. ¿Ya has ido? recuerda bonitos momentos con este vídeo!!

www.elmagodeoz.es Reserva de entradas por internet o en el teléfono
914783293 de 17 a 20 h de lunes a viernes.

Colegio Marista Chamberí, C/Rafael Calvo 12, metro Iglesia (L1) y Rubén Darío (L5) Autobuses: 3, 5, 16, 37, 61, 143, 147

Donativo voluntario para el proyecto de desarrollo:

Banco Popular 0075-0446-40-0600124386



Fechas de representación :

28 de Marzo (18,00h.)
29 de Marzo (18,00h.)
5 de Abril (18,00h)
18 de Abril (17,00 y 19,30 h.)
19 de Abril (18,00h.)
10 de Mayo (18,00h.)
16 de Mayo (17,00 y 19,30 h.)
17 Mayo (18,00h.)
23 de Mayo (17,00 y 19,30 h.)
30 de Mayo (17,00 y 19,30 h.)
31 de Mayo (18,00 h.)

lunes, 13 de abril de 2009

Chagall y Modugno, volando juntos.


Todo el mundo conocemos esta canción que lleva sonando y sonará durante años pero... ¿Cómo surgió? ¿Por qué Domenico Modugno escribe esta canción? Todo se lo debemos al artista Marc Chagall, expresionista lírico que disfrutaba sacando de la vida la mejor parte, amor y alegría, pintaba en sus cuadros personas volando, cabras tocando violines, París, mundos al revés, el amor, la felicidad... y cuando Mondugno vió estas pinturas, en la que los personajes alzan el vuelo por su felicidad no pudo resistirse a dedicarle esta gran canción.

viernes, 10 de abril de 2009

Perugia, Asís, el medievo de hoy







Los años y los siglos pasan, pero por suerte, hay ciudades que parecen haber quedado congeladas en un tiempo, que para ellas, fue mejor. Siguen la vida de hoy, pero a la vez se ha mantenido esa estética medieval y renacentista que envuelve a las ciudades italianas de Perugia y Asís. Es increíble la sensación de mirar grabados de la época y no tan sólo poder reconocer la plaza en la que estás sentada, sino ver que sigue TAL CUAL.

Durante los días afortunados que he estado allí, no he podido parar de imaginar la sociedad de la época en el mismo entorno en el que yo me encontraba. Las jovenes, hijas de comerciantes o ricos nobles, entrando corriendo por las escaleras del palacio, pobres hambrientos por las esquinas de las calles, las antorchas pendientes de los muros de piedra, el comercio de telas y demás útiles en la plaza,...

Asís (o Assisi en su idioma original) es como un plató de televisión recreando un escenario. La ciudad es patrimonio de la humanidad, y es que es increíble andar por sus calles (eso sí, repletas del comercio de souvenirs de pequeños y no tan pequeños "San Franciscos"), viendo a franciscanos caminando por los pequeños callejones. Visitar la Basílica de San Francisco y contemplar los cientos de frescos, entre ellos los de Giotto, afamado pintor del treccento, y pensar que es entrada gratuita, algo sorprendente hoy en día en un lugar al que acuden tantísimos (más de los que yo imaginaba) turistas, a pesar de tratarse de Iglesias, un lugar, supuestamente, de todos.

jueves, 2 de abril de 2009

Los ojos abiertos de Picasso


¿Existe la perspectiva? Si es así, ¿cuál es la real?. ¿Lo que vemos es perspectiva?. Es más, ¿lo que vemos con los dos ojos, o lo que vemos al cerrar uno de ellos y enfocar?. Ayer hice un experimento. Si me siento en un banco de un parque y cierro un ojo, sólo veo un fino tronco de árbol frente a mi. En cambio, en esa mismo situación, abrí los dos ojos y encontré tras ese árbol, algo más alejado, a un niño jugando. Si digo la verdad, encontré varios árboles y varios niños, pues, al no enfocar, la imagen estaba distorsionada y multiplicada. ¿Es eso una distorsión?.

Algo así es lo que explica Picasso, pero a tra´vés del rostro de su amada antes de ser besada. Si abrimos los dos ojos, veremos un doble rostro. Dos perfiles fusionados. Ahora mismo, mientras lees, puedes hacer la prueba, acércate a la pantalla y mantén los dos ojos abiertos, verás como las letras bailan entre ellas. O acércate tu propia mano, y dejarás de tener tan sólo cinco dedos. Esto es, exactamente lo que hacían los cubistas. Picasso, en concreto, en los retratos de su amante Marie-Thérèse Walter, creaba esta visión. Pintaba dos perfiles, hablaban de distorsión, pero como dice David Hockney “no pueden ser distorsiones, porque son realidad” 1. La miraba de cerca, la examinaba durante horas mientras ella estaba tumbada en la cama, estudiaba su rostro muy de cerca. “Este doble perfil, como lo llaman, es sólo que siempre tengo los dos ojos abiertos. Todo pintor debería tener siempre los dos ojos abiertos. Quizá se pregunten cómo se llega a ver verdaderamente, con un ojo o con dos. Es sencillamente la cara de mi amante, Dora Maar, cuando la beso”

Al cerrar un ojo, perdemos profundidad, y pasamos toda nuestra percepción a una imagen plana, todo a una misma altura, como si de un lienzo se tratase. Entonces plasmamos esa imagen y nos parecerá un cuadro abstracto, o cubista quizás, pero es, simplemente, lo que percibimos, lo que vemos, lo que hay, pero nuestra mente ha aprendido a racionalizar esa imagen y aunque la percibamos plana, la entendemos tridimensional.

En el Renacimiento, crearon la perspectiva artificialis,por la cual racionalizaban el espacio que veían, como hace nuestro cerebro, y pintaban esa racionalización. Es lo que estamos acostumbrados a ver, o más bien, CREER ver. Pero además, ellos eliminaban cualquier atisbo de distorsión, suprimían lo borroso y lo hacían un objeto totalmente nítido. Era una perspectiva por la cual podíamos ver un espacio enorme, calles, plazas, incluso un interior menor, pero siempre desde lejos, sin llegar a esa intimidad en la que tener los dos ojos abiertos, sentir la cercanía, nos puede llevar a confusión.De esta manera, se podría llamar a este nuevo espacio, a esta nueva perspectiva “El espacio táctil” y a la perspectiva convencional, “El espacio visual”.

Pero entonces, ¿la perspectiva no es sensible?. En este caso, se reduce a una conjunción matemática. Como la llama Diderot “es un espacio para ciegos”. Y realmente parece ser así. No importa no poder verla, si unes trazos isométricos con reglas y cálculos, puedes crear una perspectiva perfecta sin haberla contemplado jamás. En cambio, una perspectiva como la de Picasso, necesita ser vista, necesitas sentirla para poder reproducirla, no es un simple cálculo. En este caso, también volviéndome a una experiencia personal, puedo recordar como en el colegio, en clase de dibujo, nos entregaban a cada alumno un folio cubierto por líneas isométricas, y que, colocándolo bajo nuestro formato de dibujo, podíamos calcar líneas y crear una perfecta ciudad en perspectiva. ¿Es esa la perspectiva real?. Lo sea o no, lo que está claro es que es una perspectiva insensible, apta, como Diderot dice, para invidentes.






PD: Ha sido un post un tanto largo, pero espero que les haya resuelto algunas dudas.:D

domingo, 22 de marzo de 2009

Y Miró dijo....


"Trato de aplicar colores como palabras que forman poemas, como notas que forman música..."




Dedicado a Manu, que me descubrió esta frase cuando la pintó en mis zapatillas;)

jueves, 19 de marzo de 2009

El Mago de Oz, Musical en directo. ¡Ven al teatro!


-¡Qué mala es! ¿Verdad Totó? ¿te hizo daño? ¡Porque no pudo hacértelo! Vamos a contárselo a Tío Henry y a Tía Emma.


Meses de trabajo, pero también de buenos ratos. De risas y de estrés. Pero por fin se acerca el estreno. Listos para salir corriendo. Ya se divisa la ciudad Esmeralda desde lejos y allí está el Mago de Oz esperándonos a todos.

Un teatro, un musical en directo, para niños y adultos, que entre todos, hemos llevado hacia adelante. Por fin lo conseguimos, la fundación La Semilla, un año más.

Animaos a esta obra de fantasía, en la que los sueños, si se cree en ellos, pueden hacerse realidad. Estamos prácticamente casi todos los fines de semana desde final de Marzo a final de Mayo por las tardes, para más información, picha aquí

Además se trata de una obra de entrada gratuita, en la que, si quieres colaborar con una buena causa puedes comprar camisetas, CD's, DVD's o dar un donativo a la salida para el proyecto en desarrollo en Mfangano. También existe la posibilidad de fila cero en el Banco Popular: 0075-0446-40-0600124386

¡Corre y reserva tu entrada! ¡Es obligatorio! No querrás quedarte sin asiento cuando vengas ¿no?. Puedes hacerlo a través de la página web (www.elmagodeoz.es) o de lunes a viernes de 17 a 20h. en el teléfono 91 478 32 93.

Estamos en el colegio Chamberí, metro Iglesia (Línea 1) o Rubén Darío (Línea 5) y autobuses 3, 5, 16, 37, 61, 143, 147. Calle Rafael Calvo 12, Madrid.

¡¡Te esperamos!!

Todos podemos ser SEMILLA.

jueves, 12 de marzo de 2009

El Casón del Buen Retiro como sede de la biblioteca del Museo del Prado



El Casón del Buen Retiro abre por fin de nuevo sus puertas, pero ya no como pinacote del XIX sino como la nueva sede de Biblioteca del Museo del Prado.

Este edificio formó parte del Palacio del Buen Retiro y era usado como salón de bailes.

La colección que antes albergaba el casón fue trasladada a la zona ampliada de la mayor pinacoteca que tenemos en España, el Museo del Prado, llevada a cabo por el arquitecto Rafael Moneo.

Hoy día podemos seguir contemplando en esta nueva biblioteca los frescos pintados por el artista italiano Luca Giordano.

Si necesitáis consultar libros de arte o simplemente os apetece ver este maravilloso edificio podéis hacerlo entre las 9,00 y las 14,00 horas de lunes a viernes.

¡Allí nos vemos!

domingo, 8 de marzo de 2009

Una imagen vale más que mil palabras

Me retracto. En el post anterior cometí algunos errores sobre el proceso pictórico de Yves Klein.

He encontrado un video en el que lo veréis y os quwdará todo mucho más claro.

viernes, 6 de marzo de 2009

El proceso creativo



Para muchos artistas el resultado final de su obra no tiene mayor importancia. Lo que realemnte cobra valor es el proceso creativo.

Como mejores ejemplos tenemos a Jackson Pollock o Yves Klein.

La técnica del primero es quizás más conocida. Pollock se emborrachaba y drogaba, cogia sus tubos de pintura y los esparcía por un gran lienzo que previamente había tumbado en el suelo. Luego iba el turno de los grandes botes agujereados que sujetaba en sus manos y con los qeu bailaba en el máximo apogeo de su estado de embriaguez y drogadicción. por último tomaba sus pinceles manchados con gran cantidad de pintura y los sacudía sobre el lienzo. Para terminar levantaba el lienzo y dejaba que la pintura escurriese libremente. Es el sumum de la expresión de un artista, del reflejo de lo que siente, a la hora de pintar. Quería que su obra impactase. Era algo nunca antes hecho. Como ya hemos hablado en otras entradas del blog, su obra impactó, y tanto impactó que no paró de reproducirse, acudían en colas a exposiciones para verlas, se escribían artículos y artículos en revistas,... hasta que al final dejó de impactar. La gente se acostumbra a lo que ve, y la intención de su obra se onvertió en su máximo enemigo. Pollock terminó suicidándose ante tal catástrofe a su parecer.

Yves Klein era algo más espectacular, de hecho, eso es lo que hacía, ESPECTÁCULO. Klein es sobretoo famoso por su "azul klein". Ese azul eléctrico y llamativo tan peculiar. Bien, pues su proceso creativo consistía en vestirse totalmente de este color, llevar uno o varios múscios también totalmente vestidos de azul y que tocaran en la sala de un museo, o de su estudio donde había un lienzo en la pared. Mientras cantidad de espectadores presenciaban la escena, tomaba a mujeres desnuda y las pintaba POR COMPLETO de su "azul Klein". Ellas danzaban con la música y en un punto del baile se enfrentaban al lienzo en blanco, dejando la marca de sus cuerpos, de la música, del ritmo y del ambiente, plasmado en la tela.

Esto lleva, como la mayor parte del arte del momento, a la constante duda de los espectadores de una obra. ¿Es arte? ¿Se merecen ese reconocimiento? En el caso de Pollock ¿Puede considerarse un genio original o un drogadicto? De esto ya hablamos una vez, pero ¿Y Klein? ¿Es él el artista o lo son estas chicas danzarinas? ¿O quizás lo sean los músicos? ¿Nos toman el pelo?

jueves, 5 de marzo de 2009

¿Qué estilo es?


Muchas veces visitamos ciudades, museos, incluso simplemente paseos por la calle de nuestra casa y alguien nos pregunta... ¿Eso de qué estilo es?

Una aclaración básica es que aunque podamos clasificar algo de "barroco" o "románico" hay muchas veces, de hecho, la mayoría, que las obras no tienen un estilo tan concreto. Existen muchas cosas que lo impiden. Hay obras claves en cuanto a estilos, de las que podemos decir "es una obra totalmente gótica, con todas su características propias", pero la mayoría de ellas son transiciones de un estilo a otro, o influenciado por el anterior o tomando ideas del que viene, o como muchas veces pasa, el tiempo ha hecho que en restauraciones o "arreglos" tengan aportaciones de otros estilos. O casos como el de la catedral de Cádiz por ejemplo, iniciada en barroco y por el tiempo que llevó su construcción y su historia tan particular, terminada en el neoclasicismo. Podemos "clasificar" las obras, pero muchas veces, esto, puede llevarnos a errores. Aunque, sí, comprendo, que de alguna forma tendremos que hacerlo.

Cada obra lleva una historia detrás. Por desgracia no podemos conocerlas y saberlas de memoria todas. EStudiamos las más importantes, aprendemos y se nos queda en la memoria las más interesantes, pero... no siempre es así. Esta historia es la que nos dice qué es esa obra. Aunque rápidamente podamos definir a que época pertenece cada una según su estética tenemos que dejar claro que para determinar profundamente una obra hay mucho estudio por detrás.

Aún así, cuando alguien me pregunte "¿a qué estilo pertenece esa obra?" seguiré respondiendo según mis conocimientos en pocos segundos o espero que como mucho minutos y prometo no soltar este sermón al primero que se me ponga delante.

lunes, 2 de marzo de 2009

Artistas de Hoy






No todo van ser artistas recnocidos desde hace años y años. Hoy día también hay muy buenos artistsa. Unos más conocidos, otros menos y otros que serán reconocidos con el paso del tiempo. Todos aquellos que hoy día son famosos tuvieron sus comienzos.

Es el caso de Manuel Babiano, el autor del cuadro que encabeza el blog, que hoy cuelga en mi pared como ya expliqué en una de las primeras entradas. Otras de mis adquisiciones de su obra fueron unas zapatillas pintadas con diferentes motivos artísticos, ya sean inspiradas en Keith Haring y Miró (con las que me hice) o Klimt, Linchenstein, Kandinsky... una maravilla!:P

Aquí dejo unas cuantas fotos de muestra y adelanto que de vez en cuando le dedicaré un post a las cosas que vaya haciendo. ¡Merece la pena!

¡Ah! y aprovecho una vez más para insistirle en que cree un blog, una web o algo donde poder ponerse en contacto con él!!

¡Un besito Manu! y un besito a los demás.
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